逆張り的なことをして注目を集める子供だった

――まずは、升さんとメンバーみなさんとの出会いを聞かせてください。

升：幼稚園が一緒の幼馴染みっていうのは、言葉通りで嘘はついてないんだけど、別に4人で仲良く遊んでたかっていうと、そんなこともなくて。自分は年中から入ったんですけど、たぶんフジくんとはあんまり関わり合いはなかったと思います。喋ったこともなかったかもしれないです。チャマとは小学校が一緒だったんで、そこから仲良くなった感じで。ヒロに関しては、家も同じ方向だったから、バスとかで一緒になったのかもしれないぐらいの感じです。

――ということは、後々になって卒園アルバムを見て「一緒だったんだ」と気付くみたいな？

升：そういう感じですね。フジくんとは小学校も違ってたし、中学校で初めて知り合ったくらいの感じでした。

――升さん自身の最初の記憶はどんな感じですか？

升：運動ができない子供でしたね。クラスで足の速い子たちがいっぱいいたんだけど、全然レベルが違ったのは覚えてます。あと、幼稚園でフジくんたちがやった劇を観てた記憶もありますね。宇宙船が出てくるやつだった気がします。

――小学校時代はどうでしたか？

升：小5、小6あたりでチャマとようやく絡みが出てくる感じですね。集会委員会という、季節ごとの行事の司会をする委員会をやっていて。自分たちの代になって、クラスの爆笑王みたいなやつらが集まってきて、自主的に劇とかをやり始めたんです。それが結構ヒネった内容で。今考えたら全然面白くないと思うんですけど（笑）、それでも低学年にバカ受けしたりしてた。チャマと俺は考えるというよりプレイヤー寄りの感じで。原点っていうと大袈裟なんですけど、そういう逆張り的なことをして注目を集める子供だった。そういうことが自分に合ってる感じはありましたね。

――小学校低学年くらいからクラスの中の面白枠みたいな感じだったんですか。

升：いや、全然そんなことなくて。それに気付いた高学年あたりに路線を自主的に変えていった感じです。でもまあ、1軍で目立つっていうよりは、3軍の中で一番目立つのを目指すみたいな志向ですね。

――そういう意味でも、チャマさんと一緒だった集会委員会がひとつのルーツだった。

升：そうですね。逆張りしたいというか、人と違うことをやって注目を集めたいみたいなのがあるんです。こんなことをして笑わせちゃうぜみたいな。正規ルートじゃないところに喜びを感じるような、そういう小学生でしたね。

――子供の頃にハマってたものってどんなものですか？　音楽だけじゃなく、アニメ、漫画、ゲーム、スポーツ、なんでもいいんですけれど。

升：その辺が全然ないんですよね。家にファミコンもなかったし。特別教育が厳しい親ではなかったんですけど、アニメも観てなかったし。親が自分の好きな番組を観てるから観れないみたいな感じでした。上に姉もいたし、発言力は家族で最下位だったので、特に主張することもなくて。当時の流行りみたいなのは結構抜けてたりします。でも『少年ジャンプ』は読んでたし、ミニ四駆もやってたし、あの時代の男子小学生が通るものは普通に通ってるけど、特筆して何かにハマったりはしなかったです。

――増川さんとは小学生時代はどんな関係でしたか？

升：地区は近かったんで、小学校の時に2人で遊ぶようなことはなかったけど、大きい集まりの中で一緒にいるのは結構あったと思いますね。ヒロと遊んでるグループは違ってたんですけれど、空き地に自分たちが勝手に作った秘密基地をシェアしてたんですよ。タイミングは合わないんだけど、秘密基地に行ったら読んだことない『ジャンプ』が置いてある、みたいな。直接交流があるっていうよりは、そういうところで「なんかいるな」みたいな感じ。

バスケ部の二軍、三軍ですらないので、体育館にも入れなかった

――中学での藤原さんとの出会いはどんな感じだったんでしょうか？

升：中2の時の友達が、フジくんと同じ小学校で。フジくんが書いた卒業文集がすごく面白かったんです。みんなが「先生ありがとう」みたいなのを書いてる中で、全然違うことを書いていて。「すげえやつがいるぞ」みたいな感じで、その共通の友達を含めて一緒に遊ぶようになって。フジくんとは同じバスケ部だったんですけど、ものすごい人数がいたんで、同じ部活だからって全員と接点があるかっていうと、そういう感じでもなくて。

――バスケ部に入ったのは何故だったんですか？

升：やっぱ『SLAM DUNK』が流行ってた真っ只中ですからね。入った時はもっとできると思ってたんですけど、全然できなかった。ボールも全然触らせてくれないし。レギュラーとは全然違いますね。ベンチ入りすらしてない。映画の『THE FIRST SLAM DUNK』で言うと、客席にいるモブキャラくらいな感じ（笑）。そのあたりでメンバーのみんなと仲良くなってきたんです。バスケ部の二軍、三軍ですらないので、体育館にも入れない。「お前らは外走ってろ」みたいな感じで、中学の周りの田んぼの中を延々と走るんです。飽きると、外のコートでシュート練習してみたり、隣に流れてた川から勝手に水引いてダム作ったり。やってることが中学生とは思えないんですけど、それを頑張ってやってました（笑）。

――バスケ部という名目だけど、やってることは放課後の小学生だった。

升：そういう感じでしたね。それも、自分の精神論的には「中学生にもなったのにこんなことしちゃうぜ」みたいなマインドが絶対あったような気がします。

――小学生時代の逆張りの感性みたいなものがあった。

升：そうですね。まあ言っちゃえば、それがバンド始めたきっかけでもあるので。なんでバンドをやったかっていうと、周りにバンドやってるやつがいなかったっていうのが、シンプルな答えなんですよね。

フジくんに「俺と一緒に日本のロックを変えようぜ」って。マジな顔でした

――升さんの音楽への目覚めはどんな感じでしたか？　どんなところから音楽を聴き始めたんでしょうか？

升：意識的に自分で音楽を聴き始めたのは小5か小6ぐらいで。友達が買ったCDを貸してもらったり、ラジオで聴いた曲をカセットテープに録って何回も聴くみたいな感じで。当時は、いわゆるトップ10的なものをずっと聴いてた感じですね。B'zとかTMNETWORKとかを格好いいなと思って聴いてました。で、5つ上の姉がビジュアル系が好きで。X JAPAN、当時のXとかLUNA SEAとかのCDを勝手に自分の部屋に持っていって聴いてました。当時のビジュアル系って反主流な感じで、テレビにも出ないし、出たとしてもエッジィな感じだったんで、そういうのも含めて格好いいなって。別に自分がああいう格好をしたいとは思わなかったんですけど、音楽をやる上でのスタンスも格好いいなと思って聴いてました。

――升さんが最初に藤原さんにバンドをやろうと声をかけたんですよね。それも周りの人がやってないことをやろうというような精神がきっかけだった？

升：そうですね。いわゆる中2マインドというか。当時は不良の時代だったんですけど、そこで目立つのも違うし、かといってバスケ部でガンガン試合出れるわけでもないし。だったらバンドというルートがあるって。自分の存在を知らしめたいという、中学生特有のこじらせた初期衝動がきっかけでした。とりあえず俺らが住んでる臼井には、知ってる限りでバンドをやってるやつはいなかったんですね。だから、これだ、と。ギターを買ってるやつはちらほらいたんですよ。それで、中2の夏の七夕の時に先生が「お前らなんか願い事書け」って言って短冊持ってきて、そこに「ベースが欲しい」って書いたんです。それも中2マインドなんですよね。そこに書いたって手に入るわけないし、つまり俺がベースを欲しがってるぞっていうアピールなんですよね。それで同じクラスの仲良かった友達が「じゃあ俺がドラムやるわ」と言って。俺とその友達は結構仲良くてCDの貸し借りもしてたし、音楽好きで。それで「ボーカルを探そう」となって藤原くんに声をかけたという。

――藤原さんに声をかけた理由は？

升：フジくんになんで声かけたかっていうと、常に歌を歌ってて、歌が上手い人だったからで。マジでずっと歌ってる人だったんですよね。学校の校歌とか、いろんな歌を歌ってた。これは逸材見つけたぞ、早く行かなきゃって。クラスは違ったんですけど、帰りの学活が終わるのを待ってフジくんに「俺と一緒に日本のロックを変えようぜ」って言いました。

――これはマジだったんですよね。

升：マジですよ。その時のマインドは本気でした。

――どういう顔でした？　半笑いじゃないですよね。

升：それはもう、マジな顔でした。半笑いじゃないです。それくらい、ひねくれすぎておかしなことになってたんです。中2の進路指導の時にも「俺はサラリーマンにはならないんです」みたいなことを言っていて。バンドも始まる前だったんですけど。そういうことを言いたい人間だったんですね。いわゆる中二病だという。それがこじれてバンドにつながったっていう。

まずノートを買って、これからどうやっていくかを書いた

――そこからどんな感じでバンドが始まったんでしょう？

升：それでフジくんがいいよって言って。あともう一人の友達も登場して、じゃあ4人でバンドやるかって言って、とりあえず友達の家に集まったんです。それでまずノートを買って、これからどうやっていくかを書いた。1月にお年玉が入るからそこで楽器を買おう、みたいな。そしたらすぐやることがなくなって、後の時間はずっとマリオカートやってたり。で、お正月が来たんですけど、ドラムをやると言っていた友達がドラムじゃなくてギターを買って。「どうすんだ、お前」みたいな感じで、定期的に集まることもだんだんなくなってきて。

――その時点ではノートに「バンドをやる」って書いただけですよね？

升：そう。何も始まってないです。で、その頃に藤原くんがエレキギターをお小遣い貯めて手に入れ、そのバンドにはいなかったチャマがベースを手に入れて。で、最後のピースとして、俺がドラムを手に入れるというイベントが発生して。

――ドラムを手に入れたのはどういう経緯だったんですか？

升：俺とフジくんをつないでくれた友達がいるんですけど、そいつに「俺たちバンドやるんだぜ」みたいなことを言ってたんですよ。そうしたら、彼が家の近くにドラムが落ちてるのを見つけて「お前らバンドをやりたがってたよな」っていうので連絡くれたんですよね。ゴミ捨て場にあったのを彼が拾って家に持って帰ってたんです。「バンドをやる」なんて言いふらしてなかったらドラムは捨てられてたままだったんで、そういう奇跡は起こらなかった。言っておいてよかったなって思いました。それを家に運んで、じゃあ俺がドラムやるわということになって。で、藤原くんはギターを持ってるし、チャマとはずっと仲良かったし、ベース持ってるので入った。それでバンドを結成した感じですね。それが中3くらいのことでした。

――まず何をどう始めたんでしょう？

升：家でドラム叩けないからどうしようかって言ったら、チャマの実家が居酒屋さんで定休日に使えるよということになって。別に防音も何もなかったんですけど、そこにドラムとかアンプを持っていって、定休日の火曜日の夜に毎週集まって練習するようになった。その時はもう2人のギターがいて。その5人で始まりました。

ビートルズからバンドっていうもの、音楽っていうものがわかってきた

――曲はどういう感じで始めたんでしょう？

升：最初はLUNA SEAの「BELIEVE」とかをやってたんですけど、まあ全然できなかったですね。でも、あんまり本人たちはよくわかってないから、集まって音出して楽しいなみたいな感じで。で、中3の文化祭で転機が訪れるんです。ビートルズマニアの生徒会長がいて、彼は生徒会長の立候補の所信表明みたいなところで弾き語りで「イエスタデイ」を歌っちゃうみたいなヤツで。もちろん同学年で交流あったんで、「お前らバンドやってるんだったら、一緒に文化祭でやらない？」みたいに持ちかけられて。で、その生徒会長とやっぱりビートルズが好きな副生徒会長と一緒にやろうって言って。でも、文化祭でライブするなんてことはそれまで誰もやってなかったんですけど。

――どういう感じの文化祭だったんですか？

升：それまでは、みんなで工作を作って展示するくらいしかなかったんです。ステージがあってバンドが出てくるようなことは一例もなかった。でもそういう文化祭もあるらしいというのは知っていた。で、先生に相談してみようと。で、生徒会長が「お前らがいつもやってるような音楽だと理解されないかもしれないから、ビートルズとかそういう先生がわかるやつやった方がいいぜ」みたいに言って。それで「ツイスト・アンド・シャウト」と「スタンド・バイ・ミー」をコピーしました。どっちもビートルズのオリジナル曲じゃないっていうところがポイントなんですけど。あともう1曲、LADIES ROOMの「Get Lost」もやってました。

――やってみてどうでした？

升：ビートルズからバンドっていうもの、音楽っていうものがわかってきたなっていう感じでした。こういう風にビートがあって、ストロークがあって、アンサンブルがこういう風に合うから面白いんだという。それがようやくわかってきた感じです。

――ウケは良かったですか？

升：めっちゃウケましたね。有志によるバンド演奏みたいな括りだったんで、全校生徒が全員いるんですよね。女子は総立ちでした。男子はみんな座ってたんですけど。でも後でみんな友達に「すげえ良かったよ」みたいに言われて。その時の写真も卒業写真に載ってるんです。「アンコールって言ってるけど、どうする？」って言って、もう一回「ツイスト・アンド・シャウト」やろうとか言って。

――そこからはどうなっていったんでしょう？

升：生徒会長たちとは、その時だけの限定だったんで、また自分たちのメンバーに戻って。その時は一人抜けて4人になっていました。で、クリスマスコンサートっていうのを企画するんですね。臼井に青年館という地域の集まりをする寄合所みたいなのがあって。そこに一応ステージと幕があって。持ち回りで地域の住民が管理するところなんですけど、ちょうど俺の母親が管理してて、そこを借りられることになったんで、そこでクリスマスコンサートやろうぜって。自分たちは文化祭の成功体験があるから「人来すぎたらやばくない？」みたいな感じでチケット作って。曲数も増やして、友達に声かけて、チケットも配って来てもらって。その時に、ずっと仲良かったヒロが手伝いに来てくれてたんですね。

――増川さんはその時にスタッフをやってたんですね。

升：そうですね。楽器運んだり、幕を開けるっていう大事な仕事をヒロがやってくれて。でも、ヒロが「レディース・アンド・ジェントルメン〜」とか言って幕を開けたら全然いなくて。後ろの方に数人いるくらいで、全然盛り上がってなくて。早々に俺の母ちゃんが入ってきて「片付けよう」みたいな感じで。全て台無しみたいな。で、終わって片付けた後、来てくれた友達にも「すごい良かったけど、ライブとかどうすればいいかわかんなくて」みたいになぐさめてもらって。それがスベったのが一つの節目になったというか。高校受験もあるし、毎週火曜日に集まってたのも一旦お休みにして、各々進路への準備に入るというのが中3の3学期でした。

「こういうことをやりたい」という音楽に初めて出会ったのがグリーン・デイだった

――その当時、升さんは将来についてはどんな風に考えてたんですか。

升：何も考えてないです。チャマはいろいろ考えてたと思うんですけどね。絶対ミュージシャンになるという気持ちもあんまりなかったです。ただバンド楽しいな、みたいな感じしかなくて。でも、受験が終わって春休みになって、俺とフジくんはまたなんとなくチャマの家に集まるようになったんですね。もう一人いたやつはもう来ることはなかった。そのあたりにヒロと、またもう一人別のやつがギター担当として来るようになった。というのも、フジくんが家族にこっそりギター買ったので、学校から近いヒロの家をギターの隠し場所にしてたんですよ。それでヒロもギターを触るようになって。そこからギターを自分で買って、じゃあ一緒にやろうよみたいな感じで加入したっていう。その時点で、ようやくBUMP OF CHICKENの現在につながる形になりました。

