――「Sphery Rendezvous」を振り返って、ご自身にとってどういうツアーになったという感触がありますか？

升：東京ドームのファイナル公演を迎える時にメンバー同士で話していたのは、この5年間の集大成的な感じがするよね、ということですね。前のアルバムのツアーをやりきったあとに、また「アカシア」から作り始めて。「Iris」というアルバムを作る間に「Silver Jubilee」、「be there」、「ホームシック衛星2024」という3本のツアーをやって。そういう2020年から2024年の集大成という感じがしています。

――ツアーが終わった時の感触はどうでしたか？

升：達成感と虚脱感みたいな感じですね。これまでのツアーと違うのは、これまでは常に次がもう決まっていて、終わったけど終わってないみたいな感じだったんです。特に「ホームシック衛星2024」から「Sphery Rendezvous」は、セットリストも違うし、期間も短いし、虚脱してる場合じゃなかった。でも今回はやり切った実感がありました。この数年なかった感覚でしたね。でも同時に寂しさもありました。お客さんの素敵な景色を見てきたけれど、その予定がなくなっちゃったなっていう。

――ここ5年間はコロナ禍でなかなかライブができなかった時期もあったわけだし、ライブの喜びや大切さみたいなものを一つひとつ積み重ねた5年間という感じもありますよね。

升：そもそもライブができないっていうところからのスタートでしたからね。僕らの場合は、まずスタジオライブで画面上から音楽を届けることから始めて。そこから幕張メッセでやって、その次の「Silver Jubilee」は歓声なしのライブハウスツアーで、次の「be there」の途中あたりから歓声がOKというタイミングになった。世の中が日常を取り戻していくのをステージ上から感じられたおかげで、今まで普通にライブをやれていたことの貴重さも改めて感じられましたね。

――2024年は「ホームシック衛星2024」と「Sphery Rendezvous」という2つのコンセプトのツアーがあり、しかもやることが全然違った。これはどうでした？

升：やってみると、そんなに間が空いてないんですよね。「ホームシック衛星2024」が4月末に終わって、4ヶ月くらいあって「Sphery Rendezvous」という。全然違うものっていうよりは、繋がったものとしての流れはありました。あとは「ホームシック衛星2024」の直前に「Sleep Walking Orchestra」が出たり、その前にも楽曲制作をしていたので。リリースした新曲をあえてやらないツアーをやったおかげで、「Sphery Rendezvous」で曲を届けたいというモチベーションがより高まったっていうのがある気がしますね。

――「Sphery Rendezvous」のツアータイトルを決めた経緯の話は藤原さんにお伺いしたんですが、そのファーストインプレッションはどんな感じでしたか？

升：まずタイトルに辿り着くまでのコンセプトというか、こういう思いがあって、こういうタイトルにしたいっていうのをすごく丁寧に説明してくれて。最初は「Sphery Iris」がアルバムタイトル候補だったんですよね。それが決まったのが2023年ぐらいだったんです。「ホームシック衛星2024」が始まる前、ツアーの打ち合わせをしてる時にその話が出たんですよね。こういうコンセプトのアルバムにしたいって。それで「いいね、いいね」と盛り上がって。で、そこから「Iris」になって、ツアータイトルが「Sphery Rendezvous」に決まったのが「ホームシック衛星2024」のツアー中だったんです。大阪でのライブ前だったんですよね。それも、リハの前後とかじゃなくて、ライブの始まる直前だったんです。藤原君が「『Sphery Iris』で考えていたんだけれど、『Iris』にした方がいいと思うんだ。だからそっちにするね」って。「え？」「いいじゃん！」って言ってるあいだに「星の鳥」が鳴り始める、みたいな感じだったと思います。

――そんな重要な情報を受け取ったばっかりのタイミングでステージに上がってたんですね。

升：そうなんですよ。で、その後の打ち上げの時にみんなで改めて話して、ツアータイトル「Sphery Rendezvous」とアルバムタイトル「Iris」で行こうって決まったっていう。そんな感じでした。藤原君はいつもすごく丁寧に説明してくれるんです。こういうインタビューの時はそういう話を何回か経て話が整理されているんですけど、もっと遡ったところからスタートして話してくれるので。

――特にここ最近、藤原さんのツアーや活動のコンセプトや考えの説明がとても饒舌になっていて、それがバンドの大事にしているものをリスナーと共有するうえですごく大きな役割を果たしていると思うんです。お話を聞いて、その最初の共有がメンバー3人にあるんだな、と思いました。

升：まずそうですね。そこで明確に説明してくれるから、山田健人監督だったり8%チームだったりとの共有もすごく純度高くできている印象もあります。どちらも僕らのことを理解してくれているし、素晴らしいチームでやれている。だからああいうステージだったり、ビジュアルが生まれてきてくるんだなって思いますよね。

――特にドーム公演のステージは円形で、照明を仕込んだリングの舞台装置もあって、すごく印象的なセットでしたけど、ステージに立ってみての実感はどんなものでした?

升：すごすぎて現実感がわかない感じでした（笑）。ベルーナドームで見たのが初めてですよね。興奮して「すげえ！」って言って、いっぱい写真撮りました。しかも動くし光る。やってると逆に全貌が分からないんで、後で映像作品を見た時には「こんなんだったんだ」ってすごくびっくりしましたね。

――映像を見ての感触はどんなでしたか?

升：今までやったことない感じでしたね。新しいけど違和感がないというか。ただ格好いいだけじゃなく、ちゃんと自分たちの音楽に対して存在している必然性がある。しっくりくる感じでした。

――ドラマーって、バンドのフォーメーション的には後ろからフロント3人を観る立ち位置ですよね。その視点ならではの感触というか、後ろから見るそのメンバーたちってどんな風に見えるんですか?