――高校に入ってからはどんな感じで続いていったんですか？

升：俺とヒロは同じ高校だけど、フジくんは違う高校だし、チャマは専門学校で。でも、毎週火曜にチャマの家で集まるルーティンがあって。高校に入ったらだんだん聴く音楽の幅も広がってきました。だんだん洋楽とかも聴き始めるようになって。コピーもしてましたね。

――どんな音楽が好きになっていったんでしょうか？

升：中3くらいから洋楽というものがあるらしいと知って、ビジュアル系の流れで情報を得てたので、最初はボン・ジョヴィとかハードロック系を聴いてました。あと、フジくんの行ってた学校の先輩が結構メタル好きな人が多くて、それ経由でメタリカとかメガデスも聴くようになって。で、高1の夏くらいかな、友達に洋楽をちゃんと好きな人がいて。彼がグリーン・デイを教えてくれたんです。それで「これだ！」ってなりました。『Dookie』を聴いて「これは格好いいぞ！」と。あと「できそう」みたいな感じもありました。逆張りとかじゃなく、自分の中で「こういうことをやりたい」という音楽に初めて出会ったのがグリーン・デイだったんです。で、みんなに「こういうのあるぜ」って言って、一緒にハマってった。たぶん、ピンと来たのにはシンプルなアンサンブルで作っていくタイプの曲だからというのもあったと思います。

――そこからグリーン・デイの曲をコピーするようになった。

升：そうですね。グリーン・デイの「She」とかやってました。グリーン・デイだけじゃなくて、ニルヴァーナとかオアシスとかもやるようになって。フジくんは自分の学校の先輩とバンド組んで、俺も呼ばれてドラムやってたんですけど、そこではガンズ・アンド・ローゼスをやったり。あとヒロと俺は高校で別のバンドを組んでたり、いろいろやってましたね。その頃はコピーバンドだったんですけれど、そのあたりからフジくんが曲を書き始めるようになったんです。それで高1の夏に「高校生音楽祭」に出ました。

――これはどういうきっかけなんでしょう？

升：ライブがしたかったんですよ。で、当時はライブハウスでライブをやる人たちがいるのは知ってたけれど、そのやり方がわからなくて。で、雑誌に高校生限定の音楽コンテストが載ってたんで、それに申し込んでみようっていう。これだったら人前で曲を演奏できるし、上まで行けばレコーディングとかライブとかできるんじゃないかなって。それがきっかけで大会に出ました。デモテープをみんなでチャマの居酒屋で録音して、それを送ったらテープ審査に通って。たしか県大会みたいな感じでした。5バンドくらい出ていて、全然1位じゃなかったですけど、誰かが「負けたけど俺たち2位だったらしいよ」みたいなことを言い出して。「千葉県で2位ってことは、全国で言ったら100位以内に入ってるじゃん」ってことを言ったりして。

3単語のやつがいいって俺が言い出して、それでBUMP OF CHICKENって決めたんです

――「高校生音楽祭」にエントリーするには、バンド名を決めなきゃいけないですよね。

升：そうですね。3単語のやつがいいって俺が言い出して、それでBUMP OF CHICKENって決めたんです。みんな『バック・トゥ・ザ・フューチャー』が好きだったし、「チキン」といえばマーティ・マクフライがキレる「弱虫」の方のチキンで。俺たち弱虫が激突するみたいなイメージでBUMP OF CHICKENって言って「いいじゃん」ってなって。それでバンド名が決まって出たのが最初の大会ですね。

――その時の大会でやった曲は？

升：「デザートカントリー」っていう英語の曲でした。オリジナル曲はその一曲しかないのに、その夏に軽井沢に合宿に行ったりもしてましたね。で、そのあたりからもう一人のギターのやつと、だんだん温度差が出てきたんです。で、その翌年の1996年2月11日に「TEENS‘ MUSIC FESTIVAL」に出ようとなった時に、俺たち4人だけで出ようぜとなった。それでようやく結成までたどり着きました。船橋の伊藤楽器っていう楽器屋さんの広めのスタジオだったんですけど、それがお客さんの前でこの4人で初めてライブした日です。

――この時は、自信のほどはどうだったんですか。

升：自信は常にありました。その時やった曲は「DANNY」だったんですけれど、「いけるぞ、DANNY最高！」みたいな。これわかんないやつはちょっとおかしいぐらいの感じで。でも、その手応え自体よりも、4人でやってソリッドな感じになったというか。これで塊になったみたいな手応えはありましたね。アンサンブルもそうだし、メンタリティ的にもしっくりきたというか。

――そこで大会を勝ち進んでいった。

升：その後の千葉ブロック大会は千葉PARCOの上の広いスペースでやって。不思議な大会なんですよね。歌だけの人もいたし、コピーの人もいたし。そんな中でオリジナル曲やって。関東ブロック大会を日本青年館でやって、そこで奨励賞をもらいました。全国大会には行かなかったんですけど、勢いはあったと思います。ただ、レベルは全然違いましたね。技術もそうですけど、音楽の幅も広くて、「こういうことやる人いるんだ」みたいな驚きはありました。それまではバンドのない世界でバンドやってたような人間だったので。いろんな人たちがいるんだなっていうのはびっくりしたし、面白かったですね。

――千葉と東京って違いましたか？

升：全然違いましたね。BURGER NUDSの前身バンドのSWEET GIRLSというバンドとそこで会って。すごいオシャレだったんですよ。「かっこいい！」ってなって。歳も同じだから、話すようになって、連絡先を交換したりしました。「東京すげえ」っていうのはありました。でも、ティーンズだから全員10代だったと思うし、そんな中でもなんか俺たちは負けてねえぞみたいな気持ちは人一倍あったと思います。

――その後に何かしら業界からのリアクションはありました？

升：大会を観ていた人から呼ばれて会いに行って。「なんで英語で詞を書いてんの？」みたいなことを言われて「世界に通用したいからです」と言ったら「まず日本で通用する詞を書けよ」みたいな感じのことを言われて。そこから「ガラスのブルース」につながっていくという。

「ガラスのブルース」は、聴いてくれる人たちの反応が今までと全く違う感じだった

――1996年2月11日がバンドの始まりだったとすると、その次に「何かが動き始めてるぞ」みたいな感覚を得た時って、どんな時だったんですか。

升：「ガラスのブルース」はそういう意味では大きいポイントですね。まずフジくんが聞かせてくれて、その時も「すごいぞ、これは」っていう衝撃っていうのがあったんですけど、それよりも何よりも自分にとってすごいインパクトがあったのが、聴いてくれる人たちの反応が今までと全く違う感じだったんですね。チャマの家で練習してる時は友達もよく一緒にいたんですけれど、例えば「DANNY」だったら「かっこいいじゃん」みたいな感じだったのが、「ガラスのブルース」をやったら「今の曲すごいじゃん、歌詞とか見せてよ」とか「もう一回聴きたい」とか言われるようになって。そういう風に言われたのは初めてで。なんか「音楽が伝わるってこういうことなんだ」っていうのを、そこで初めて体感しましたね。それはものすごいデカかったですね。

――最初のリスナーは友達だったけれども、そこで自分たちがバンドをやって音楽を伝えているという実感を得たという。

升：そうですね。だからそこで初めて外向きの視点ができたというか。もちろん、いいって言ってくれる人もいるし、大会で評価してくれる人もいるし、外に向いてなかったわけじゃないんですけれど。ただ、俺たちが楽しければいいじゃんっていうところで完結してたところがあったと思うんです。でも、そこから、自分たちの出している音がこういう風に人に影響を与えてるんだっていうのを実感できた。そういう意味で、ものすごいデカいポイントですね。フジくんが日本語で、自分の言葉で書いたという。

――藤原さんが曲を書いたのはいつ頃のことでした？

升：1996年、高2の春から夏にかけてですね。2月の時には「DANNY」をやってたけど、そこからいくつか同時並行的にいろんな曲ができて。その中で日本語であったのは「ガラスのブルース」が最初だったという。で、1996年の夏に「Beat Brust in Japan」っていう大会に出るんです。「新感覚オーディション」と言ってたんで、コンテストじゃなかったかな。

――メジャーデビューも意識したりしていました？

升：たしか、その頃は手当たり次第申し込んでたんで、募集があるからやろうぐらいのテンションだったはずですね。自分たちがデビューできるとは思ってないし、別に目指してなくて。でも、最後の天王洲アイルに行ったら、みんな衣装に着替えたり、ヘアメイクしたり、ガチの感じで怖かったなっていう。で、そこで優勝して。

――その時はどう感じました？

升：優勝するとは思ってなかったです。一緒に出てた人たちがプロみたいな感じで、ガチだったんで。俺らはいつも通りやってたし、だからびっくりしたというか。審査員の方から「本当に今の彼らあげていいのかなって疑問はあるんですけど」みたいなことを言われながらの優勝で。楽屋に戻ったら周りの視線が怖くて。で、何かあるのかなって思ってたら別に何もなかったっていうオチなんですけど。

――そこから何か状況は変わりました？

升：でも、そこからちゃんと話はつながって。当時お世話になった女性のスタッフに出会ったのが大きかったんですよね。そのあたりで俺らもようやくライブとかをやり始めるようになって。フジくんがコネクションを作って。そこから千葉LOOK、千葉ANGA、本八幡RouteFourteen、あとはサードステージあたりでライブやるようになって。そのライブにそのスタッフが来て、「今度下北でイベントやるから出てよ」って言われたのが東京でライブやるきっかけですね。それでCLUB251でやったのが初めての東京でのライブでした。対バンがTRICERATOPSだったんですよね。そこからその人が東京のライブハウスのブッキングを紹介してくれるようになって。それでいわゆる東京進出っていう感じでした。

次のライブの告知を送ったり、お金を管理したりしてました

――当時の下北沢のライブハウスに出るようになって、同世代や少し上の世代のバンドを見てどう感じてましたか？

升：たぶん同世代がいなかったんですよね。BURGER NUDSとかもその時は全然絡みがなくて。syrup16gとかHUCKLEBERRY FINNも親交はあったけど、世代的にはちょい上ぐらいで。いつも「君ら、若いね」みたいな感じで言われてましたね。Beat Brust in Japanの時もそうですけど、「プロみたいな人がいっぱいいるな」っていう。当時はインディーズが盛り上がってた時期で「なんでメジャーじゃないのかな？」みたいな人もいっぱいいました。

――1997年には高3ですよね。そうなってくると進学とバンドの選択も出てくる。そのあたりはどうでしたか？

升：自分の場合は高校でデビューできたらラッキー、みたいなことはうっすら考えてました。バンドは続けつつ、進学しようみたいな感じで。誰も狙ってない指定校推薦を見つけて、それで上手いこと大学に進学しました。でも、たぶんその時もそんなにいろいろ考えてなかったです。学校のみんなも進学するし、家でも「あんたは進学するでしょ」って言われて、「まあ、そうかな」くらいの感じでしか考えてないですね。でもバンドはもちろん楽しいから続けたいっていうくらいで。将来設計とかは全くなかったし、先のことは考えてなかったです。

――でもバンドの曲も増えていくし、動員も増えていくし、手応えを感じていたんじゃないでしょうか。

升：そうですね。1997年の夏に『NO REASON』という最初のデモテープのレコーディングをしていて。その時には「ナイフ」と「アルエ」と「ガラスのブルース」の３曲を録りました。で、1998年に入るとライブの数も増えたし、だんだん規模が大きくなっていった時期ですね。千葉ANGAとか千葉LOOKでワンマンができるようになってきた。ライブハウスで集客できるようになってきたんです。で、1998年の夏に8cmシングルのレコーディングをしたんですよ。3曲入りで500枚限定。それが初めてのCDのレコーディングだったですね。その発売記念のインストアをハイラインレコードでやって。その年の暮れに『FLAME VEIN』のレコーディングをやって、翌年の1999年３月にリリースしたという。だから、『FLAME VEIN』の曲って、「ノーヒットノーラン」以外はライブでずっとやってた曲なんですよね。

――『FLAME VEIN』ができた時の感触はどうでしたか？

升：すごい嬉しかったですね、テープもあったし、8cmシングルもあったけど、いわゆるCDというものに辿り着いたのがすごい嬉しくて。「すげえ売れんじゃねえか」って思ってましたね。

――この時点で音楽誌とかメディアの人たちはずいぶんと騒ぎ始めていたと思うんですが、その時はどんな風に感じてました？

升：どっちかというと、周囲とかメジャーどうこうっていうよりは、自分は集客のことを考えていて。ライブやるようになって、ちゃんと収益も出るし、スタジオ代もその中から出せるようになって、メンバーにも分配できるっていう。お金とかじゃなくて、ライブを続けていくために、ライブ告知とかちゃんとやった方がいいだろうなとか、そういうことを考えてました。MCで「次のライブは◯◯日です」みたいに言うんですけれど、みんな忘れちゃうから、アンケート配ってそこに住所書いてもらって、そこに次のライブの告知とか送ったらいいんじゃないか？みたいなこととか、すごいやってましたね。で、チャマにイラスト描いてもらって。Beat Brust in Japanの賞品がアップルのMacだったんですけど、それがようやくここにきて住所録として役に立ったという。そういう次のライブの告知を送ったり、お金を管理したりしてました。こういうことをやればしっかり人は集まるんだなって考えたりはしてましたね。周りの業界がどうとかっていうのは全然考えていなかったです。警戒はしてましたけど。

――わかりました。では最後に聞かせてください。1996年2月11日がBUMP OF CHICKENの4人での初ライブで、1999年3月に『FLAME VEIN』がリリース。とても濃密な3年だったと思うんですが、その3年って、今の升さんから振り返ってどんな3年間だったと言えますか？

升：わかりやすく青春って感じですよね。みんなで楽器を持って、スタジオに集まって。ライブハウスの風景も蘇ってくるし。世界が広がっていくような3年間だったと思います。



取材・文 / 柴那典

「BUMP OF CHICKEN HISTORY #1」升秀夫インタビュー

とにかくアニメがめちゃくちゃ好きでした

――まずは、チャマさんから見たメンバーとの出会いを聞かせてください。幼稚園時代の記憶はどんなものが残っていますか？

直井：はっきり覚えているのは、藤原くんと同じクラスだったことですね。彼が4月生まれで、僕が10月生まれというのもあって、藤原くんはクラスのお兄ちゃん的な存在、リーダー的な感じでした。最初の記憶で覚えているのは、年中の頃にブロック遊びしていた時のことで。ブロックを組み立ててロボットとかビルを作ったりしていたんですけれど、「片付けの時は必ずバラバラにしてから箱に戻す」と先生が言っていて。僕はそれをきちんと守って箱まで何往復もしていたら、フジくんが、自分の作った形のままボックスにポンって放り込んだんです。僕が「いけないんだ〜」と言ったら、「バカじゃない？ こうやって箱に入れて中でバラバラにした方が一回で済むんです」と言われて。「なるほど、すげえなこいつ」って思ったのをはっきり覚えています。強烈に残ってる記憶ですね。

――増川さん、升さんとも同じ幼稚園だったそうですが。

直井：なんとなく一緒だったのは覚えています。ヒロに関しては「派手な子がいるな」というイメージがありました。ヒデちゃんに関しては、接点がなさすぎて記憶がないですね。たしかヒデちゃんが「ひばり組」で、僕が「つばめ組」と「くり組」だったかな。運動会があって、ひばり組の子たちは運動神経いいなって思ったのを覚えています。