升：「行ったなあ！」って思うときはありますね。特にドームだと横は完全に視界から外れるぐらいの距離があるんで。「どこで弾いてるんだろう？」みたいな（笑）。距離が離れてもしっかり音で繋がってる状態っていうのは面白いですよね。距離があると客観的に見えるというのもあって、4人でバンドで演奏してるんだけど、3人がセンターステージでやってる時には普通に「かっこいいな」と思ったりします。自分もやってるんですけどね。

――「メーデー」とか「レム」とか「SOUVENIR」でセンターステージに4人が行く時って、すごいバンドっぽい感じになりますよね。

升：メインステージも他のバンドに比べて距離が近い立ち位置になってると思うんですけど、センターはよりギュッとしていて。当たり前ですけど、4人で音を出してることを感じられるのは楽しいです。

――セットリストについても聞かせてください。個人的に思い入れのある曲についてはどうでしょう？

升：やる前から期待してたのは「窓の中から」ですね。この曲がどういう風に響くのかなって。「ホームシック衛星2024」でもやってなかったし、オーディエンスと一緒に作る曲だから、どういう風にみんなが歌うのかなって、楽しみにしてました。期待以上でしたね。みんなが歌うところは自分が歌ってるところでもあって。ということは、マイクが横にあって横を向いているから、まっすぐ客席が見えなくて。それでもちゃんと拳を上げて歌ってくれてるのがわかったし、すごく嬉しかったです。

―― プレイヤー的な視点としてはどうでしょうか。ドラマーとしての見せ場や工夫があった曲はありますか。

升：「青の朔日」はレコーディングだとサンプル音源と生ドラムっていう2種類の音を使ってるんです。他の曲もそういうのは多いんですけど、どう再現しようかをいつも考えていて。サンプラーを叩いたりもするんですけれど、「青の朔日」に関しては、生ドラムでやった方がいいなと思って。でも途中で音色も変えたい。そういう時はスネアを2つ置いたりしてるんですけど、今はスネアの左側にサンプラーを置いてるからそれもできなくて。じゃあ、サンプル音源のところはスネアにミュートをして、生ドラムのところでそのミュートを外して叩けばいいんじゃないかっていうのを思いついて。それをやってたんです。たぶんあんまり気づかれてないと思うんですけど。

――曲の中で音色を切り替えていた。

升：ミュートを外したり、また戻したりして、2種類の音源を疑似的に出していたんです。注目もされていないし映像にも写ってないと思うんですけれど、これは画期的なことをやってたんじゃないか、発明なんじゃないかと自分では思ってます。

――他のメンバー3人の動きやパフォーマンスで印象に残っているところはありますか？

升：ヒロが「ガラスのブルース」でセンターステージに行ってソロを弾くところとか、「クロノスタシス」のアウトロでチャマと藤原君が向き合って、仕掛け合っているところとか、沢山ありますね。自分は淡々とリズムキープ主体のプレイが多いので、そういうところを見て熱くなったりしますね。

――今回のツアーではホールでのライブもありました。どんな体験でしたか？

升：ホールは本当に初めてだったんですよ。遡れば結成したばかりの時はバンドコンテストで日本青年館でやったりしてたんですけれど、ホールでワンマンライブをやったことは一度もなかった。だからスタッフから提案があったときには、もちろん他の人のライブで行ったことはあるけれど「どんな感じなんだろう」と思ってました。で、やってみたら、びっくりするぐらい近くて。最初は仙台サンプラザホールだったんですけれど、柵がないし、ステージが低いのもあって、体感としてはZeppより近い感じでした。あと、スタッフとかいろんな人に「音の聴こえ方がいい」って言われて。それは嬉しかったですね。

――当然、ドームは物理的に音が届くのに0.何秒かかるわけですよね。演奏とか全てのパフォーマンスが遠くのお客さんにもちゃんと届くことを意識せざるを得ない。

升：そうですね。音楽をやる上で距離は関係ないってつくづく思うんですけど。でも、物理的に近いというのは本当にパワーがあるなって思います。顔というよりは表情がはっきり見えるし、反応がダイレクトに感じられる。ライブハウスもそうなんですけど、ホールは客席が傾斜になってる分、1人1人の顔がよりはっきり見える。自分たちの出した音にどう反応してくれてるのかっていうのがつぶさに分かる感覚は新鮮でしたね。

――ツアーで各地を回ってきましたが、印象的だった場所や記憶に残ってる光景についてはどうでしょう？

升：これも仙台サンプラザホールなんですが、10月9日ですね。これはチャマの誕生日だったんです。だからサプライズでお祝いしようってなるじゃないですか。それが見事にドッキリ大成功って感じで。アンコールの時、こっそり作ってた「Happy Birthday Chama」っていうTシャツをみんな隠れて全員着て。「おめでとう！」って言って。「ハッピーバースデー」をみんなで歌って。予定通りアンコールで2曲やって終わって、みんながハケて。たぶんフジ君がチャマをステージにあげて、チャマがMCして、それで終わりかなって思ったら、チャマからステージに呼び出されて。ベースを持ち出したら「何が始まるのかな、もう1曲アンコールなのかな」って思ったら「これからGreen Dayやります」って言って。ダブルアンコールでGreen Dayの「She」をやったんです。

――これは予定になかった？

升：そうですね。なんでこの曲をやったかという経緯があって。僕らの楽屋のルーティンで「She」を演奏するっていうのがあるんです。僕はドラムセットがないんでパッドを叩くんですけれど。それでウォームアップ的にテンションを上げるというのをいつも楽屋でやっていて。

――昔のツアーからいつもやってたんですか？

升：いや、最近ですね。「be there」の時に始めて「ホームシック衛星2024」でもやっていた。「She」は結成した頃にコピーでやっていた曲で、その時の感じが熱いよなみたいな感じでやり始めたんですね。ただ、僕にしてみれば、ドラムセットで「She」を叩くのは20年以上ぶりだったんです。いつもは楽屋でトコトコ叩いてるだけだったんで。でも、やってみたらすごくよくできた。ビックリしたし、面白かったですね。

――サプライズ返しだった。

升：そうです。ドッキリ返しです。でも構成もバッチリで、終わるところも一緒に終わって、上手くいった。その日の打ち上げも「おめでとう！」「やったな！」みたいな感じでした。ライブの最後のダブルアンコールで藤原君が歌い出して、急いでステージに上がるとか、そういうサプライズは前にもあったんですけれど、Green Dayの「She」をやったのは初めてですね。

――楽屋のルーティンの話はお伺いしましたけれど、その他にもツアー中の決まり事はあったりしますか？　たとえば体調管理のために気を遣っていることなど。

升：あんまり驚かれることはないですよね。ストレッチしてウォームアップしているくらいで、何も特別なことはしていない。当たり前のことをしっかりできることが大事だと思います。強いて言うなら、今回のツアーからライブ翌日のルーティンが変わったんですよ。ライブをやった次の日はいつも早めに目が覚めるんですけれど、疲れてるからお昼ごろまでベッドの上でゴロゴロしてたんですよね。でも、今回のツアー中の大阪あたりから、朝に起きて外に出て周りを散歩するようになった。それを習慣づけたらその日の眠りがすごい良くなった。早起きするようになりました。

――ちなみに、升さんのオンステージの決まり事みたいなことについても聞いてみたいと思うんですけれど。MCの時、いつも直立不動になっているじゃないですか。

升：そうですね。なんかわかんないけど立ってる人っていう。

――だいぶ昔からそうですよね。改めてなぜそうなったんでしょうか？

升：これはインディーズ時代、下北沢でライブやってた頃からのことで。その頃に配っていたアンケートで「見えなかった」という声がすごく多かったんです。でも当時の僕は反骨心に溢れてたんで、MCの時に「どうだ？　見えるだろう？」みたいな感じで立っていたという。それがずっと続いているんですよね。あとは、みんなが喋ってる時に座ってると休んでるみたいで気まずいのもあったりします。

――MCで喋らないというのも毎回のことになっていますよね。ドームの時は肉声で「楽しい」って言って、その言葉を藤原さんとかチャマさんがみんなにマイクを通して伝えるみたいな場面もありました。これの由来は？

升：これも遡ること20年くらい前の話なんですけど、ドラマーの諸先輩方にはMCでマイクを使って面白い話をする方々が沢山いて。「これ、無理だな」って（笑）。だからマイクもなくていいって感じになったんです。

――最後に聞かせてください。ライブでのオーディエンスの皆さんからの反響からはどんなことを感じましたか？

升：当たり前のことなんですけれど、聴いてくれる人がいるからライブができているというのは、改めて思います。またライブできるのがすごい楽しみだし、新しい曲を通して繋がれるのが楽しみだし、すごく素敵なことができている。そういう当たり前のことがすごく重く感じられるようになってきましたね。

――BUMP OF CHICKENって、すごく不思議なバンドだなと思うんです。4人で成立していて、4人でずっと活動が続いてきている。でも、どんどんバンドが新しくなっているし、オーディエンスとの新しい出会いもある。そういう幸福なサイクルが回っているバンドだと思うんです。その感覚についてはどうでしょうか？

升：もちろん中心には4人があるんですけれど、山田健人監督だったり、8％だったり、いろんなスタッフだったり、新しい出会いの中で生まれているものもあるので。みんな、知ろうとしてくれているし、理解しようとしてくれている。それがビジュアルやステージセットにも表現されている。自分としては、コアの部分は一緒だけど、見える景色はどんどん変わっている感じがします。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」升秀夫インタビュー

「Sphery Rendezvous」直井由文インタビュー

――「Sphery Rendezvous」を振り返って、バンドにとって、ご自身にとってどんなツアーになったと感じていますか？

増川：1年間に2回ツアーをやるっていうのはあまりなかったことで。だから、ある種の試練というか、短い期間で良いものにするために超えるべきハードルもあった。それもあって感慨深いものになったなと思います。アルバム「Iris」からの新曲を沢山やったし、いろいろな挑戦ができて面白かったですね。

――準備することも沢山あったと思うんですが、そのあたりはどうでした？

増川：フェスや単発のライブで徐々に曲を披露していくことが多かったんで、いきなり沢山の曲を初披露するツアーの機会はそんなになかったんです。「ホームシック衛星2024」とセットリストも全然違ったので、その前から少しずつ準備してました。曲のレコーディングが終わって少し経つと感覚が離れちゃうので、そうならないように自分の中で細かいフレーズを確認するようにはしていましたね。

――ツアーに向けてコンディションを整えたりする部分もありましたか？ 

増川：始まるまでの準備って、机上の空論の状態がずっと続くわけですよ。どんなにみんなで合わせても、どんなにアンプのセッティングを変えて音をいじっても、あくまでお客さんがいない状態での作業でしかない。ステージ当日まで反応は見られない。そのもどかしさみたいなものがずっと続くんですよね。だからツアーが始まって「これで良かった」って安心した感じはありました。始まってからはずっと楽しかったですね。

――ツアー初日はベルーナドームでしたが、そこでセットや演出を見た時の感覚はどうでしたか？

増川：僕らがセットを最初に見た時も、お客さんの反応に近いものでした。「わ、すごいな」って。神々しいというか、ここで演奏したらどうなっちゃうんだろうみたいなワクワク感がありました。いろんな人たちの準備が初日に収束するので、初日はとても大きな経験ですね。

――山田健人監督の演出はどうでしたか？　円形のステージとリングのインパクトはかなり強かったんじゃないかと思うんですが。

増川：「何か、とてもすごいことが起こるぞ」みたいな感じでした。山田監督はすごく頼もしい感じがありますね。自分たちのライブに対するモチベーションは変わってないんですけど、後押ししてくれるというか、こっちの気分も高めてくれるようなところがある。楽しむ幅が広がったというか、演出によって自分も入り込んでやれるようになった。すごくポジティブな経験でした。

――ベルーナドームはかなり体力的にキツいものだったそうですが、そのあたりはどうでしたか？

増川：すごく暑かったです。ゲネプロも含めると体力的にはかなりしんどかったのはあって。でも僕としては、ここがピークだなっていう。これよりも大変なところはないだろうと思っていたんで。この夏を乗り越えようという感じでした。

――その後のバンテリンドーム ナゴヤ、京セラドーム大阪の辺りはどうでしょうか。オフステージも含めて、どんな記憶がありますか？

増川：それこそベルーナドームも、名古屋も大阪もそうだったんですけど、最近は会場に入ると、楽屋までの廊下に現地のイベンターが名産品のコーナーを作ってくれているんです。それがすごく嬉しいんですよね。ホワイトボードに「歓迎」って書いてあったりもする。各地でその写真を撮って残してあります。僕はそういうのも楽しみなので。ライブはもちろんですけど、それにまつわるいろんなことが好きなんですよね。