――チャマさん自身はどんな子供でしたか？

直井：野山を駆けずり回るのが好きで、じっとしていられない子でしたね。当時の幼稚園の先生がすごく優しくて、幼稚園が大好きでした。めっちゃ元気な子でした。幼馴染の親友がいて、小学校に入ってもその子と2人でずっと毎日遊んでいました。常識がわからない子だったんで、朝5時に起きてすぐその子の家に走っていってピンポンを押して。「誰も出ないな」って思って、帰ってまた1時間後に行ってピンポン押したり（笑）。そんな感じの子でした。

――クラスでの人気者的な立場だったりしました？

直井：ひょうきん担当、お笑い担当という感じでした。そういう面では好かれていたと思います。「チャマくんって面白いよね」という雰囲気の子でした。小学5年生の時に「集会委員会」というのがあって。行事を提案したりまとめたりする委員会で、そこで升くんと出会ったんです。升くんの最初のイメージは怖くてズケズケ物を言う、厳しい人という感じでした。集会委員会では「チェッチェッコリ」という踊りを全学年に教えるみたいなのがあって。一生懸命振り付けを覚えて、いざ本番になったらオリジナルダンスを踊り続けて、最後に一番背の高い男の子に担いでもらって回してもらう、みたいなことをやって。すごくウケたんです。「めっちゃ良かったな」と思っていたら、升くんに「やるじゃん」と言われたのを覚えています。

――幼少期の好きだったもの、ハマったものは？

直井：幼稚園の時は三輪車でどこまでも行くのが好きでした。小学校低学年くらいまでには自転車に乗れるようになって、それでどこまでも行くのが好きで。千葉県佐倉市は自然がたくさんあって、森の中に入ると虫の声や葉っぱの擦れる音しか聞こえないくらい静かなんです。森の中で一人で遊ぶのも好きでしたし、幼馴染の親友と2人でずっと駆け回ってました。あとは、とにかくアニメがめちゃくちゃ好きでした。当時は早朝からたくさんのアニメがやってたんです。その時に見ていたのが『機動戦士ガンダム』とか『黄金バット』、海外のアニメだと『スパイダーマン』とか『ティーンエイジ・ミュータント・ニンジャ・タートルズ』。今でも大好きな『トランスフォーマー』もその頃にやってました。あと、今では『ファンタスティック・フォー』って言うんですけれど、僕らが見ていた時は『宇宙忍者ゴームズ』というタイトルで。ゲーム機は買ってもらえなかったけど、朝にゲーム情報番組を見るのも好きでした。『タミヤRCカーグランプリ』というラジコンの車を競わせる番組も好きだったな。戦隊モノも好きだったし、仮面ライダーもやってたし、当時からそういうカルチャーがめちゃくちゃ好きでした。子供の天国みたいな時代でした。

――マンガよりもアニメだった？

直井：マンガももちろん好きだけど、友達の家に行って読む感じでしたね。お金がなかったから、幼稚園とか小学校低学年ではマンガは買ってもらえなかったんです。アニメはタダだったから観てました。

――その頃にハマってたものは、今の自分にもそのまま続いてる感じですね。

直井：こうやって話してみると、子供の頃に受けたカルチャーショックは永遠に消えないものなんだなと思います。洋画も1日に何本もやってたんです。昼からやってる『ダーティハリー』をおじいちゃんが見ている横で一緒に観ていたり。あとドラマなら『ナイトライダー』とか『冒険野郎マクガイバー』とか。低学年の頃はそういうのも好きで、めちゃくちゃ観てました。ビデオもないので、テレビでとにかく観ていました。

――音楽はどんな入り口がありましたか？　それもやっぱりアニメに結びついていましたか。

直井：小学校の高学年になると自分の意思で観たいものを選ぶようになっていました。『魔神英雄伝ワタル』、『魔動王グランゾート』、『新世紀GPXサイバーフォーミュラ』、『鎧伝サムライトルーパー』とか、挙げたらきりがないですね。「勇者シリーズ」も、当時は『トランスフォーマー』からの流れにあるとは知らなかったけど、『伝説の勇者ダ・ガーン』のような作品も観ていましたし、『絶対無敵ライジンオー』や『NG騎士ラムネ&40』とか、レジェンドクラスのアニメを本当に全部観てました。『ハウス食品世界名作劇場』も観てたし、その中では『ピーターパンの冒険』が一番好きでした。『ムーミン』も好きだった。アニメばっかり観てましたね。で、アニメを観てめちゃくちゃ感動していたのはなぜだろうと思ったら、やっぱり音楽だったんです。中学生くらいの時になって、オープニングやエンディング、クライマックスでかかる劇中歌がめちゃくちゃ好きだったんだと気付いたんです。だから初めに受けた音楽の影響は間違いなくアニソンです。それは今も同じです。

――当時のアニメ主題歌は今のような形ではなかったですよね。

直井：僕らの時代は、マーチャンダイズ・アニメという、玩具を売るためのアニメが主流だったんですよね。歌詞にタイトルとか主人公の名前が入っていたり、そのアニメのためだけに作られた音楽でしたよね。

――好きなアニソンはたくさんあったと思うんですが、特に子供時代の自分が一番好きだったものを挙げるならば？

直井：全部好きですけど、強いて言うなら『魔神英雄伝ワタル2』の「Step by Step」がめちゃくちゃ好きでした。あと『絶対無敵ライジンオー』の主題歌も「大事なことなんて　自分で見つけるよ」みたいな分かりやすいパンチラインが入ってたんで、そういうところがすごく好きでした。『サイバーフォーミュラ』のオープニングも好きでしたね。

僕も増川くんも人を笑わせるのが好きでした

――藤原さんとは小学校は別々だったんですよね。

直井：そうですね。ただ、「ブルート」っていうゲームソフト屋さんがあって。そこで「おお、もっちゃん、何やってんの？」みたいに声をかけたことはあります。だから忘れたり、記憶が途切れたことはなかったですね。で、中学校に入ってもクラスも部活も違ったけど、会えば楽しく話すような感じでした。

――藤原さんはしょっちゅう歌っている子供だったという話ですが。

直井：覚えてます。幼稚園の時もずっと歌ってました。今言われて思い出しました。何の歌だったかな。たしかタツノコプロのアニメの『とんでも戦士ムテキング』のオープニングの歌をめっちゃ歌ってた気がします。小学校の頃にも、僕の幼馴染と家に藤原くんが遊びに来たことがあって。そこで『タイムボカン』シリーズ真っ最中だったから、その歌の「♪タイムボカーン」っていうところで僕と幼馴染がひっくり返るの見て藤原くんが笑ってた記憶があるんですよ。

――増川さんとも小学生時代から仲良かったですか？

直井：ヒロと会ったのは小学4年生の時で、めちゃくちゃ仲良くなって。僕も増川くんも人を笑わせるのが好きで。給食の時にどれだけ周りの人を笑わせて牛乳を吹かせるか勝負してたんですよ。僕と増川くんの班はたぶんみんな牛乳飲んでないですね。全部吹き出しちゃって。先生には怒られたし、廊下に立たされた記憶もあります。気のいい人たちが集まったクラスだったんです。僕らより面白いやつもいたし。あと、増川くんは合唱部で、めちゃくちゃ声が高かった。今SNSとかあったらバズるレベルの声の高さではあったと思います。「かっこいいなぁ」とは思ってました。で、僕は小学校5年生から応援団に入って、5年生で副団長、6年生で応援団長をやってました。その時が人生で一番モテたピークだったと思います。目立つのは好きでしたね。

――クラスの悪ガキであり、ひょうきん者であり、人気者であるという感じですね。

直井：人気者では多分なかったんですけど、嫌われてないって感じですかね。友達にも「チャマって面白いよね」「チャマいると明るいよね」って言われて。幼馴染の親友が笑い上戸だったんですよ。何言っても腹抱えて笑ってくれる。だから「俺、面白いやつなんだ」って思っちゃって。そのおかげで自信もついたし、自己肯定感が上がったんだなって。めちゃくちゃ感謝してます。

『ドラクエ』と『ファイナルファンタジー』のフレーズをベースでひたすら弾いてました

――中学校に入ってからはどんな感じでしたか？

直井：中1の時はクラスにも部活にも気の合う人がいなくて。別に嫌な思いはしてないんですけど、「中学校ってつまんないな」って思った記憶があります。中1のときはサッカー部に入ってました。小学校6年間ずっとサッカーやってたんで、その流れで。だけど、小学校の時のサッカーのコミュニティが全然好きじゃなかったんですよ。親に言っても辞めさせてもらえないから、ただ続けてただけで。好きじゃないから上手くならないし、めっちゃサボったりもしてたし。そのコミュニティに誘われて、先輩の命令に逆らえないからサッカー部に入るしかなかったんです。でもやっぱ面白くないし、『SLAM DUNK』も読んでたし、フジくんもヒロもいるしというので、中1の終わりくらいでバスケ部に入りました。

――そこから4人の関係がぐっと近くなった感じですね。

直井：間違いないです。中2から僕と升くんが同じクラスになって、僕と升くんともう一人のクラスの友達の3人で、学校内でめちゃくちゃ遊んでました。3人で「トイレッツ」ってグループを組んで、休み時間になったらトイレでずっと喋ってるという。

――升さんは厨二病というか、その頃は尖ってた、ひねくれてたと言ってました。

直井：升くんはかなり尖ってましたね。新しいことを思いついてやるんです。「トイレの中で野球をやろう」とか。もう一人の友達が焚き付けてたのもあるかもしれないけれど。あと、「俺はお前を認めない」っていう感じがあって。バスケ部に入った時に升くんにディスられたんですよ。はっきり覚えてるんですけど、「お前はバスケットがしたいんじゃなくって、ここにいるダチに会うためだけにバスケ部に入ってきたんだろ。俺はそういうやつは決して認めない」って言われて。「じゃあ、升くんレギュラーなんだ」と思ったんですよ。ストイックにバスケやってるんだって。で、実際僕も遊び感覚で入ってきたわけだから何も言い返さなかったんですけど、次の日にバスケ部が始まったら升くんは全然レギュラーじゃなくて、ビックリしたという。3軍とか4軍くらいですよ。コートどころか体育館にも入れない。僕も升くんも増川くんも藤原くんも4軍以下って感じです。外をずっと走らされてました。

――チャマさんの楽器との出会いはどういう経緯だったんでしょう？

直井：升くんとフジくんと先程登場したもう一人の友達に「俺らバンド組むから」って言われて、「めっちゃいいね！」って言った記憶はあります。でも、その時にはバンドに入りたいと思ってなかったですね。自分は「なんか楽器やりたいな」って勝手に思ってて。中学校2年生ぐらいの時にギターブームが来たんですよ。その時にみんなギターを買ってて。ただ、自分の逆張りの性質なのか、みんながギターやってる中で自分もギター始めたら面白くないよなって思って。あと、升くんに初めて借りたCDがX の『Vanishing Vision』だったんですけれど、そこからの影響で「ベースってめちゃくちゃかっこいいな」と思って。XとかLUNA SEAとかZI:KILLとかLADIESROOMとかが出てる「EXTASY SUMMIT」というイベントのビデオを友達に観せてもらった影響もあるんじゃないかな。それでフェルナンデスのベースを買ってもらいました。初心者セットみたいなのを買ってもらって、ずっと家で弾いてました。それが中2だったと思います。

――バンドは始めなかったんですか？

直井：ベースを買ったって誰にも言わなかったんですよ。誰かと何かを共有したくて買ったというよりは、みんながギターを始めたのを見て「いいな」と思っただけで。ベースがどういう楽器なのかも、あまりわかってなかったんです。「弦が4本しかない、かっこいいな」っていうレベル。『ファイナルファンタジー』のサントラの「♪デデデデ」みたいなフレーズをひたすら弾いてました。『ドラクエ』と『ファイナルファンタジー』の気に入ったフレーズをめっちゃ練習してコピーしてましたね。

中学卒業の時点で「もう一生これでやっていく」としか考えてなかったです

――そこから藤原さんや升さんと合流したのは？

直井：友達から升くんに「道にドラムが落ちてるぞ」って連絡があって。それでヒデちゃんがドラムになったんですよ。藤原くんはギター弾けたし、歌も歌えるからボーカル。で、僕がベースを持ってるからベースという感じです。

――チャマさんの家がバンドメンバーの集まる場所だったということですが、これはどういう経緯だったんでしょうか。

直井：僕の家は、僕が生まれた時はまず鉄工場だったんですよね。で、幼稚園の頃にそこが居酒屋になった。社交ダンスができたり、カラオケがついてたりして。周りに家もなかったし、音も出し放題だったんで、それでウチに集まって練習するようになったんですね。火曜日に実家の居酒屋が休みだったんで、火曜日にみんなで集まろうって。

――で、中3の文化祭で初めてステージに立った、と。

直井：そうですね。ビートルズが大好きな生徒会長が、「文化祭で一緒にやろう」と誘ってくれて。「先生たちを説得するためには、ビートルズとか、そういう大人が好きな音楽をやったらいい」って言い出して。それで生徒会長の家に行って、ビートルズの映像を見たり曲を聴いた時に「音楽ってこれか！」って思った記憶があるんですよね。それで文化祭に出ました。副生徒会長も入ったからギターが4人ぐらいいたんじゃないかな。絶対盛り上がんないだろうなって思ってたんですけど、みんなすげえ盛り上がってくれて、それで調子に乗ったという。

――チャマさんの中学時代の音楽の好みはどんな感じでしたか？

直井：升くんがXのCDを貸してくれたところが始まりで、ビジュアル系とかメタルとかを知って。LUNA SEAの『EDEN』とか聴いてました。あとは友達がいろいろCDを貸してくれて。JUDY AND MARYも電気グルーヴも聴いてたと思います。あとはやっぱり、その頃にやっていたアニメのアニソンを聴きまくってましたね。でもアニソンのベースは難しすぎたんで、弾こうとも思わなかった。生徒会長が教えてくれたビートルズをコピーしまくってました。あとジョン・レノンがカバーしてた「スタンド・バイ・ミー」をみんなでバンドバージョンでコピーしたり。聴きまくってたのはアニソンで、音楽的な影響を受けたのはビートルズだったかもしれない。聴きとりやすいし、わかりやすいし、難しいものはあるけど、シンプルで。アンサンブルって何なんだろうっていうことを教えてくれたのは間違いなくビートルズだったと思います。

――で、次のライブがクリスマスにあった。これはどうでした？

直井：文化祭でも盛り上がっちゃって、「僕ら、ヤバいんじゃない？」みたいな感じで、近くの臼井青年館という施設を借りて、そこでクリスマスライブやろうってなって。確か「星に願いを」とかをアレンジしてやったんじゃなかったかな。友達たちを呼んでやったんだけど、誰一人ノッてくれなくて大スベりして。ヘコんでる時に「もう夜遅いから早く片付けて帰りなさい」って升くんのお母さんに言われて。で、隣にあった公園に集まったら、友達が「俺らもライブとか見たことないし、慣れてないからびっくりしちゃったんだと思う。お前らは良かったと思うよ」みたいに励ましてくれたのを覚えてます。