――チャマさんのSNSの発信を見ても、各地でメンバーみなさん一緒にご飯を食べているのがわかります。

増川：そうですね。メンバーとスタッフと、主に前乗りした日の夜にご飯を食べに行ってます。ライブ後は遅くなるし、あまり沢山は食べられないので。

――ツアー各地で食べたもの、美味しかったものにはどんなものがありました？

増川：仙台ではセリ鍋が美味しかったですね。北海道は海鮮も食べたし、ラーメンも食べました。名古屋は天むすと、味噌煮込みうどんと、ひつまぶし。福岡はイカのお刺身も美味しかったし、ここでもラーメンを食べました。僕は各地で行ったお店をGoogleマップでピン留めしてるんです。いつかまた行けるように。何年か前からやってますね。

――金沢はどうですか？

増川：金沢も魚が美味しかったですね。あとは地元の丸芋が入っていたお鍋がすごく美味しくて。こっちでは食べないようなお鍋で最高でした。各地に3泊くらいするんですけれど、まともに夜ご飯を食べられる日ってなかなかないので。だから大事にしたいし、なるべくみんなで一緒に行けたら僕は嬉しいです。

――宮城、北海道、金沢はホール公演でしたが、初めてホールに立ってみての感触はどうでしたか？

増川：やっぱり客席が近かったですね。ドームとホールはキャパの差がすごいので、どうなるんだろうと思っていたんです。でも僕らは古くからライブハウスでやってきたので、全然平気だった。ただ本当に近いんで、その感じは面白かったですね。すぐに客席に降りられるような距離感だし、そこで確かめられたものもありました。ドームって、ステージから歓声は聞こえるし、手は上がっているのは分かるけれども、表情までを読み取ることはさすがに難しいんですよ。でもホールの距離感だと表情もわかるし、こういう人たちが来てくれてるんだなって感触が掴める。僕らとしては、大きいところでやるのも好きだし、近いところでやるのも好きなんですよね。いろんな地域に行きたいというのもありますし。

――ツアーを振り返って、個人的に特に記憶に残ってる場所はありますか？

増川：金沢は久しぶりだったし、初めての会場だったんで、ハッキリと覚えてますね。7年ぶりということを言ったMCの感じも覚えていますし、街の感じも好きなんですよ。ドームと違って、普通の住宅っぽいところに会場があるんです。その街にお邪魔させてもらった感じがしてよかったですね。よくライブ翌日に街を歩いたり、地元の温泉に行ったりするんです。金沢でもタクシーで温泉に行きました。各地でそういう場所を調べるのも好きなので。

――ライブ前後のルーティンについても聞かせてください。楽屋やオフステージではどんな感じで過ごしているんでしょうか？

増川：ライブ前のルーティンはメンバーそれぞれあると思うんですけど、僕もある程度は決まってきていて。当日朝は会場でご飯を食べて始まります。前日は早く寝て、起きたらストレッチして楽器を触る。メンバーとはあまり会わないんですよ。みんないろいろやってるんですよね。喉の調子を整える人もいれば、セッティングで楽屋にいなかったりする人もいれば、イヤホンで曲を聴いてチェックしてる人もいる。それぞれのルーティンがあって、自分もいろいろ確認したりしてますね。

――決めていることはありますか？

増川：自分の中のルールとして、あまりお菓子を食べないようにしているというのはあります。深い理由はないんですけれど、口の中が甘ったるくなるのを避けたいというのと、血糖値をそんな上げたり下げたりしない方がいいと思うので。そういうことは気にしてますね。

――オンステージの決め事についてはどうですか？　動きやパフォーマンスで心がけていることは？

増川：山田監督と一緒にやるようになってから、いろんなアドバイスをくれるようになったんです。いつもステージの端の方まで歩いていったりするんですけれど、曲によってはあまり激しく動かない方がいいと言ってくれたりする。むしろこの曲は行かない方が格好いいです、と。そういうこと言われたのは初めてで、すごく見えてるんだなって思いました。自分の立ち位置と照明や後ろのモニターとの関係も含めて、有機的にステージが作られているのを信じられるので、いい意味で、あまり個を出す必要がないと思うようになった。自分が積極的に意識しているわけではないんですけど、そこについては安心してやってますね。

――見ている人からすると、動きにメリハリが効いて感じられるのは大きいと思います。

増川：そうなんですよね。この曲でここまで行く、っていうのをとっておいてあるというか。その効果は大きいと思います。

――セットリストについても聞かせてください。思い入れのある曲、記憶に残っている曲はどうでしょうか？

増川：みんなも同じこと言ってそうだけど、「レム」のアイデアは自分も意外だったので、とても新しい気持ちでやれました。あと「アカシア」にはすごくお世話になったような感じがありますね。ライブにおける新たなアンセム的なポジションになってくれたのが、すごく頼もしかったです。

――「お世話になった」って面白い表現ですね。でもアンセム的なポジションになったというのはすごくわかります。

増川：そうなんですよ。ライブは生物で、僕らとお客さんで作っていく空間だと思うんですけど、それにおいて「アカシア」はとてもいい結びつきを生んでくれる。気持ちを連れていってくれるような感じはありました。

――コロナ禍でライブができない時があったり、声が出せない時期があったり、そういう過程でできた曲ゆえのエネルギーみたいなものが曲に宿っているような感じもありますね。

増川：本当にそうですね。最初に「アカシア」をやった時は、まさにそういう状況だったので。コールアンドレスポンスはできなかった。そこを超えてきた曲でもあるので、こっちも感慨深い気持ちになりました。

―― ギタリストとしての目線ではどうでしょう？　ギターのプレイや音作りに関してこだわった曲は？

増川：「青の朔日」や「邂逅」は、ギターのサウンド面でライブに向けてかなり作り込んでいきました。今までの、クリーン、クランチ、ソロという3つだけじゃ、どちらも全くチャンネルが足らない曲なので。それ以上の、1曲の間に7つくらいの音色を使い分けてます。

――どちらの曲も音色に語らせるというのが楽曲に求められる感じはありますね。

増川：そうですね。生半可じゃ演奏できない曲だなとは思います。すごく繊細で、やればやるほど、突き詰めるポイントが精細になっていくみたいな感じでした。他の曲もどんどんそうなってきてますね。「ガラスのブルース」も「もっと合わせられるんじゃないか」みたいな感じになってきている。藤原君がギターを弾かなかったら、演奏は3本だけで、そこに歌が乗る。それって究極の状態じゃないですか。一番ソリッドで、一番楽しくて、一番恐ろしい部分だという。そういうことは考えてますね。「レム」もそうですね。「レム」は、このツアーのリハの初日から最終日までで作ったようなもので。この曲は曲中でギターを持ち替えてるんですけれど、そういうことって、これまでほとんどなかったんです。それもスリリングで面白かったです。あの曲の後半はかなり没入してますね。