――中学を卒業する頃のチャマさんの将来像はどんな感じでしたか？

直井：もう、その時点で「もう一生これでやっていく」としか考えてなかったです。ビジョンが明確にありました。そのためにどうすればいいかしか考えてなかった。成功したいとかじゃなく、先に進んでいくためにはどういうプロセスを踏めばいいのかという。みんながどう思っていたかはわからないけど、僕は本当にそう思ってて。親にも話しました。当然「ダメだよ」って言われました。「高校はちゃんと行ってほしい」って。でも「バンドで食べていくから、卒業したら東京に行くね」って言ったら、「じゃあ、高校に行かなくてもいいから、自分で勉強して高卒認定と調理師免許をとってくれ」と言われて。3年間それを頑張って、両方取れたら東京に行っていいって。そこから僕の地獄の3年間が始まった感じです。

いまだに一番の衝撃がピクシーズです

――チャマさんは高校に入らず調理師の専門学校に入ったんですよね。

直井：そうです。専門学校は3年間あるんですけど、当時は最初の1年はインターンって言って、ほとんど学校に行かないんですよ。職場に行って実地を踏むことで単位が取れる。実技試験をパスして、給料も貰える。その代わり、筆記と高卒認定の勉強は自分でやらなきゃいけない。だから調理師免許はそこでクリアできると思って。幕張メッセ前のマリブダイニングというビルのイタリアンレストランでずっと働いてました。

――それをやりながら、その時のメンバーで毎週火曜日にチャマさんの家で集まるというのが続いていた。

直井：そうですね。クリスマスライブが終わった直後は受験勉強に専念しようという事になって、なんとなく「もうバンドはやらないのかな」って雰囲気だったんですよ。でも、受験が終わってからまた自然とウチに集まるようになったんです。そのタイミングで増川くんが入ってきた感じです。それで中学卒業後は藤原くんも升くんも増川くんも高校で、僕は仕事。でも毎週火曜日の練習は続いていました。


――その頃のチャマさんが好きだった音楽は？

直井：升くんと増川くんが佐倉高校という進学校に入学して。それで本当に音楽の幅が広がったんですよね。升くんが音楽の伝道師だったんです。オアシス、レディオヘッド、ニルヴァーナあたりはもちろん聴いてました。ボン・ジョヴィとかハードロック系も聴いていて。藤原くんの影響かな、マイケル・ジャクソンとかカーペンターズも聴いていて。で、升くんの友達に音楽に詳しい子がいて、その子がピクシーズを教えてくれたんです。『世界を騙せ』（『Trompe Le Monde』）を貸してくれたんで、それを聴いたら頭が爆発しちゃって。自分の身体の大きさがわからなくなっちゃうくらい、めちゃくちゃ衝撃を受けました。いまだに一番の衝撃がピクシーズです。これって何なの？　始まりはどこで終わりは何なの？　今まで聴いてたものと全然違うじゃん！って。そこから一生懸命古本屋さんに行ってピクシーズの記事を探して、インタビューを読むんだけど、言ってることもわかんない。「この歌は難民の歌なの？　めっちゃ政治的なの？ 頭いいの？」みたいな。ずっとショックを受け続けてました。そこからソニック・ユース、マイ・ブラッディ・ヴァレンタインとかシューゲイザーに夢中になって。ザ・キュアーとかトーキング・ヘッズもそこから聴くようになりました。ディスクユニオン行って、店員のお兄さんに「ピクシーズとかザ・キュアーが好きなんですけど、おすすめありますか？」って聞いて、そういうのを聴きまくって、そっち系にかなり方向転換したのを覚えてます。今もピクシーズはめちゃくちゃ好きですね。

――ピクシーズとの出会いが大きかったんですね。

直井：そうなんです。当然ニルヴァーナもオアシスもレディオヘッドも好きだったんですけれど、やっぱりピクシーズが音楽としての衝撃は一番でかかったし、いまだに一番好きかもしれないですね。そこからダイナソーJr.も知りました。ベースはダイナソーJr.の影響がめちゃくちゃ大きいです。僕のベースラインってめちゃくちゃ動くじゃないですか。あれはダイナソーJr.のルー・バーロウの影響なんです。あとは当然グリーン・デイも大好きです。これはみんな大好きです。

グリーン・デイのライブは人生が変わった出来事でした

――グリーン・デイの影響はどんなものがありましたか？

直井：その時期に大きなことがあって。僕と升くんと増川くんでグリーン・デイの来日公演のライブに行ったんです。1996年の晴海だったから、まだ2人が高校生だった頃のことで。それが初めて観たライブでした。会場に行ってまずびっくりしたのが、SEにビースティ・ボーイズが流れてて、その時点でモッシュとダイブが始まってたんですよ。それで衝撃をくらっちゃって。ヤバいですよね。それでも升くんと増川くんと「前に行こうぜ」って、手をつないで前に行ったんですよ。そしたら前座でHi-STANDARDが出てきた。当時はもちろんそれがハイスタだなんて知らなかったです。グリーン・デイの前座があることも知らなかった。そしたらいきなり日本人3人組が出てきてメロコアやったんですよ。「どういうことだ!?」って。で、その後にグリーン・デイが出てきて。僕、ビリー・ジョーにワインぶっかけられたんですよ。そのワインが染み込んだ白いTシャツ、しばらくずっと着てましたもん。ヤバくないですか？　それが人生初ライブですよ。取り返しがつかないですよね。

――それは人生変わりますね。

直井：しかも、ライブが終わって外に出たら、出口のところで「Growing Up」のプロモーション盤を配ってたんです。それを貰って、家に帰って聴いて。あのCDは1000回ぐらい聴きました。コピーもしました。本当にそれは人生が変わった出来事でしたね。日本から海外に行って音楽をやることができるんだ、って。NOFXにフックアップしてもらえる、Fat Wreck Chordsに入れるんだ、って。あのアルバムにトイズファクトリーのロゴがあったんで、その時僕は「トイズファクトリーに入りたい」って初めて思ったんです。

――ハイスタの影響も大きかったんですね。

直井：だから僕らのマインド的にはメロコアでしたね。「ガラスのブルース」はメロディック・ハードコア・パンクだ、っていう気持ちはかなりデカかったです。もちろん今でもハイスタは大好きだし。グリーン・デイも大好きだし。めちゃくちゃ世界が広がった瞬間でした。

最初の1音目を鳴らした時に「俺ら最強だよな、やっぱり」って思った

――1996年2月11日に「TEENS' MUSIC FESTIVAL」の千葉大会に出場したのがBUMP OF CHICKENとしての初めてのステージだったわけですが、その時の記憶はどんな感じですか？

直井：この4人のメンバーで初めて人前で弾いたのがその日だったんですけど、最初の1音目を鳴らした時に「俺ら最強だよな、やっぱり」って思った記憶があるんですよね。練習でも別に何もできてないし、ほとんど遊んでるだけ、無意味なことばっかりしてたはずなのに「俺ら最強だよね」っていう共通認識があった。その時もカマしてやったみたいな気持ちはあります。その時にはもう「DANNY」をやってますから。コピーをやってた時も十分楽しかったですけど、オリジナルやり始めてからは、思ってたことがどんどん現実化していく感じがしました。
――「TEENS' MUSIC FESTIVAL」の時はどうでしたか？

直井：僕も尖りまくってたんで、他のバンドの音楽なんて聴いたって意味ないって思ってました。「俺らが一番いいんだから、俺らだけが聴いてもらえればいい」っていう気概があって。それでもBURGER NUDSの前身のバンドが出ていて、その曲を聴いてびっくりしたのは覚えてる。他にもロカビリーっぽいバンドが出てて、それもかっこよくて「音楽ってこんなのもあるんだ」って。やっぱ東京はレベルが違うって思いましたね。でも「俺らが最強」って自信はありました。

――その後8月の「Beat Brust in Japan」に出場した時に「ガラスのブルース」を披露しているわけですが、藤原さんが「ガラスのブルース」を持ってきて聴かせてくれた時のことは、どんな風に覚えてますか。

直井：ウチの居酒屋で初めて聴いたんですよ。たまり場みたいになってたから、友達も何人かいて。めっちゃ驚いて、みんな「めっちゃいいよね」って言ったのを覚えてます。フジくんが初めて日本語で書いてきた曲で。しかも今までルーツがバラバラだったのが、ちゃんとポップスとして人に聴いてもらえるような曲で。しかもちゃんとキメがあったりとか、音楽的にもしっかりし始めた最初の曲って感じでした。

あの日の電車の中の光景は今も頭に焼き付いてます

――「Beat Brust in Japan」では優勝したわけですが、その後何か変化はありましたか。

直井：何にもならなかったです。確かマクドナルドの券とかもらったんじゃないかな。もっとすごいことになると思ってました。レーベルから声がかかるし、デビューするんじゃないかって。でも何もなかったんですよ。

――ただ、その頃から千葉LOOKや千葉ANGAなど地元のライブハウスに出るようになったんですよね。

直井：当時はライブのやり方がわからないから、人前で演奏したいってだけで大会に出てたんです。優勝したいとか勝ちたいっていう思いはあんまりなかった。大会に出ればタダで人前で演奏ができるから、そのためだけに出てたという。で、藤原くんが大会を通して知り合った人たちにライブハウスのブッキングの仕方を教えてもらって。そこからライブハウスに出るようになった。当時お世話になった女性のスタッフと会ったのもその頃です。その人がいなかったら、今のBUMP OF CHICKENはないですね。彼女が初めて音楽業界の人との出会いだった。そのスタッフに声をかけられた時、何の根拠もないんですけど、「始まるな」って思いましたね。自分が思い描いた何かが始まる、っていう感覚がめちゃくちゃありました。彼女のおかげで初めて下北沢に行ったんです。「CLUB 251でオールナイトのイベントをやるから出てくれない？」って言われて、初めて下北でライブをやった。みんな千葉に住んでたから、夜に移動して初めてオールナイトのライブに出て、朝に電車に乗って帰ってきて。めちゃくちゃ眠くて。あの日の電車の中の眩しすぎる朝日、みんなで疲れきって、誰も乗ってない電車で寝てる光景は今も頭に焼き付いてるくらいエモかったですね。青春の光でした。

――そのあたりからライブハウスの動員も増えていくわけですが、その頃はどういう記憶がありますか？

直井：千葉LOOKでやった時は、他のバンドを観ていたお客さんの一人が「お前ら超かっけーよ。俺、友達どんどん連れてくるからさ」って、その後のライブにめちゃくちゃ友達を連れてきてくれるようになって。たしかその軍団が20人ぐらいいて。全員の名前を言えるぐらい仲良くなっていきました。あの辺からライブハウスの人とかもプッシュしてくれるようになって、人気になったんじゃないかな。

ずっとエヴァの話をしてました

――『FLAME VEIN』を作っている時期のことで、記憶に強く残っていることはありますか。

直井：めちゃくちゃ短期間で録ったんです。ちゃんとしたスタジオのレコーディングが初めてで、ほぼ一発録りみたいな感じで録っていった。アルバムのアートワークにある写真の中にはそこでみんなで撮ったものがある気がします。そのレコーディングの時に、「どれだけ面白いことができるか」みたいなこともやっていました。ケツを出したり、屁をこいたり、レベルゼロのことをみんなでやり合いながら、かなりエモーショナルにやっていた。自分たちが演奏していたものが形になっていくのが嬉しかったですね。

――「アルエ」についての話も聞かせてください。この曲が生まれた背景には『新世紀エヴァンゲリオン』の影響があったと思うんですが、当時『エヴァンゲリオン』をどんな風に観ていましたか？

直井：この話はしないといけないですよね。『エヴァンゲリオン』は1話から観てました。「これは大変なことになった」と思ってましたね。僕はもう働いていたんで、放送される日だけ、間に合うように早上がりにしてもらって、海浜幕張から臼井まですごいスピードで帰って、誰とも会わずにテレビの前で待機してました。メンバーにも「大変なことになってるよ」って言って、当然4人でめっちゃ盛り上がって、ずっとエヴァの話をしてました。で、ある日、藤原くんが「アルエ」を書いてきた。「なんでアルエなの？」って言ったら「綾波レイだよ」って。「めっちゃいいじゃん！」って言った記憶があります。

――『エヴァンゲリオン』の衝撃は大きかった。

直井：「こんなことが起きていいの？」っていうことの連続じゃないですか。『エヴァンゲリオン』のおかげで、アニメはもちろん変わったし、ゲームや音楽にも相当な影響を与えたし、一つのOSがそこで変わったような感じでしたね。いまだに僕は元ガイナックスチームの作品は追い続けてますし、その人たちの影響はめちゃくちゃデカいと思います。あと『ベルセルク』も『ファイナルファンタジーVII』も大きかったですね。

「自分たちが最強なんだ」っていうのを貫き通した3年間だった

――最後に聞かせてください。1996年2月のバンド結成から1999年3月の『FLAME VEIN』の3年間は、とても濃い時間だったんじゃないかと思います。今のご自身から振り返って、どういう3年だったと思いますか？

直井：「自分たちが最強なんだ」っていうのを貫き通した3年間だったと思います。その3年間のうちは、たぶん自分を1回も疑ってないんじゃないかな。高校にも行かず、ベースを持って「俺はこれで食ってくんだ」って親に言ってるので。親の立場からしたら、絶対に止めるじゃないですか。すぐに東京行くなんてあり得ないし。実際、親には必死で止められてました。でも自分は「絶対になるんだ」って言ってるんですよ。で、自分を貫き通した。調理師免許もとったし、大学検定もとった。地獄の3年間でした。朝5時に起きて職場に行って、最低賃金で夜まで働いて。だいたい夜9時ぐらいに家に着いて、自分でご飯を作って食べて。で、大検の問題集をやる。寝る時間は2〜3時間でした。それを3年間繰り返したんです。勉強は全くできなかったんですけど、その3年間は「全部やる」って決めたので。その3年間のうちにバンドができて、『FLAME VEIN』まで作ることができた。本当に自分を信じて貫き通した3年間だったんだなって思うし、今思えば「お前、すごいな」って思います。自分が本当にそれをやってるから。

――間違いなく人生が変わった3年間だったし、そこに至る確信の強さと必死さがあった。

直井：リアルに、たとえば大検とれなかったり、調理師免許とれなかったり、音楽が何にも転がんなかったら、どれも意味なくなっちゃうんですよ。別に調理師にはなりたくなかったし、大学に行くつもりもなかったから。でも、どれかが上手くいかなかったらバンドもできない。それに、バンドが上手くいかなかったら何にもならない。相当な覚悟でやってたんだなって、今振り返って気付きました。毎日睡眠時間も少ない中で、下北沢に行ってライブしたりしてたし。「精神と時の部屋」に入ってた感じですね。



取材・文 / 柴那典

「BUMP OF CHICKEN HISTORY #1」直井由文インタビュー

絵や漫画を描いたり、何時間も空想や妄想にふけったりする子供でした

――幼稚園時代のメンバーのみなさんとの出会いの記憶はどんなものがありますか？

藤原：臼井幼稚園で、僕は年少の「ひよこ組」から年長の「つばめ組」まで3年間チャマと一緒でした。なのでチャマとはたくさん遊びました。

――チャマさんは幼稚園時代の藤原さんのことを兄貴分、リーダー格と言ってました。

藤原：それには理由があって。4月生まれだったことが全てなんですよね。それで先生から「わかんないことがあったらもっちゃんに聞きなさい」みたいにお兄ちゃん扱いされて、クラスのみんなも僕をお兄ちゃん扱いしてくれた。それだけのことだったんですよ。

――チャマさんとは幼稚園時代から仲が良かったんですね。

藤原：はい。あいつ、めっちゃいいヤツで。僕の家は幼稚園から少し離れていて、少し遅めの到着だったんです。先に来た子がブロックとかで遊んでるんですけど、チャマが俺のぶんのブロックをとっておいてくれたんですよね。ピアノの鍵盤の上に敷く赤い布にくるんで「これ、とっておいたよ」って。いいヤツでしたね。

――増川さんについてはどうでしょう？

藤原：ヒロとは年少の時だけ一緒でした。声がすごい高かったというのがヒロの印象ですね。子供なんだから声が高いのは当たり前じゃないですか。でもその子供が「この子、声高いな」って思うくらい声が高かった。後々中学で再会した時も声が高かったですね。

――升さんは幼稚園の時点ではみなさんとほとんど接点がなかったと言ってました。

藤原：ヒデちゃんのことは知らなかったです。中学で出会った時が最初だと思ってたら「俺も臼井幼稚園だよ」って教えてくれて、後から知りました。卒園アルバムを見たら泣きそうな顔して写ってて。彼がいたのが「ひばり組」で、不良ばっかり所属してた悪名高いクラスだったんです。「ここにいたんだ。さぞ辛かったろうな」と思いましたね（笑）。その「ひばり組」がお遊戯会でやっていた演目のことは覚えていて。みんなで忍者に扮した劇をやっていた。で、後々中学で出会ったヒデちゃんにその話をしたら、ヒデちゃんはその劇の中で最後のオチみたいな「コウモリ忍者」の役をやってたんだよって教えてくれた。直接知らなくても共通の記憶があるっていうのは、僕には少し嬉しいことですね。

――藤原さんの歌や音楽にまつわる一番古い記憶はどうでしょうか？　4歳か5歳くらいの時に「たんこぶの歌」という曲を作ったという話を以前に聞きましたが。

藤原：ありました。たしかにそれは幼稚園の頃ですね。歌や音楽を好きという認識はあんまりなかったんですけど、好きだったんでしょうね。姉2人の影響でピアノを習っていて。真面目にやってはいなかったんですけど、ただ、ピアノに触ること自体は結構好きでした。2番目の姉によく遊んでもらったんですけど、その遊びの中に「ハモる」というのがあって。その遊びも好きでした。

――小学校の頃はどんな子供でしたか？

藤原：一貫しているのは、小さいことから大きなことまで、いろんなことをいちいち不思議に思っていました。「なんでこうなんだろう？」「どうしてこれはこうなっているんだろう？」と。腹が立ってるわけではなく、純粋な興味のほうです。一人の時間が大好きで、絵や漫画を描いたり、何時間も空想や妄想にふけったりする子供でしたね。

『ドラクエ』の「序曲」に、グングニルのように貫かれた

――小学校時代に好きだったもの、ハマっていたことは？

藤原：ゲームでは『ドラクエ』と『FF』ですね。小1のときに『ドラクエ』と出会った。これは大きかったです。今でも衝撃を覚えています。小学校に入って最初にできた友達が家で『ドラクエ』を見せてくれて。カセットを挿して電源を入れると「序曲」が流れる。それがまず刺さったのを覚えています。で、「ふっかつのじゅもん」を入れてゲームをスタートすると、ラダトーム城から冒険が再開する。そのラダトーム城のBGMも刺さった。「とてつもない何かが始まった」という感覚が僕の中にありました。今思うと、8ビットのあの音源じゃないとダメだったんだろうと思います。『ドラクエ』の「序曲」に、グングニルのように貫かれた。串刺しにされたんだろうと思います。

――その原体験は、今の藤原さんとちゃんとつながっている感じがします。

藤原：本当にそうだと思います。で、漫画では『ドラえもん』、特に『大長編ドラえもん』が好きでした。体調を崩して学校を休んだときにいつも母が漫画を買ってくれるので、そのたびに買ってもらって繰り返し読んでいました。『火の鳥』は家にあって、これも繰り返し読んでいました。すごく面白くてワクワクして読んでいたんですけど、本当に深く刺さるのはもう少し後の話ですね。

――アニメとの出会いはどんな感じでしたか？

藤原：『風の谷のナウシカ』と『天空の城ラピュタ』に心を奪われていました。それも大きかったですね。ああいう冒険活劇、奥行きのある世界に強烈に惹かれたんだと思います。主人公がしっかりと使命を帯びて、そのために命を燃やしているということにも強く興味を抱いた。『ラピュタ』を観て「俺のところにも空から女の子が降ってこないかな」みたいなことを思ったりしました（笑）。あとは『ドラゴンボール』。漫画もアニメもずっと見ていました。『ムーミン』、『悪魔くん』、『ゲゲゲの鬼太郎』、『聖闘士星矢』、『魔神英雄伝ワタル』、『魔動王グランゾート』、『絶対無敵ライジンオー』とかも観てました。あとは『アンパンマン』も好きでした。小4くらいのときに放送が始まったんですけど、歌がすごく好きで。しっかり観ていました。

――いろんなものに夢中になっていた。

藤原：そうですね。ミニ四駆とかビックリマンとかSDガンダムも流行ってましたし、スケボーもやってました。でも、一通り夢中ではあったけれど、それはコミュニティの中の一人として、という感じでしたね。友達と遊ぶのも好きで、しょっちゅう遊んでたんですけれど、一人の時間をとても大事にしていました。友達と遊ぶ時と一人の時間とでは、明確に心の機能する場所が分かれていたと思います。夜はどれだけ眠くても、一人の時間をとらなければいけないくらいに思っていた。寝ないと親に怒られるので、寝たふりをして電気を消して布団をかぶって、その中で空想や妄想に励むんです。イヤホンで音楽も聴いていました。その時間をとても大切にしていました。

――イヤホンで聴いていた音楽は？

藤原：『ドラクエ』と『FF』のサントラです。あとは、マイケル・ジャクソンが映画『E.T.』を語り聞かせてくれるレコードが家にあって、よく聴いていました。マイケル・ジャクソンを認識したのは『BAD』の頃だったと思います。マイケルは一番上の姉と母の影響ですね。2人がハマっていて。小学生の頃は一日中家でMTVが流れてました。リアルタイムの放送も、録画した深夜の番組もずっと流れていた。その環境は、後々に音楽をやっていく上でとても大きな影響になったと思います。

流行っているものも、そうじゃないものも、何でも歌ってました

――中学に入ってメンバーのみなさんと再会したと思うんですが、その実感はどうでした？

藤原：さっき言ったようにヒデちゃんとは初めましてだと思っていて。チャマとは100％再会でしたね。ヒロとは50％くらいでした。というのは、小学生の時にミニ四駆が流行っていて。市内のおもちゃ屋さんにコースが組んであって、そこに近隣の小学生が自分のミニ四駆を走らせに行ってたんです。小学3、4年生くらいの頃、僕がその店に行ったらヒロがいた。「あの声の高い増川くんだ」と覚えていたんで、勇気を出して「臼井幼稚園だよね？」って話しかけたら「うん」と。でも「俺のこと覚えてる？」って言ったら、外国人が「知らない」という時にやるような、両手のひらを上に向けて肩をすぼめるジェスチャーを30回くらい乱発された（笑）。「そっか、忘れてたのはしょうがないな」と思いつつ、そのことが強烈な記憶として残っていた。だから中1で同じクラスになったときも「あ、増川くんがいるな。小3の時におもちゃ屋で会ったけど、俺のこと覚えてなかったな。話しかけないでおこう」と思っていたら、向こうから「君のこと知ってるよ。臼井幼稚園で一緒だったよね」と話しかけてきた。そこで「どういうこと？」が一つと、あとはもう一つ「声たっか！」って思いました（笑）。

――升さんの印象は？

藤原：升くんは当時、結構イヤなやつだったんですよ。すぐイヤなことを言うんです。でも憎めないところもあるんですけど。中1の時は違うクラスだったんですけれど、同じバスケ部だったんで、部活の仲間として認識していて。何人かで一緒に遊んだこともあるけど、特別すごく仲が良いわけではなかったです。で、中2の時にクラス替えがあって、小学校から仲の良かった友達が升くんと同じクラスですごく仲良くなったんです。で、その友達の家で僕の小学校の卒業文集を読ませてもらったらしくて。後日、その友達が僕のところに来て、「升がお前と友達になりたいって言ってる」と。じゃあ友達になろうと言って仲良くなりました。

――小学校の卒業文集には何を書いていたんですか？

藤原：「『自分新聞』を書きましょう」みたいなページがあって。みんなは新聞みたいなレイアウトで「6年間の思い出トップ10」「仲の良い友達紹介」みたいなことを書いてたんです。でも、僕は普通にエッセイのようなものを書きました。家族や友達への気持ちについて、思ったことをつらつらと書き連ねていた記憶があります。

――升さんはそれを見て「こいつとバンドやりたい」と思った、と言っていました。

藤原：そうなんですね。それは嬉しいです。よく歌っているから誘ってくれたんだと思ってました。

――中学の頃は、歌うことが好きだという自覚も増えてましたか？

藤原：歌うことが好きだなという自覚は、小学校や幼稚園の時よりもありました。カラオケに行くようになったのもその頃だし、よく歌っていました。

――チャマさんは「行ってないはずの自分たちの小学校の校歌まで歌っていた」と言ってました。何でも歌う感じだったんですか？

藤原：何でも歌っていました。テレビで流れているもの、流行っているものも、そうじゃないものも歌ってました。学校で教わった歌も、それはそれで「いいな」と思ったものは大切に歌っていました。合唱コンクールとかその練習って、ダルがるのが美徳という雰囲気があったりするじゃないですか。できるだけダラけて、低く、適当に歌って見せるという。僕はそういうムードとは一切関係なく、大切に歌っていました。彼らの小学校の校歌も、とてもいい曲だなと思って。それで覚えちゃって、歌ってました。

急に胸ぐらを掴まれて、石壁に押し当てられた

――中2の時に升さんに「バンドを組もう、俺と一緒に日本のロックを変えようぜ」と言われたそうですが、その時の第一印象は？

藤原：あいつは、それがどういうことかよくわかってなくても、とりあえずかっこいいことを言おうとしてたんだと思います。かっこつけようとしてたんだという。で、俺は「すげえ、こいつ、かっけぇ！」と思いました（笑）。たしか、その言葉を2回言われてるんですよ。最初はバンドを組もうと言われた時で、もう一つは高校受験の時。ヒロとヒデちゃんと同じ高校を受験しようと決めていたんですけど、あんまり勉強をやる気がなくて。別にそこじゃなくてもいいやと思ってたんですよ。それをぽろっとボヤいたのがヒデちゃんの耳に入って。

――どんな風に言われたんですか？

藤原：中3の時、ヒロとヒデちゃんと一緒に帰っている時に、話しかけても全然取り合ってくれない日があって。2人は前を歩きながらこっちをチラチラ見てコソコソ話してたんですよ。それで坂道を登ってヒロと別れる分かれ道のところまで来たら、2人で「せーの」で合図して、急に胸ぐらを掴まれて、石壁に押し当てられたんです。それで「お前、同じ高校に行くのやめるって本当か？」と問い詰められた。きっとその時点で、2人の中にストーリーができていたんでしょうね。ヒデちゃんにしても、胸ぐらを掴んだりするのは過剰演出だったと思うんです。思えばヒデちゃんはそういうヤツで、俺もそれに飲まれちゃった。さっき言った「ダルがる風潮」みたいなのはもともと一切なかったんだけど、急にそれを半ば演じるように「勉強とか、別に俺そんなやる気ねえし」みたいなことを言って。そしたら「お前、俺と一緒にロックを変えるんじゃなかったのかよ」って言われた。「こいつ、かっけえ」と俺は思いました。

――升さんに熱く焚きつけられた、と。

藤原：升くんはメーターを振り切るときがあるんですよ。あいつは初めて会った中1のイヤな升くんだった頃からずっと、根底の部分にピュアな情熱を宿したヤツだったんですよね。「1秒1秒を大切にしなきゃ」とか「大切なもの、やりたいことをどうにかしてやっていきたい」みたいな焦燥感に気付いていたヤツだったんですね。というのも、中2の時に学校行事でキャンプがあって。キャンプファイヤーの火を囲んで、1クラスずつ強制的に出し物をするんです。でも、うちのクラスは「ダルがる風潮」に毒されていたので、一切頑張らない。「かえるのうた」をダルそうに適当な感じで歌って終わるっていう。でも、ヒデちゃんとチャマのいた1組は、その風潮に毒されていなくて。彼らはしっかりと出し物をやってたんですよね。チェッチェッコリをかなりのテンションで踊ってたんです。しかも、5クラス全部終わった後に、1組のやつらが何人か出てきて、火の前でネタをやるんですよ。面白いものからつまらないものまで、次から次へと交代で何かのネタをやって、ウケたりしくじったりしている。要するに、キャンプファイヤーの夜をいいものにしようと頑張って盛り上げようとしてたんです。冷めてる3組の中にいた俺はそれをポカーンと見ていて。その入れ替わり立ち替わり出てくる何人かの中にヒデちゃんがいた。一生懸命やってるんだけど、あいつのやってることはキャッチーじゃないから本当に何も伝わってこない。全くキャッチーじゃないことをやってて。スベってたんですね。でもヒデちゃんとチャマは必死なヤツだって俺はわかってたし、彼らの友達と3人で一生懸命生きてたんですよ。僕は彼ら3人がすごい好きだったんで「頑張れ」と思って見ていて。で、ひとしきり彼らの弾も尽きて、「これで終わりかな」ってなったら、ヒデちゃんが1人でバーッと前に出てきて、肩でゼイゼイ息しながら「みんな、このままでいいのかよ！ このままじゃダメだろ、もっと盛り上がろうぜ」って、学年全体の前でキャンプファイヤーの炎を背にして大声で言って。で、「ミュージック、スタート！」って言うんです。ミュージックなんかどこにもないんですよ。そこで、当時一世を風靡していたジュリアナ東京のユーロビートのような音楽を口で一生懸命再現して、さながらジュリアナ東京で踊っていた人たちのようにクネクネと踊ってたんです。升くんはそういう人なんです。振り切っちゃうんです。だからあの時も、僕の胸ぐらを掴んだんだと思います。

頭の中でビッグバンド調の「星に願いを」が鳴っていた

――藤原さんが最初に曲を書き始めたのは？

藤原：高1ですね。「デザートカントリー」という曲を書きました。ただ、中3のクリスマスコンサートの時に「星に願いを」をスウィングジャズ風にアレンジしたことがあって。そっちの方が自分の中では大切な作業だった気がします。それまではビートルズのコピーをやってたんですけれど、その時は単なるコピーではなく、スウィングジャズ風というかビッグバンド風というかそんな感じっぽくアレンジして、こういう曲のベースはこういう感じだよなと一生懸命考えていたという。

――中学生の頃にハマっていたもの、好きだった音楽はどんなものがありましたか？

藤原：中学に入ると、小学校のときよりもコミュニケーションの中に流行りの音楽が入ってくるじゃないですか。だから流行りの曲はすごく聴いてました。ビーイング系とか、友達の好きなものを僕も聴くという感覚で、熱心に聴いてましたね。それとは別に一人の時間も継続してありました。大切にしていたのはずっと一人の時間だったと思います。あと、猫と暮らしてたんですけど、ああいう人間の言葉を喋らない家族の存在というものも、とても大きかったような気がします。思えば、物心ついた時から犬と暮らしていたし、猫と暮らしていたし。