――あそこまでギターを弾きまくるシーンは、BUMP OF CHICKENの楽曲だとなかなか珍しいかもしれないと思いました。それによって生まれるパワーも大きいし、センターステージでそれやってるというのがすごくいいなと思います。

増川：確かに。僕もやってみてもさらにいいなと思いました。センターステージはすごく良かったですね。曲の表情が変わるところも含めて、自分たちも楽しかったです。

――ツアーファイナルの東京ドームでのことについても聞かせてください。MCで「始まったからには終わってしまう」と言ってました。あの時にはどんな思いがありました？

増川：本当にその言葉の通りなんですよ。毎回その日のためにいろんなものを持っていくんですけど、これが終わったらその場所はなくなるんだなって。単純に寂しい気持ちがあった。「始まったぜ！」って言えばいいんですけどね。そういうつもりだったんですけど、そう言ってしまう。

――序盤から終わってしまう寂しさを共有しているって、すごくBUMP OF CHICKENのライブらしいなと思います。

増川：そうですよね。年齢と共にそういうことを考えるようになったのかもしれない。さっき言った、なるべくみんなでご飯食べたいというのも、わりとそういう気持ちもあって。全てを知っている神様のような存在がいるとしたら、「この日のライブは、一生のうちの何回目だよ」って知ってるわけじゃないですか。そういうことを考えると寂しくなってくる。各地で食べた食事もそうですし、みんなで行った移動の時間もそうですし。そういうことを考えることが増えたような気はします。

――ツアーを終えて、その先の予定はしばらくない、と。その時の気持ちはどうでしたか？

増川：直後は、抜け殻的になってました。しばらくしてからじわりと、「もうないんだ、寂しいな」という思いがやってきて。2024年はほとんどそうだったんですけど、家に帰ってもスーツケースをしまわないんですよ。洗濯物を出したり、多少は片付けるけれど、すぐ出せるように部屋の隅っこに置いていたんです。それをしなくて良くなったなって思った時にすごく寂しくなってきて。そういうところで実感がわいてきました。でも、いいツアーをやれた手応えもあったので、自分をいたわってご褒美を与える時間を能動的に作ろうという気持ちもありました。頭をフレッシュにしたかったし、のんびりと、あまり予定を考えずに過ごすこともした方がいいだろうなと気持ちを切り替えるようにしてました。

――わかりました。ちなみに、ツアー中にハマっていたものについてはどうですか？　コンテンツでも行動でも、マイブーム的なものはありましたか？

増川：僕は相変わらず、iPadに漫画を入れて読んだり、昔から好きな音楽を聴いたりしてましたね。あまり好みは変わってないんです。最近だったらSmashing Pumpkinsを聴いていたし。そんな感じで、若い頃から変わらず同じようなものを聴いてます。いい音を聞くと、「その音ってどうやって出してんだろう」みたいな。そういう作用もあるので。

――漫画はどうでしょう？

増川：漫画は電子書籍化してから、気付いたら沢山本を買ってますね。最近の漫画は本当に面白い。『この世界は不完全すぎる』とか、いわゆる異世界系も沢山読んでました。あとは山田芳裕先生が好きなので『望郷太郎』も読んでましたし。ジャンプも大好きなんで読んでました。あと、最近は藤田和日郎先生の『シルバーマウンテン』が出たのでそれを読んでます。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」増川弘明インタビュー

――ちなみに、ツアーで思い出深いエピソードはどんなものがありましたか？

藤原：若い頃って、もっと各地を観光していたんですよ。でも、ライブに向けて「こうやったら声がもっと出る」とか「こうやったら翌日の筋肉疲労が減る」とか、いろいろわかってくることが増えてきて、だんだん観光できなくなってきた。いいことではあるんですよ。伝えたい思いがあって、そのためにしっかり準備するわけなので。でも観光があまりできなくなったことは寂しいことではあるんです。それでも今回は金沢の2days終わった次の日に1人で頑張って観光に行きました。頑張って早起きして、タクシーに自分の身体を放り込んで、前に友達に教えてもらった神社に行ったんです。そしたら、朝から土砂降りだったんだけど、タクシーから降りたら雨が止んだんです。帰りにタクシーの運転手さんに「ここの近くにあるあそこの神社も人気スポットだよ」って言われて。神社を2つ巡って、すがすがしい気持ちで帰りました。ヘトヘトだったけれど、金沢のライブに来てくれた人の街のことを少しでも知ることができて、刺激的でした。

――プレイヤーとして熱量高く向き合ったと思える曲にはどんなものがありましたか？

藤原：ギターにおいてリードを取る曲が何曲かあって、そのうちの何箇所か、例えば「飴玉の唄」のギターソロとかでは、各会場で同じことを弾かないというのはありましたね。最初に何回かやってるうちに毎回違うフレーズが出てきたんで、その時の思いつきで弾こうとなった。それは面白かったです。

――リスナーの中にはご存じの方も多いと思うんですが、藤原さんはライブごとに曲の歌詞が細かく変わることもありますよね。ギターフレーズが変わるのと共通するような感覚はありますか？

藤原：同じだと思います。ギターフレーズが変わる、歌詞が変わる、歌メロがアレンジされる、これは全部同じところが出どころになっていると思います。音楽的な楽しさだったり、本能的に伝えたいと思ったことが優先されてしまうんですね。気をつけてはいるんです。たとえば「ここは他のメンバーがハモるところだから」とか。でもそこで別の歌詞を歌っちゃったりする時も稀にある。そうするとハモるメンバーはびっくりするじゃないですか。特にヒロとチャマには「ごめん」ってなる時はあるんですけど。そこでも自分の本能的な部分が優先されちゃう時があります。よくあるじゃないですか。若い頃は原曲に忠実に歌っていたミュージシャンが、キャリアを積むにつれて、歌い方にクセが出てきたり、やたらアレンジするようになるって。でも僕は若い頃からそうなんで（笑）。

――たしかにそうですよね。

藤原：ライブって、そうなっちゃうんですよ。目から入ってきたり感じたりした情報がそのままその時歌う言葉に反映される。やろうと思ってそうなるわけではなくて。ただ、曲によるんです。ギターフレーズに関しても、決まったことをちゃんとやることが自分の中でビンビン来るという曲もある。でも、そうじゃないものは毎回違うことをやりたい。今のところはそれで良いかなと思っています。原曲と全く同じものが聴きたいという方に対しては、ただただ「ごめんね」と思います。年とったからとかそういうことでもなく、ガキの頃からこうなんです。その時の音楽的な楽しさ、本能的に伝えたいと思ったことが優先されてしまいます。

――ツアーを振り返って、どの公演が印象的でしたか？

藤原：仙台サンプラザホールは心に残っています。チャマの誕生日をみんなでお祝いできたのも嬉しかったし。あの日はチャマが最後に出て一言言わないとお客さんも納得できないよなと思って、僕がチャマに締めの挨拶を促したんです。そしたら「メンバー出てきて」と言われて、楽器を持つよう促された。で、チャマはまさかのGreen Dayの「She」をやろうと言い出して。

――やってみてどうでしたか？

藤原：「She」は、「ホームシック衛星2024」の時に楽屋で本番の5分前くらいにウォーミングアップ代わりに演奏してたんです。升くんは練習用パッドを叩いて、増川くんがミニアンプを使ってエレキを弾いて、チャマはベース、僕は歌うだけか、あるいはアコギがあったらアコギも弾く。それでGreen Dayの「She」と「Pulling Teeth」をやっていたんです。どっちも10代の時にコピーして実際ライブハウスでもやったこともある曲です。「ホームシック衛星2024」の時はやってたけど、「Sphery Rendezvous」になってやらなくなっていたんですよね。で、その曲を突然チャマからリクエストされて20数年ぶりにステージでやったんです。2番のところは音源ではなくライブバージョンのビリー・ジョーを真似して歌うみたいなことまでしちゃったりして。チャマが「She」をやろうぜって言ったときはびっくりしましたが、でもやれてよかったなって。思い出の曲を4人であのタイミングでステージの上でやることができて、それを仙台サンプラザホールに来てくれたお客さんに見届けてもらえて、本当に良かったなと思いました。

――最後に聞かせてください。アルバム「Iris」のインタビューをさせていただいた時には「これからツアーに向かって、そこで『きっとこういうことだったんだ』って気付くこともあるだろう」と仰ってました。その予感に対して、実際にツアーを終えた時に感じたことはどんなものでしたか？

藤原：終わった時に感じたことは、結局、バンドのことは俺たち4人全員が分かってたんだな、ということだったと思います。だんだん気付いていったのは、これは5年分の何かだったということ。9月7日から12月8日までの3ヶ月間のことではなくて、ケリをつけなければいけない5年分の何かを持ってステージに上がってたんだなっていう。28年分の何かとも言えるかもしれない。それは「Sphery Rendezvous」というタイトルをつけた時にきっと思っていたこと、感じていたこと、分かっていたこと、知っていたことで。もしかしたら知っていることに無自覚だったり、無意識的なものだったかもしれないけれど、その大事なものを分かっていくツアーだった気がします。曲を受け取ってくれた人が存在するということ、そしてその人と会うということ。この4人でいる意味とか、ステージがあること、ライブをすることの意味とか、そういう根源的なものが全部詰まったツアーだった。それを僕ら4人は知っていたということを分かっていった気がします。だから新たな発見があったとかではないです。

――必然を手にしていくという感じですね。

藤原：そうですね。より自分たちのことが分かった。そういう5年間であり、1年間であり、3ヶ月間だったなと思っています。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」藤原基央インタビュー

-このインタビューは「BUMP OF CHICKEN TOUR 2023 be there」最終日である5月28日に公開されるアプリ「be there」のオリジナルコンテンツとして掲載されます。
はじめに、この「be there」というツアータイトルとアプリ名、アプリ自体に込めた思いについて、教えてください。

アプリは最初はスタッフから提案をもらって、そのプレゼンテーションをメンバー4人で受けるところから始まったんですけど、その時の僕らの反応としては8割が「すげー」みたいな感じで。
　
「なるほど、こんなことが出来るんだ」とか「え？そんな事がやれる可能性もあるの？」みたいな「すげー」と「期待」が詰まった内容で、僕たちの思う「こうだったらいいな」が沢山あるものだったんですね。
　
その「こうだったらいいな」をさらに4人とスタッフと技術者の方とでやりとりしながら、このアプリは少しずつ作られていったものです。

その「こうだったらいいな」っていうのは、これはキャリアを積むにつれてどんどん肥大化していった思いで、今なお年々強くなり続けているんですが、ライブで出会う一人一人、僕らの音楽を受け止めてくれた一人一人の少しでもそばにいけないか、という事なんです。

ミュージシャンである以上、自分も、自分の音楽も、リスナーという存在にものすごく支えられていて。聴いてくれる人がいるって事は間違いなく救いで。
 
聴いてくれる人がいる、その結果として自分が音楽をやっているこの世界に自分の居場所があって。
 
その人の日常の中の暇つぶしみたいなほんの何分かでも「君は耳を貸してくれている」っていうこの事実が、僕の心の拠り所、居場所を作ってくれていて、その事実に何度も助けられているんです。

例えば今回のツアーでも2か所、今まで行った事のない街に行ってライブさせてもらって、この街ではデートや友達と遊ぶ時にこんなところで待ち合わせして、放課後はこんなところに寄り道してこんなゲーセンとかでみんなで溜まって、みたいなものは僕たちは当然何も知らないわけですよ。
あっちの通りに行ったらちょっと怖い先輩とかいるからあまり行かないようにしよう、みたいな事とかね。
そういうその街における特有の原体験、原風景のようなものを共有した事は、僕たちとライブに来てくれる人との間には無いはずなんです。

それなのに、地元が一緒なわけでもなく、長い時間や体験を共有したわけでもない間柄なのに、ライブで出会ってほんの数時間を共に過ごしただけなのに、すごく繋がっている感覚があって。
この感覚は自分勝手な、もしかしたら僕だけかもしらんけど、すごく深いところでものすごく大きなものを共有したような感覚があって。