――一人の時はどんなものをよく聴いてましたか？

藤原：一人の世界で聴いているものはあまり変わらなかったですね。ゲームや映画のサントラをイヤホンで聴くという。あとは洋楽を聴いてました。MTVから洋楽を知って、マイケル・ジャクソンを中心に、ビリー・ジョエルなども聴いてました。生徒会長に教わって、ビートルズも聴くようになった。音楽はそういう感じです。あとBGMが好きだったんですよね。ゲームとかのサントラを聴くのが好きだった。それを聴いていた時は友達と話をするような音楽とは別の脳みそが作動していた感じです。そういう話を誰かとすることはなかったですね。

――なるほど。そういう話と「星に願いを」をアレンジしようと思ったというのは、どこかつながる感じがありますね。

藤原：あの時のことはよく覚えてます。全然再現できないんだけど、頭の中でビッグバンド調の「星に願いを」が鳴っていたんですね。そのアレンジがかっこいいと思った。でも楽器を始めたばかりだし、何をどうしたらそうなるのかもわかってない状態だから、できっこないんです。コードもメジャーとマイナーとセブンスぐらいしかわからないわけで。それでもアレンジをするということをやったのは、大きなステップだったんじゃないかなと思います。ラジカセから流れてくる音楽を真似するのではなく、脳内に鳴っていたオリジナルな響きを、なんとか再現したいという取り組みだったので。曲そのものは有名曲ですけど、そこで当時の自分にとっての「ゼロイチ」のものが最初にあったと思います。

グリーン・デイからはパワーコードを、オアシスからはローコードを歪ませていいんだということを教わりました

――高校時代はどうでしょうか。みなさんとは別の高校に入ったということですが、そこでの出会いはどんな感じでしたか？

藤原：高校で知り合った友達は、めちゃくちゃいいヤツらでしたね。電車で1時間かからないくらいの場所だったんですけれど、その高校に集まる人たちはより多様で、急に世界が広がった感じがしました。中でも、今こそ付き合いはないけれど、最初に友達になってくれた彼らは本当に優しかった。

――高校でもバンドをやっていたという話も聞きましたが。

藤原：一学年上の先輩たちに音楽好きが多くて、しかも洋楽の、少し古めのハードロックが好きな人がすごく多かったんです。当時の洋楽シーンは、オルタナがハードロックを駆逐した後くらいの頃で。だから、若者だった僕にはハードロックは10年くらい前の懐かしいものという認識でした。とはいえ自分もめちゃくちゃ好きだったし、小学生や中学生の頃にあまり人と共有しないできた部分を共有してくれる先輩に初めて会った。いろんなバンドを教えてくれて、高1の頃はハードロックばっかり聴いてました。メタリカ、ガンズ・アンド・ローゼズ、ジューダス・プリーストも先輩とのバンドでやったし。オフスプリングとかペニーワイズとか、パンクもやりました。それも楽しかったです。でも高2でグリーン・デイに出会った。そっちにハートを掴まれました。

――グリーン・デイの存在は大きかった？

藤原：入り口として、グリーン・デイはデカかったです。グリーン・デイとオアシスが大きかったですね。グリーン・デイからどんどん音楽を掘っていったし、オアシスからも掘っていった。マンチェスターのバンドや、ブリットポップ全盛期のバンドを聴くようになって。イギリスとアメリカの両方を掘っていった感じです。

――オアシスはどういうところが大きかったですか？

藤原：オアシスは、しっかり歪ませたローコードがアンサンブルの中心にある印象が大きいですね。オアシスの何にグッときていたかというと、たぶんリアム・ギャラガーの声だと思います。おそらく彼の声、その空気感に胸を掴まれていた。いろんなブリットポップのバンドをいっぱい聴いたけど、その中でもオアシスは唯一無二の空気感があった。それに心を掴まれていたんじゃないかと思います。

――グリーン・デイにグッときたポイントは？

藤原：グリーン・デイは、それまで聴いてきたどの音楽よりもタイトでした。タイトでソリッドで、そして、一番わかりやすくパンクという概念をぶつけてくるものだった。言葉じゃないところでそれが全部わかるという感じがあった。パワーコードを教わったのもグリーン・デイです。グリーン・デイからはパワーコードを、オアシスからはローコードを歪ませていいんだということを教わりました。ニルヴァーナとか、当時の音楽シーンの象徴は他にもたくさんいたと思うけれど、BUMP OF CHICKENの中ではグリーン・デイとオアシスが一番話題に上がってました。やっぱりコピーしてたのが大きかったんじゃないかな。オリジナル曲をやるようになったあとも、セットリストに組み込んでライブをしてたので。

――具体的にどの曲をコピーしていましたか？

藤原：グリーン・デイは「She」、「Pulling Teeth」、「Burnout」、「Welcome to Paradise」あたりをやってました。オアシスは「Live Forever」、あと「Some Might Say」もやったかな。ライブでやることはなかったけど「Rock ’n’ Roll Star」もひとしきり弾いてみたと思います。オアシスはコード進行が好きでしたね。GのキーにおけるAmの使い方がかっこいいなと思って聴いていました。あと、グリーン・デイからは精神もすごく鍛えられた気がします。楽器を持って人前に立てるやつらはかくあるべきだ、そしてこういうことを歌うんだ、みたいな。ビリー・ジョーたちからそういうことを教えられたというか。

ハーレーに乗って砂漠を旅したいわけではなく、そういう映像の背景に流れるようなコード感が僕は好きだった

――ザック・ワイルドに影響を受けたという話も聞いたことがありますが。

藤原：ザック・ワイルドも好きでした。ザック・ワイルドの何が好きだったかというと、あの人がソロのプライド・アンド・グローリーというバンドでやっていたことがものすごく好きだったんです。

――ザック・ワイルドはもともとオジー・オズボーンのギタリストで、ハードロックのイメージも強かったですよね。

藤原：そうですね。でも彼にはサザン・ロックのルーツがあった。ずっと昔から思ってたことなんですけれど、ハードロックの人が時々匂わせる「このニュアンス」が僕は好きだというのが明確にあって。そのニュアンス自体にも細分化するといろんな面があるんですけど、そのうちの一つを色濃く持っていたのがザック・ワイルドという人で、それを色濃く出していたのがプライド・アンド・グローリーだった。「これはサザン・ロックっていうんだな」と知って、そこからプライド・アンド・グローリーは死ぬほど聴きました。それで、高校1年生の時に「デザートカントリー」という曲を書いたんです。

――「デザートカントリー」はどういう曲でしたか？

藤原：「デザカン」は、ハーレーに乗って砂漠を旅してみたい、みたいな曲ですね。「砂漠の国」ですから。ハーレーどころか50ccのバイクにすら乗ったことがないし、砂漠の国はもちろん、東京にすら片手の指で数えるくらいしか行ったことがないようなヤツがそういう曲を書いてみるわけです。でもわりとすぐに気付くんですよ。別にハーレーに乗って砂漠を旅したいわけではなく、そういう映像の背景に流れるようなコード感が僕は好きなんだって。つまり、いわゆるサザン・ロックにあるようなコード進行や和音、そのサウンドアプローチやテイストが好きなんだと、わりと早めに気付きました。

――「デザートカントリー」を作ったきっかけは？

藤原：高1の夏に「バンドコンテストに出よう」ということになって。音楽雑誌にいろんな大会の募集が載っていたんで、出られそうなものに片っ端から応募したんです。応募するにはオリジナル曲がなきゃダメだということで、急いで作ったのが「デザカン」でした。歌いたいことも別にないし、雰囲気だけで作った音楽でした。もちろんそれなりに誇りを持って胸を張ってやっていましたけれど、何かを込めて作ったものではなかった。だから自分の中ではあまり「作った」という中にカウントしていないんです。

夜中の公園で、家出した友達の横で作ったのが「DANNY」です

――1996年2月11日に今の4人で初めてステージに立ったわけですが、そこでは「DANNY」を演奏していますよね。「DANNY」はどうやって生まれましたか？

藤原：友達が家出したことがあったんです。夏の終わりぐらいだったかな。「近くの公園のベンチで寝るから、お前、毛布持ってこい。あとギター持ってこい」と言われて、夜中の公園に行ったんですね。そこで、そいつの親に対する愚痴を聞いていた。そしたら、話を聞いているうちにちょっと飽きちゃったんですよね。ギターを持っていったんで、そいつの話を聞きながら隣でギターを弾いていて。そのうちに、ギターで曲を作り始めたら、そのほうが楽しくなって夢中になっちゃった。そうやって、夜中の公園で、家出した友達の横で作ったのが「DANNY」です。「デザートカントリー」は借りてきた世界観をなんとなくの気持ちでやっただけなんですけど、「DANNY」は自分の中に昔からある何かを出した感があった。それが自分の根底にあるパンクだったのかな。歌詞はクソ適当だったけれど、あれはハートから鳴ったものだったと思います。あの曲を書いたのはグリーン・デイとはまだ出会っていない頃ですね。その少し後に升くんがグリーン・デイをBUMP OF CHICKENに持ってきて。グリーン・デイを知って、コピーしていくうちに「あ、『DANNY』もパンクだったんだな」と知りました。

――「TEENS' MUSIC FESTIVAL」に出場して「DANNY」をやった時の手応えはどうでした？

藤原：まず最初が地区大会予選で、これが1996年2月11日。そこを勝ち進んで、その後千葉県予選も勝って、その次が日本青年館での関東ブロック大会。ここで負けました。もう一回勝てば全国大会だったんですけど。でも「いけたな！」って感じで。飛び跳ねて喜んでいたと思います。

――「DANNY」の後の曲作りはどうでしたか？

藤原：やってましたよ。英詞の曲がいろいろありました。その頃は曲だけは量産できたんです。歌詞はどうでもよかった。本当にクソどうでもよくて。いい感じの曲をまず作るわけです。ハートが求める「こういう音楽を鳴らしたい」というものができたら、あとはそれが何を歌っているかはどうでもよかったんです。

――「TEENS' MUSIC FESTIVAL」の後に当時の大人に「なんで英語で歌ってるんだ」みたいなことを言われたという話も聞きました。

藤原：そうです。僕らは関東ブロック大会で負けて全国大会には行けなかったんですが、その時に観に来ていたメジャーレーベルの方が後日連絡をくれて。「君たち面白いから、ちょっと話を聞かせて」みたいな感じで呼んでくれたんです。「他にもデモテープがあれば持ってきて」と言われたんで、持っていった当時の曲を全部聴いてもらったんですけれど、なんだかつまらなそうで。「なんで日本語でやらないの？」と言われました。ただ、その当時は日本語でやらないことにも特に理由はなかったから、その時に咄嗟に思った「世界に通用したいからです」みたいなことを適当に言ったんです。本当にそう思っていたわけじゃないんですよ。でも4人とも「よっしゃ、言ってやった」みたいに思ってて。当時は相手を言い負かせたか、なめられない答え方ができたかどうかのほうが大事だったんでしょうね。でも「世界で通用する前に日本で通用しなきゃダメじゃない？　まずは日本語で曲を書いてみてよ」と言われて。おっしゃる通りだな、となりましたね。

4人で音を出している時は楽しかった。そこだけが心の支えだった

――その頃の藤原さんの将来像はどうでしたか？

藤原：その頃にはもう高校を辞めていました。大ピンチだったと思います。将来も何も描いていなかった。みんなもすごく心配してくれたし、メンバーも毎日交代で誰かが家に来てくれた。「バイト見つけた？」とか「バイト面白い？」とか声をかけてくれて。僕は前向きな思いを持って高校を辞めた人間ではなかったので。自分が見つからないまま、どうすることもできないまま、本当はそうあるべきだった生き方を破綻させてしまっただけなので。自分のことなんか一個も愛せなかったし、胸を張れる時間なんて1秒もなかったんです。とはいえ、4人で音を出している時は楽しかった。そこだけが心の支えだったと思います。

――「ガラスのブルース」を書いたのはその頃ですか？

藤原：そうです。高校を辞めた後です。高校は、高1の2学期が終わる前に辞めました。文化祭には行ったんです。先輩のバンドでギターを弾いて、まもなくして辞めた。親にどう謝ればいいかわからなかった。どうしようもない半端者でした。どうしようもない状態で、無力で。バンドの仲間も、地元の仲のいい友達も、高校を辞めた僕をみんな心配してました。もちろん心配されてたことは肌で感じていたんですけれど、その何倍も心配してくれていた。みんな本当にいいヤツだなと思います。でも、将来に対しては何も考えることができないし、未来に対して透明度が全くない、何にも見えない状態でした。それについて考えることもできない、思考停止状態でした。親はそんな僕を、それでも家に置いてくれていて。でも、ただ息をしているだけでいることは許されなかった。「家賃を納めなさい」というルールを僕に与えてくれた。僕はそれにはすごく感謝しています。それで、家に置いておいてもらうためにバイトをするようになったんです。

――バイトをすることで何か変わりましたか？

藤原：バイトで得たお金をお母さんに家賃として渡すときには、生活費を稼いでいる感じはガキなりにちょっとありました。バイトをすごく頑張る中で、それなりにいろいろな出会いもあって。何人かと仲良くなったりもしました。で、バイトをしながら、他の時間に一生懸命ギターを弾いて、コツコツと何かを作っていく。それがだんだん曲になっていくわけです。そんな生活には、全然生きている心地がしない部分と、めちゃくちゃ生きている感覚と、その両方があった。不思議な感覚がありました。その生活の中で、バイトしながらギターを弾いて、ちょっとずつ作り上げていったのが「ガラスのブルース」でした。

――ちょっとずつというのは、何日もかけてという感じだったんでしょうか？

藤原：そうですね。1行も進まない日もありました。でも、別に締め切りがあるわけでもないし、誰かに書けと急かされているものでもないから、焦ることもなく、早く仕上げなきゃということもなく、ただ、何か不思議なところを確かめるかのように、日々コツコツとやっている感じでした。

――楽しい、というのも少し違う感覚だった？

藤原：楽しさはあったはずだけど、それとはまたちょっと違うものだったと思います。ただ、毎週火曜日は必ずバンドの練習があって、それは本当に楽しかったです。メンバーに会って彼らの話を聞く、あるいは自分の話を聞いてもらう。そして一緒に音を出す。僕にとって、とても大切な時間でした。

「人に何かを伝える」というのはこういうことなんだと分かった。「ガラスのブルース」はそういう体験を僕にさせてくれた最初の曲です

――曲ができた時には、どんな風に感じましたか？

藤原：「あ、できた」と思いました。初めて日本語でちゃんと言葉を書いた。歌詞を書いた。歌詞なんて、それまで一番どうでもいいと思っていた部分なんです。でも、ちゃんと日本語で、自分の中から出てきた言葉を、歌詞として形にすることができた。何かが完成したという感覚、謎の何かを掴んだ感覚がありました。不思議な空気感の中にいましたね。でも、なんだろう、今もうまく言語化できないです。ここは本当に言語化するのが難しいです。で、その日の放課後に、いつもみたいに増川くんが来てくれて。ヒロに「一曲できたんだけど聴いてもらえる？」って言ったら「おお、聴かせて」みたいな感じで。出来上がったばかりの歌詞がノートに書いてあって、俺の前にあいつがあぐらをかいて座って、二人で同じノートを見ながら、弾き語りで僕が歌った。それが「ガラスのブルース」を人に披露した最初のタイミングでした。あの曲の最初のリスナーは増川くんだったんです。で、あいつも「なんかよくわかんないけど、すごいよ」みたいな感じで、ひとつも言葉にならないまま、一生懸命感想を伝えてくれた。俺も同じ感覚だったのを覚えています。で、バンドでやるようになって。心配して遊びに来てくれたり、気にかけてくれていた地元の仲のいいヤツらにも聴かせました。そいつらは俺たちのバンドの曲をすごく楽しみに聴いてくれてたんですけれど、それまで「いい感じだね」とか「かっけえな」みたいな感想だったのが、「ガラスのブルース」を聴いてもらった時は、それが全然違っていて。