みんなが見てくれているように僕も見るわけじゃないですか、ステージからみんなを。
そうすると、こっちの40代くらいの女性は3曲目でノリノリですごい笑顔で、こっちの20代くらいの男性は4曲目で涙流して鼻水垂らしながら聴いてくれてて、その時は最初の女性はそんなでもなくて（笑）、みたいな様子を目の当たりにするんですけど。
こっちの人にとって3曲目はよっぽど何かあったんだな、こっちの人にとって4曲目はよっぽど何かあったんだな、って思うわけですよ。
もっと言うと、同じ曲で2人泣いていても、こっちの人とこっちの人じゃ、なんでその曲で泣いてしまうのかっていう理由やストーリーはそれぞれ全く別のものがあるわけで。
その涙が嬉しいものか、悲しいものなのかさえ違うかもしれない。
何か大切な物語があって、こう涙や笑顔や鼻水やらになるわけじゃないですか。その理由となる背景や文脈を知りたくなるんです。

人生のどこかのタイミングで、僕らの知らない街で僕らの音楽を受け取ってくれた人がいて、その人と僕との真ん中には音楽があるっていうたったそれだけなんです。
僕は僕で、たったそれだけの事にすごく助けられていて。
僕らが音を出したら君は聴いてくれる、耳を貸してくれる、っていう事実に何度も救われているんです。

スタジオでレコーディングしている時にも、マイクの向こうに待ってくれている人、受け止めてくれる耳が存在している事を想像するし、ライブだとそれを実際に目で見て、その感覚がより確かなものになって。

今目の前で泣いているこの人は、あの時あのスタジオで僕が想像した耳の持ち主なんだ、ようやく会えた、と。
こんなにもその一人一人と繋がれたような、大きな何かを共有できたような、そんな感覚って他にはないだろう、と。
でもその相手と共有できているものはそれ以外にはないわけで。

で、こんなに深いところで繋がれたのに、1時間とか２時間とか時間が過ぎれば当然ライブは終わるわけで、あっという間にお別れで、僕はステージを降りるわけです。
ステージの上から見えたあの人やこの人やあいつやこいつから感じた事を抱えたまま、ホテルや家なりに帰るんです。
そうするといっぱい考えちゃうんです。
ついさっきまで目の前にいた人はそこでライブの時間を共に過ごした以外は何も知らない相手なんですよ。

その人はこの先の未来で、大丈夫な時は大丈夫だろうけど、ピンチの時もあるかもしれない。
疲れてる時、人に会えない時、布団にくるまってる時、引きこもってる時、メイクだけは出来たけどやっぱり家を出る一歩が踏み出せないとか、学校行こうと思うとお腹痛くなっちゃうとか、そもそも何もできないとか、そういうピンチがあるかもしれないですよね。

そんな時、これも勝手な話ですけど、どうにかして側にいられないかなという思いがあって。
なんでそうしたいかというとやっぱり、さっきも言いましたけど、救われてきているんですよ。

ほんと曲書いてる時とかにどうしようもない袋小路に迷い込むような時もあるし、自分が好きなものを他の人が好きになってくれるかどうかにはいつも自信ないし、そういう時に「この曲をいつか聴いてくれる君がいる」という事実が、灯台のように目印になる時があるし、足元を照らす松明のような味方になってくれる時もある。

そうしてもらったから、自分にもそれが出来るならしたいんです。
照らしてくれたから照らしたいし、こっちだよって手を振ってくれたから振り返したいんですね。
居場所をくれた相手の居場所にだって、なれるんだったらなりたいんですね。

こういう思いは元々ずっとあって、27年の活動の中で日々強くなっていったものなんですけど、音楽をやる上で改めて重要なものだなと思うんです。

そういうところから「be there」という名前をこのアプリに付けました。

そんでそのままツアータイトルにもなっちゃいました。
ちょうどその頃、今年2月からのアリーナツアーのタイトルを誰も思いついていなくて、元々は昨年のライブハウスツアーからの流れで「Silver Jubileeアリーナ」みたいな感じに自動的になりそうだったんだけど、「25周年」っていう意味の「Silver Jubilee」を一体いつまで擦るんだろうねっていう話にも、皆の中でなっていて。
いいかげん27周年じゃんって誰かに言われる前に自分達で思ったというか。
でも誰も代案を思いつかないみたいな状態で。

じゃあこの「be there」が良いんじゃないか、となったわけです。
この言葉はアプリの名前としてだけじゃなく、そもそも自分たちの活動の根元にとても近い部分を表していると思うし、自分たちにとって今一番熱のこもっている言葉がツアータイトルになるなら、それはとても相応しい事だと思うので。

オーロラを見に行くより難しいこと

-ありがとうございます。では、その重要な概念であるbe thereとタイトルを付けた、このアプリに求めていることをもう少し教えていただけますか？

自分の音楽を聴いてくれた人や、それをきっかけにライブに来てくれた人に対する思いはここまで散々お話しさせてもらったとおりですが、なんだったらその一人一人と、ファミレスとかで朝まで語り明かしたいくらいなんですね。
でも物理的にも時間的にも不可能な事で。
これは今まで本当にどうする事もできなかった、どうしようもないモヤモヤを抱えていて。

それこそ、「オーロラ見に行く」とかより「ライブに来てくれた1万人の一人一人とファミレスで語り明かす」の方がよっぽど難しいじゃないですか。
オーロラは見に行く気になったら、ちょっと頑張ったら行けたんで。
これはどれだけそうしたくてどれだけ頑張っても、どうしようもない事というか。

そういうどうしようもないモヤモヤを27年悶々と抱えていたところに、アプリを作ってみないかって話がきて。
なんか今まで抱えてきたその思いが、形は違えど少しは叶うんじゃないかって思えたんですよね。

何人いようと、何万人いようと、望んでくれた人、選んでくれた人の一人一人の日常の近くにいさせてもらう事。
そうしたくてもそうできなかった事。

このアプリならそのどうしようもないモヤモヤが、ライブや今までの活動とは違う形で解消できるかもしれないって、そんな切実な思いとワクワクがあります。
こういうアプリがあれば、なんかこう、なんとかできるのかな、って。