――どんな感じだったんですか？

藤原：曲を聴かせた後に、「はぁ……」って溜め息をついて、「もう一回聴かせて」って言われて。で、もう一回聴いたその後に「お前、こんなことを考えてたんだね」って言われるんです。みんな決まってそう言うんですよ。で、必ずその後に「実は俺にはこういう夢があって……」みたいな、今まで聞いたことのなかったデリケートな部分を打ち明けてくれる時間が始まるんです。その何人目かで、これが「伝わる」ということなんだと僕は分かった。「人に何かを伝える」というのはこういうことなんだと分かった。「ガラスのブルース」はそういう体験を僕にさせてくれた最初の曲です。

――今まで作ってた英詞の曲とは、形は一緒でも中身が全然違っていた。

藤原：はい。全然変わりました。自分が音楽を鳴らすこと、歌うことの意味が全然変わった。ずっと何かが足りないと思っていたけど、そう思っていることに自分で気付いていなかった。その「足りない」という感覚が俺にあったことに気付いたんです。それが何かと言うと、おそらく、そういう伝えたい何かを載せたメロディーにしか僕は感動していなかったんだと思うんです。たぶん、僕にグリーン・デイが刺さったのも、きっと、彼らが伝えようとしていることが伝わってしまったからだと思います。いろんなかっこいい要素、音楽的に好きな要素もたくさんあったけど、一番はそれらが渾然一体となって一つの弾丸になって、ちゃんと俺に刺さったから感動したんだな、と。それを伝えようとして、それが俺に対して伝わったんだな、と。じゃあ自分にとってそれが何なのかって言ったら、きっとこれなんだ、ということですね。

――言ってしまえば、それが「歌」である、ということですよね。

藤原：そうですね。全く違うものだった。自分がやっていたことはどこか足りないものだった。「あ、俺、そう感じてたわ」とわかった。ようやく空いてた部分が埋まった、みたいな感じがありました。うまく言葉で言えないですけど。でも、言葉で言えないっていうのはすごく大事なことで。要するに、その時の自分の中に起きた出来事とか、心の動きのことを、確信を持って僕は表現できていないんです。なので、こうやって喋っていても「これで合ってるのかな」とか「これを伝えるにはこれで合ってるのかな」といつも思っています。言葉にできないっていうのはそういうことなんです。

――「ガラスのブルース」という曲を書いたことで、どんな扉が開いた感じがありましたか？　自分にとってどういうきっかけになったというか。

藤原：あんまり音楽的なことじゃなかった気がします。「こういう風に伝えればいいんだ」とか「こういう風にしか伝えることができないんだ」とか「じゃあそれを続けていけばいいんだ」とか「もうこれを続けていくしかないのかもしれない」とか、そういうことだったのかもしれないです。手段の獲得だったような気がします。楽曲なんて、適当にコードを並べて適当なことを歌えば、別に作れるんですよ。それで一曲できたと言えば、それはそれでできている。でも、そういうことじゃ全然ないんです。そんなものを作ろうとも思わないし、やりたいとも思わないし、続けようとも思わなかったので。

頭の中の響きを再現する方法をなんとか発見して、新しく発明していくことが本当に楽しかった

――結成20周年記念ライブのアンコールでやった「BUMP OF CHICKENのテーマ」はその後にできた曲ですか？

藤原：「BUMP OF CHICKENのテーマ」は「ガラスのブルース」を書いたすぐ後に書きました。Aメロのコードがずっと変わらない曲をやってみたいと思って書いたんです。AメロのコードをEのまんまずっと引っ張って、Bメロでようやくコードが動く。歌詞はみんなで車座になって書いていったと思います。みんなでジャムりながら、歌詞もみんなで書いた。「BUMP OF CHICKENのテーマ」は、「ガラスのブルース」みたいな生まれ方をしたわけではないんです。あれはもっとお遊びでした。ふざけるのが楽しい、という感じでできた曲です。できるだけふざけたい、という。ただ、その中でもしっかりポップでキャッチーなものを作っていたと思うし、超えたいハードルみたいなものをしっかり想定して、しっかり超えた曲だったと思います。

――で、その後にどんどん曲ができていった。そのあたりはどうでしょうか。

藤原：「アルエ」がその次で、「くだらない唄」が同じくらいの時期だった感じです。どんどん書いていった、というわけでもなく、数か月に1曲くらいずつできていきました。

――『FLAME VEIN』に入っている曲の中で、「ガラスのブルース」は最初の扉が開いたとても大事な曲だと思いますが、その次に達成の実感が強かったものはどういうものですか？

藤原：毎回、ひとつひとつやったことのないことをやっているんです。そういう取り組みが楽しくてしょうがなかったんですね。「ガラスのブルース」のイントロは分数コードを使っていて。でも、分数コードというものを言葉でちゃんと解説できない状態で、感覚でやっていました。「アルエ」では「この感じを使ってみよう」、「この雰囲気のコードを使ってみよう」とその分数コードをBメロで使いました。そういう新しいコードは全部自分で発見したものです。最初は中学生の時に『1週間でマスターできるフォークギターの弾き方』みたいな教則本を買って、1ページ目から最後のページまで真面目にやりました。メジャーとマイナーのローコードは全部わかっていた。でも、頭の中にはそれでは補えない響きがあって、その押さえ方は知らないんです。だから全部自分で発見するしかなかった。そうやって頭の中の響きを再現する方法をなんとか発見して、新しく発明していくことが本当に楽しかった。それを作曲やアレンジの中で次々と活用していくのがめちゃくちゃ楽しい時期でした。

――コード感や和音の発見、音楽的な挑戦がそれぞれの曲にあった、と。

藤原：「リトルブレイバー」を書いた時は、これは曲が出来た後にわかった事ですが、僕の中にあったサザン・ロックの表現でした。あの曲のAメロでは、Dの後にCが来て、その後にGが来るんです。このコード感で、僕がサザン・ロックの中で好きだったエッセンスの一つを表現することができたという。でも、別にサザン・ロックをやりたいわけじゃなかったんで、全くサザン・ロックじゃない曲になりましたけど。とはいえ匂いはありますね。頑張ってそれっぽいギターを弾こうとしてるし。

――その時期には、自分たちの音楽性も定まっていった感触もありましたか？

藤原：音楽性が定まったという認識は全くなかったです。ただただ、やりたいことに没頭していました。でも、それが「オリジナルを作れるようになっていった」ということなんでしょうね。それまではコピーだったり、その延長にあるような曲しか作れなかったけれど、ちゃんと自分の中にあるものを表現する方法を身につけていった。僕はコード進行にドラマを感じる人間で、幼い頃からの音楽の聴き方がそうだったんですけど、「リトルブレイバー」は初期の曲の中でも、最初にそのドラマみたいなものをしっかりと表現できた曲じゃないかな。サウンド面はやりたいことばかりあって空回りしてましたけれど。

初めて書いたリフの曲が「ナイフ」です

――その時期はとても濃密な期間だったのではないかと思います。

藤原：そうですね。その頃の僕は相変わらず金もなくて、バイトしなきゃいけなかったので。さすがに実家を出ていたんで、東京で一人暮らしだった。親に払うためのお金ではなく、東京で借りてる家の大家さんに払うお金を稼がなきゃいけなかった。それが払えなかったら出ていくしかないじゃないですか。そういう濃密さもありましたね。必死に金を稼いで、曲を書いていた。その中でいろんなことをやっていった。「ガラスのブルース」は基本はパワーコードで作っているんです。でも「リトルブレイバー」はアルペジオから始まるし、そのアルペジオを基調に表現したいコードの枠ももっと広がった。ギターのニュアンスも、歪んだエレキギターだけじゃなく、クリーントーンもアコギも使うようになった。音楽性ということで言うと、やりたいことが持っている手札を超えるようになっていった。今聴くと、悔しく感じるところはありますね。

――というと？

藤原：「リトルブレイバー」を最初にレコーディングした時から1年ぐらい後に「とっておきの唄」を録ってるんですけど、そのタイミングで「リトルブレイバー」を録っていたら、もうちょっと悔しさや後悔はなかったんじゃないかな。こう鳴らせばこう聴こえる、こういう響きになるというのがわかっていく時期だったので。今にしてみれば大したことではないんですけど、パワーコードしか知らなかった当時の僕たちにとってはすごく大きなことで。アルペジオにしても、アコースティックギターを弾くようになった中学生の頃から好きだったんですけど、それをバンドアンサンブルにどう組み込むかがよく分かってなかった。「こういうふうにすればちゃんと立つんだな」ということがわかっていった。アンサンブルの作り方や、弾きたいフレーズに適した音の選び方にしても、トライアンドエラーの中で自分たちなりの答えがいくつか用意でき始めたんですよね。全然微々たるもんですけど、大きな差だったんです。

――なるほど。バンドの表現力が少しずつ増していった時期だった、と。

藤原：「リトルブレイバー」を作った時は、表現したい音楽の幅が手札を凌駕し始めた頃で。それでも、4人で鳴らした時の音の感じには、「よし！」っていう、小さいけどめちゃくちゃ強いガッツポーズが心の中にはありました。「これをみんなに届けたい」という、切実な渇望、渇きみたいなものがありました。「ノーヒットノーラン」は追っかけコーラスがうまくいったな、こういうのも楽しいなというのがありました。「とっておきの唄」はそういうのが奇跡的にいろいろうまくいった曲ですね。でも、今思えば「やりたかったんだけどできてないね」みたいなところもあります。

――他の曲もそういう感じでしたか？

藤原：「くだらない唄」を書いた時のことも覚えてますね。オクターブ奏法って格好いいなと思っていて。スマッシング・パンプキンズとかオルタナのバンドからそれを知ったんです。毎週火曜日がチャマの家での練習の日だったんですけれど、僕はその時、初台の姉の家に住んでいて。初台から臼井駅まで1時間弱くらいかけて行く電車の中で作ったんです。「くだらない唄」はオルタナとブリットポップのハイブリッドという感じもありますね。ローコードで歪んでいて、GのキーでAmが使われているというのは、おそらくブリティッシュロックから学んだことなんですよね。それでもやっぱり、特筆すべき曲と言えば「ナイフ」ですね。「ガラスのブルース」と「リトルブレイバー」と「ナイフ」です。

――「ナイフ」はどういうところがポイントでしたか？

藤原：リフを初めて書きました。当時声をかけてくださって、色々と手伝ってくださっていた音楽関係者の人たちが居たんですけど、その人たちに「リフの曲、ないの？」と言われて。「藤原、リフ書かないの？」って。ギターを弾くのは大好きだったんですけれど、それまで自分でそういうものを作ってみようと思ったことがなかったんです。「なるほど、じゃあリフの曲書いてみよう」と思って。で、初めて書いたリフの曲が「ナイフ」です。

――曲を作るごとに新しい音楽の文法を得ていったんですね。

藤原：はい。そこに興味があった。それが30年後の今日に至るまでずっと続いてる感じです。こうやって説明しなきゃ分かってもらえないし、説明したところでも分かってもらえないことがほとんどなんですが、あるんですよ。でも、ここまで具体的に話したのは初めてかもしれないですね。

その3年間の中で、僕はバンドマンになり、ミュージシャンになったんだと思います

――1996年2月11日がバンドの結成日で、1999年3月に『FLAME VEIN』が出ています。この3年間は、藤原さんにとってどんな期間だったと思いますか？

藤原：今考えてみれば、その3年間の中で、僕はバンドマンになり、ミュージシャンになったんだと思います。それからずっと、それが生業になっている。そういう3年だったと思います。基本、それが今も続いている。一つひとつのことについて、本当に納得するまでとことん確かめるようなことをしていたみたいに思うんです。音楽的な意味でも、もっと概念的な意味でも。「なんで自分はこれを大切に思うんだろう？」とか「なんで今ここにこういうギターの音を入れたいんだろう？」とか。それは今もやっていることなので。

――つまり、今の自分になった3年だった。

藤原：そうかもしれないですね。でも、その前も基本的にはそういう生き方をしてきたと思うんで。で、それがバンドになった。つまり、獲得したんだと思います。そこを入り口に世界と繋がる方法論を確立したんだと思います。そこを入り口にすると、しっかりと納得できる答えに辿り着ける。そのことを知ったんじゃないかと思います。



取材・文 / 柴那典

「BUMP OF CHICKEN HISTORY #1」藤原基央インタビュー

街を歩いている人が二度見するくらい声が高い子でした

――幼稚園時代にメンバーのみなさんと出会っていたそうですが、その時の記憶にはどんなものがありますか？

増川：僕はその頃はあんまり物心がついてなかったんで、あんまり覚えていないんですよね。ただ、よく粗相をしていた子でした。親からカバンに替えのパンツを用意されていて、たまに漏らしてしまったら先生に着替えさせられていた。その様子を見ていた他のメンバーもいたみたいです。そんな感じのタイプで、誰か特定の子と遊ぶ感じでもなかった気がします。でも年少から同じ「ひよこ組」だったし、一緒にはいました。

――その頃のみなさんの印象は？

増川：チャマはやんちゃな子供だった印象ですね。藤原くんとの記憶はあんまりなくて、みんなで遊んだ中の一人という感じです。

――藤原さんもチャマさんも、子供時代の増川さんはとにかく声が高かったと言っていました。

増川：なんでかはわからないけれど、本当に高かったです。街を歩いている人が二度見するくらい声が高い子でした。今の僕の声より3オクターブくらい高かったんじゃないかな。あと、線も細くて、お腹も弱かった。親が言うにはしょっちゅう泣いている子供だったみたいです。ちょっとしたことで病院に行っている記憶がありますね。

――小学校時代はどんな子供でしたか？

増川：小3くらいまでは幼稚園とそんなに変わらなかったです。近所の友達と遊んだり、家で自分だけの世界にいるみたいな感じでした。その頃までは学校でもぼーっと過ごしていました。で、4年生になってからチャマと同じクラスになって、すごくよく遊ぶようになりましたね。升くんとも家が近かったので、みんなで公園に行ってそこにいたら一緒に遊ぶ子みたいな感じで。そこから学校が楽しくなったというか、ようやく社会性が出てきた気がします。その頃から思い出もハッキリしてくるんですよね。声が高かったんで、担任の先生に「合唱部に入りなよ」って言われて。イヤだったんですけど断りきれずに入ったら、その部活がコンクールとかに出るようなすごく厳しいところで。小学校なのに朝練をやったりするんです。

――チャマさんとはどんな関係でしたか？

増川：その頃、給食の時間に笑わせ合うみたいなことが流行ってて。お互いに笑わせ合って、牛乳を吹き出させちゃうんですよ。「絶対笑わせるのナシにしようぜ」とか言い合っても、ちょっかいをかけちゃう。だから早く飲んだりしてる子もいたし。僕はそれで無双してました（笑）。チャマは弱いほうでしたね。