僕は聴いてくれる人の存在に何度も助けられてきたんですね。
辛い時は心の拠り所になってくれたし、ミュージシャンとして居場所をもらったという気持ちもあります。
だから同じ役割を果たしたいんだと思います。
僕らの音楽が、大切に聴いてくれるその人の拠り所や居場所になれたら本当に嬉しいし、このアプリがそうなれたらいいなと思っているんです。

-ありがとうございます。話が聞きたい、君と話がしたい。その思いが本当に伝わってきます。新曲、「窓の中から」にも「ここにいるよ」と居場所を感じさせるフレ
ーズが出てきますね。

そうですね、「会う、話す」っていう行動はコロナ禍において制限されて、2年8ヶ月ぶりの有観客ライブを2022年の我々のごく私的な記念日である2/11に予定していたのですがそれも7月に延期になった上でようやくやる事ができて。
「会う、話す」って事も制限されて「有観客ライブ」なんていう特殊な言葉が生まれるような、そんな中で「窓の中から」っていう曲を書いた事もおそらく手伝って、考える事、思う事もありました。

曲を聴いてもらえる、ライブで出会える、ってことは、僕らはいつも一人一人、それぞれの世界をそれぞれの目的を持って旅をしていて、その旅の中でたまたま出会えたくらいの奇跡みたいなもんなんだな、と。

そんな奇跡みたいな繋がりの先にもそれぞれの世界はまだ続いているわけで。
その先の世界でも僕らのことを探してくれたんだったら、スマホっていう窓枠を通してそっちの世界から見つけてくれたんだったら、昼夜なんか関係ない締め切った部屋の中で、息の詰まりそうな空の下で、スマホだけなんとかタップしてくれたんだったら、そこにはどうにかして僕らは居たい。

そういう思いが積み重なって広がって凝縮されていって結果こういう、「誰も知らない銀河に浮かぶ小さな窓」というモチーフのテーマになるような概念に辿り着き、それをVERDYに伝えたら、いつもなんですが今回もすごく真剣に聴いてくれて、すごく大切にデザインに落とし込んでくれて、今回のツアーのいろんなアートワークとアプリのロゴのデザインが完成しました。
見る度にワクワクします、最高のデザインをしてくれました。

自分たちでコントロールできるメディアがあったらいいのになって思った

ごめんなさい、アプリに求める事ですよね。

これはやっぱりコロナ禍の時に思った事なんですけど、コロナ禍においての最初の一年くらい、どういうふうに活動していったらいいかわからなかったんですね。
ライブはもちろんの事、普通の制作作業はおろかミーティングにさえもそれなりに制限が及んで、もどかしかったですね。
もともと発信する手段が決して多くはなく、ただでさえフットワークの重めな僕らは、今まで応援してくれていたリスナーに、この制限の中にいる今、僕らの音楽や思う事を、どうやってどんなふうに伝えられるか、というところでだいぶ足踏みしたんです。

毎週やらせてもらっていたラジオもしばらくお休みしていて、様子を見ながら再開する運びになったけど、やっぱりラジオって人様の局にお世話になっているものだから、ラジオに限らずあらゆるメディアに言える事ですけど、やっぱりあの制限の中で皆さんがそれぞれの責任を持って運営されているもので。
僕らの番組だからといって僕らの都合で好きな時に好きなようにやって良いものではないし。
全部のメディアに対してそうですよね。
僕らが何かしたいとしても、僕らが何か発表したいものがあったとしても、完全には責任持ってコントロールできない。

こんな時自分でコントロールできるメディアを持っている人たちは、もっとそこは強かったろうな、もっと積極的にメッセージを送れたろうなと思いましたね。

だから何かを発表するにしてももうちょっとオフィシャリティが高くて、もうちょっと近くに感じられて、そして自分達でコントロールできて、「僕たち四人からあなたに対するメッセージです」っていう、自分達だけの特別な発表の場があったら良かったな、と。

あとは27年の活動の歴史の中で、時代が進むにつれて、コンテンツ自体は自分達の手元にあっても、そのコンテンツのプラットフォームごと無くなったりとか、せっかく応援してくれている人がいるのに申し訳ないな、もったいないな、どうにかして残せないかな、と思うような事もあったんですね。

当時すでに自分達にこういうアプリがあったら、発表や発信の場としても使えただろうし、コンテンツを残していく事も可能だなと思いました。

今話した事はパッと思いついたところで、他にもいろんな人からいろんなアイデアが出てますけど、その中のどれくらいが実現されるのかはちょっとまだわかりません。

でもとりあえずワクワクしてます。

ライブっていうのは、僕らが音を出したら君は受け止めてくれる、って事を確認できる行動で、ライブ自体がその証なんですね。

やっぱり僕らは聴いてくれた人に「会う」ためにライブをやってるんだなっていう事を昨年と今回のツアーで改めて思いました。
なのでライブはしっかり続けていきたいですね。
受け止めてくれた事を「会う」って事で確認してる、会えたという事自体にシンプルだけど大事な意味があるんです。
もちろん全力でいいパフォーマンスが出来るように努めるし、そのために準備もするしフィジカルだって整えるけど、一番大切な大前提は君がそこにいるって事で。
ライブっていうのは、僕らが音を出したら君は受け止めてくれる、って事を確認できる行動で、ライブ自体がその証なんですね。
音楽を作って、送って、届いた事を確かめにいく、ということの繰り返しを今までどおり、大切に続けていきたいですね。
ツアーはそろそろ終わってしまいますが、また会えることを楽しみにしながら、これからも音楽やっていこうと思います。

BUMP OF CHICKEN との出会いやストーリーについて

このアプリでは、インタビュー内で藤原が言及していた「そこに至るまでの涙の背景、文脈を知りたい」という気持ちから、BUMP OF CHICKENとの出会いやそこからの文脈に関する皆様からのお便りをお待ちしています。

メンバーへの質問やインタビュー内容の希望リクエスト

また、メンバーへの質問やインタビュー内容の希望もお待ちしております。
全ての質問やリクエストにお応えはできませんが、参考にさせていただき、メンバーとも共有させていただきます。公式サイトやSNS、アプリに掲載する予定はありませんが、こちら側が掲載を希望した場合は掲載許可のご連絡をさせていただきます。

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こちらも、公式サイトやSNS、アプリに掲載する予定はありませんが、こちら側が掲載を希望した場合は掲載許可のご連絡をさせていただきます。

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