――小学校時代にハマってたものとか、好きだったものは？

増川：実家の近くにお寺があったり、竹藪があったりして、自然豊かな環境だったんです。そういうところで暗くなるまで遊ぶのが好きでした。近所の友達とそういうところでずっと遊んでました。うちはファミコン禁止だったんですよ。でも友達はみんなゲームを持ってるんで、その友達の家でゲームをさせてもらうのが楽しみで。特に『ドラクエ』とかはすごく流行ってたから、話についていけないと悲しくて。ノートに『ドラクエ』っぽい感じのマップを書いてたりしてました。

――絵を描くのは好きでした？

増川：好きでしたね。下手でしたけれど、いろんなキャラクターを自作して、それを登場させた変な4コマ漫画を描いて楽しんでたりしました。それをチャマにも読んでもらったりしていて。学校に『火の鳥』を持ってきて本棚に置いてくれる友達もいたんで、『火の鳥』も読んでました。難しくはあったけれど「なんかすごいな」と思った気がします。自分の家にはなかったんで、友達の家で読んだんですけれど。『大長編ドラえもん』も好きでした。あとはカードダスもやってたし、プラモとかミニ四駆とかもやってたし、ジオラマを作ってみたりもしてました。地元のおもちゃ屋さんにも行ってました。

藤原くんとの再会は、人生でも最も大きな出会いだった

――藤原さんは、小学生の時におもちゃ屋さんにあるミニ四駆のコースで増川さんに会ったと言っていましたが。

増川：そうなんですよね。彼はちゃんと俺のことを覚えていて声をかけてくれたんですけど、その時は話が通じてなかったと思います。小学校の時の友達の間で、外国人がよくやる「ホワイ？」みたいな肩をすくめるジェスチャーが流行っていて、それをひたすらやり続ける、みたいな。声をかけられたことも覚えてるんですけれど、ただただ一緒にいる友達との間で流行ってることを浴びせたい、みたいなことしか思ってなかった。しょうもない男子でしたね。あんまり何も考えてなかったと思います。

――中学に入って、藤原さんと再会したときはどんな感じでしたか？

増川：そこでようやく記憶が合致したという感じです。「あ、もっちゃんね」という感じでした。幼稚園の時のことはなんとなく覚えていたけど、小4の時はそこと結びついてなくて。中1になって「なんであの時、あんな変な感じだったんだよ」と言われて、そこでちゃんと「久しぶり」って思えた感じだったという。

――そこから増川さんは何か変わりました？

増川：本当に変わりました。藤原くんとの再会は、人生でも最も大きな出会いだったと思います。僕は小学校では面白いキャラとしてブイブイいわせていたんですよ。男子を中心に人気者っぽい感じで過ごしていた。でも、中学校に入って彼と出会って「こんなに俺より面白いことを考えてるやついるんだ」みたいに思ったんですよね。で、同じクラスになって。当時は『スラムダンク』が流行ってたし、誘ってくれる子がいたからバスケ部に入部した。そしたら藤原くんもそうで。そこからは、休み時間も、部活も、昼休みも、放課後も、部活が終わった後も、ずっと一緒に遊んでました。

――その時の藤原さんの印象ってどういうものでした？　自分より面白いというのは？

増川：別に面白いことを言うとかじゃなくて、ワクワクするような想像の話でも、すごくわかってくれるんです。「もしもこうだったら」みたいなことを、すごいレベルの解像度でわかってくれる。笑いのツボとか、ワクワクするところとか、そういうポイントが僕とバッチリ合ってたんだと思います。それがすごく嬉しかった。ただ、一緒に遊ぶって言っても、ジャスコに行ってフードコートでラーメン食べたりするくらいで。チャリに乗って集まって、何をするわけでもなく一緒にいるという。最初はその関係性の中に音楽は何もなかったです。

――増川さんの音楽との出会いはどんなものでしたか？

増川：ヒットチャート自体が流行ってたから、そこにあったようなJ-POPはいろいろ聴いてました。B'zとか好きだったし、BOØWYとかも先輩の世代のアーティストだと思うんですけど、そのあたりは周りで流行ってたし、CDも家にあって聴いてました。CDラジカセも家にあったし、クラシックの名曲みたいなのもあったりしましたけれど、それはあんまり聴いてなかったかな。TSUTAYAに行ってCDを借りてカセットテープにダビングするみたいなことはすごくやってました。

朝の4時に起きて家をこっそり抜け出して、藤原くんとよく空想の話をしていた

――最初に藤原さんたちが文化祭でバンドをやったときは、増川さんはそこには加わってなかったそうですが。

増川：そうですね。友達として見てました。みんなとは仲が良かったんだけど、中2になって別のクラスになったんで、そこの友達とも仲良くなっていて。文化祭の前、藤原くんが一度だけバンドに誘ってくれたことがあったんです。でも、そのときは升くんがお姉ちゃんから教えてもらったビジュアル系あたりの音楽もあんまり聴いてなかったし、「すごい仲良かったフジくんがちょっと知らないことを始めてしまった」みたいな嫉妬があって。で、その時は参加しなかったんです。楽器を買うようなお金もなかったし、バンドをやろうっていうのがどういうことなのかも、あんまり意味がわかってなかった。だから仕方なかったんですけれど。でも、文化祭でワーワーやってるのは応援してました。「すげえじゃん！」みたいな感じで見てました。その後のクリスマスコンサートも手伝ってましたね。意味もわかってなかったけど「レディース・アンド・ジェントルメン」みたいなことを言って、幕を開けたりして。でも大成功だった文化祭とは全然違っていて。文化祭は学校行事だからみんな参加するんですけれど、そうじゃなくて「よかったら集まって」っていうのはハードルが高いことなんだなって思いました。

――そこから増川さんがバンドに加わったのはどういう流れだったんでしょうか。

増川：もちろん付き合いはあったし、一緒に遊んだり手伝ったりはしていたので、僕の中にも、素直に「できたらやりたいな」みたいな気持ちがあったんですよね。で、中学卒業の直前に藤原くんがもう一度誘ってくれたんです。その前段階として、藤原くんの持っていたエレキギターを僕の家に隠してたことがあって。中3の時だったと思います。彼はアコギは持ってたんですけれど、エレキギターを買うのはダメだと言われていて。でも貯めたお小遣いで買っちゃったんですよね。それで、藤原くんの家には置いておけないから。僕の家に隠していたんです。実家の僕の部屋は当時1階にあったんで、窓を開ければ玄関を通らずに靴を脱いで入れる感じだったんです。学校からも近かったし、そういう環境でもあったんで、彼がギターを触りたくなったら寄って弾いていけるし、そこからチャマの家に持っていけるような感じで。で、密かな憧れをずっと持っていたバンドにつながるギターが、俺の部屋にずっとあるわけじゃないですか。まあ、「別に触っていいよ」って言われてたから触るようになったり、一緒に遊んだ時にギターを教えてもらったり。そんなこんなしているうちにバンドに入るという形だったんですよね。

――増川さんとしては、そのエレキギターが音楽への入り口になった。

増川：そうですね。それまでって、曲がどんな風にできているかなんて、意識しないじゃないですか。でも最初に「四季の歌」とか、コードをジャランと弾くだけのことを教えてもらって。それでも立派な伴奏になるから「ギター、すげえな」と思った記憶があって。うん。たしか、その時に2人で曲を作ったこともあったんです。もちろんその時は俺はほとんど弾けないから、ギターを弾いて「こんな感じ」みたいな話をして。紙とペンで何かを書いて。遊びの延長でそういうことをするだけだったんですけれど。それが『Iris』のシークレットトラックの「朝焼け」という曲です。

――藤原さんとはバンド以前からもいろいろなことを話したりしていたんですね。

増川：そうですね。当時、藤原くんと遊んでいた中に、よくわからない遊び方があって。「朝会い」っていうのがあって。朝に会うんです。学校があったり用事があったりする中、朝の4時に起きて家をこっそり抜け出して、まだ暗い街を歩いたりしていたんです。缶コーヒーを買って、開いてない駅の階段に座って過ごしていたり。そこでよく空想の話をしていたんです。怖い話をしたり、宇宙ってどうなってるんだろう？みたいなSFっぽい話をしたり。今の俺らは3次元だけど4次元の世界ってどうなんだろう、とか。そういうことを話すのが好きで。でもガキだし、「朝会い」に失敗することもあるんです。起きられなかったりして。で、ある日、家の窓を開けたら紙に書いたメモと冷たくなった缶コーヒーが置かれていて。「今日は待ってたけど帰るね」って書いてあったり。それで切なく思ったことも覚えてます。

グリーン・デイとレディオヘッドが僕にとっては大きかった

――高校に入ってからはどんな感じでしたか？

増川：その頃はバンドにもう加入していたので、毎週火曜と日曜にチャマの実家の居酒屋を使わせてもらって練習してました。高校受験の後の春休みからそれが始まっていて。ただ、やっぱり、いくら「バンドやろう」って言っても、曲もなければ飽きるじゃないですか。とにかく集まるのが楽しすぎて、余計なことばっかしてましたね。遊んじゃう時もいっぱいあったし。

――思春期の男子ですからね。

増川：しょうもないですよね。ちゃんと「もっと練習しとけよ」って今は思うんだけど。でも、僕にとってはとにかく最初に藤原くんと会った時の「こんな面白いことを共有できる人間がいるんだ」っていうのがどんどん増えていった時代だったんです。チャマも升くんもそう。話していて、笑い転げない日はないぐらいの感じだったんで。いつもそんな感じでした。

――当時の将来像はどういうものでした？

増川：あんまり考えてなかったかな。小学校の頃から成績は良かったんですよ。ぼやぼやしてるんですけど、ちゃんとやればテストの点数もとれちゃうタイプで、塾も行ってたし、宿題とかも素直にしていたので。勉強は嫌いじゃなかったですね。でも、いい高校に入ろう、いい大学に入ろうとかは全然考えてなかった。どうせ行くなら、近くて比較的同じ学力の人が集まる方がいいだろうなとは思ってました。それぐらいですかね。

――音楽への興味はどう変わっていきました？

増川：高校に入った頃からは洋楽とかも聴き始めていて。ちゃんとギターのサウンドというものを意識するようになったと思います。やっぱり大きかったのは升くんが貸してくれたグリーン・デイの『Dookie』でした。最初に聴いた時はちょっと分からなかったんですけど、2回目で「これ、すごいね！」となって。それがちゃんと洋楽に引き込まれた瞬間だったと思います。それまで聴いてたものとは違ったんですよね。そこからグリーン・デイが一番かっこいいものになったんですよ。そこからいろんな音楽を聴くようにはなったんですけど、最初の衝撃はそこでしたね。


――グリーン・デイからどんな風に広がっていきましたか？

増川：ボン・ジョヴィとかミスター・ビッグとかも、その前にちょっと流行ってたんです。でもグリーン・デイがそれを塗り替えちゃったんですね。そこからオアシスとかブラーとかパルプとか、UKのバンドを沢山聴いてました。そうこうしているうちにレディオヘッドと出会った。そこでも衝撃を受けました。中古のワゴンセールで『The Bends』のCDが売ってて。「え、なんだこれ？　なんだこの深遠な世界は」という感じになってました。まだ『OK Computer』が出る前ですね。スマッシング・パンプキンズもチャマから借りて聴いてたし、すごい好きでした。ニルヴァーナにも打ちのめされていました。でもやっぱり、グリーン・デイとレディオヘッドが僕にとっては大きかったですね。

――みなさんの中でCDを貸し借りしたりして、どんどん音楽に詳しくなっていった。

増川：そういう時代ですね。その中でやっぱりヒデちゃんはどんどんいろんな音楽を聴いてたイメージがあります。高校は僕と升くんが一緒だったんですけれど、周りの友人にも恵まれて、僕らに近い音楽の嗜好を持っている人もいたので。新たな環境でした。

――チャマさんがグリーン・デイの初来日にみんなで行ったと言ってました。

増川：行きました。その時にハイスタが出てて。帰りに無料のCDを配ってたんですよね。それも聴いてすごいかっこよかったし、ハマってました。

その頃の僕らは謎の自信に満ちあふれていて。無敵だと思ってました

――1996年2月11日に「TEENS' MUSIC FESTIVAL」の予選で船橋の楽器店で初めて4人でステージに立ったわけですが、この時はどんな感触がありましたか。

増川：楽しかったです。とにかく、その頃の僕らは謎の自信に満ちあふれていて。無敵だと思ってました。下手くそなくせにそういう自信はあった。そのまま人前に出てきちゃった感じだったと思います。周りの人からはどんな風に見えてたんだろうな。音のバランスもめちゃめちゃだし、チューニングもまともにできてないし、俺とかチャマは動き回ったりしてたんで、シールドも絡まっちゃうような感じだったんですけど。

――「TEENS' MUSIC FESTIVAL」は千葉大会、関東ブロック大会まで勝ち進みましたが、その手応えもあった。

増川：とにかく自分たちは無敵だという謎の自信だけはあったんで。意外だと思ってなかったです。「よしよし、次行くぞ」みたいな感じでした。怖いもの知らずでしたね。緊張もあったけど、幸せでしたね。東京青年館に行く道中すらも楽しかった。高揚感がありました。

――その年の夏に軽井沢に合宿に行ったみたいな話も聞きました。

増川：みんな『スタンド・バイ・ミー』が大好きだったんで、そういう雰囲気を一生懸命に味わって帰ってくるみたいな感じでしたね。スタジオもあって、リハーサルもしていたけれど、いかんせん数曲しか持ち曲ないし、やり方もわからなかったので。すぐに遊びにいっちゃうんですよ。そういう記憶があります。

聴いたその歌がそのまま身体に染み込んできた。その感動にびっくりしたんです

――「ガラスのブルース」という曲が生まれた頃のことも聞かせてください。最初に聴かせたのが増川さんだったと藤原さんは言っていましたが、その時にはどんな記憶が残っていますか？

増川：この時には、フジくんは学校を辞めていて。家にいたんですよ。心配だし、地元の友だちでちょくちょく家に遊びにいってました。高校を辞めてしまったこと自体はしょうがないけれども、だからといって引きこもりになるのも良くないだろうと。僕もみんなも様子を見たいし、会いたかったから、よく家に行って。そのまま家で一緒に遊んだり、外に遊びに行ったりしていて。そんな中、「曲ができた」って言って、聴かせてくれたんですよね。それが本当に衝撃的で。最初はあんまり自信がなさそうな感じで聴かせてくれたんですけど、その時に100点満点で120点くらい褒めちぎった記憶があります。「すげえいいじゃん、これ！」って。グリーン・デイもレディオヘッドも好きだったけれど、それが僕の中では本当に大きな大きな衝撃だったんですよ。それまでの曲は英語の歌詞で。歌詞も辞書を弾きながらみんなで書いていった曲もあったんですけれど。それとは全く違って、聴いたその歌がそのまま身体に染み込んできた。その感動にびっくりしたんです。もちろんそれまでも邦楽はいっぱい聴いてきたはずなんですけど。一番身近な友達の口からそういう言葉が伝わってくるというか。フジくんは、最も自分と重なるところがあるというか、年も同じで地元でもよく遊ぶ友達で。そういう人の歌声が、どんな邦楽とも違ったんですよ。言葉に持ってかれたというか。「ガラスのブルース」という曲から得られる感動が大きかった。それにすごくびっくりして。「なんだろう、これは」と思って。「これは絶対にやろう」みたいなことは言ったと思います。


――藤原さんは、曲を聴かせたいろんな人に「お前、こんなこと考えてたんだね」と言われたと言っていました。で、自分の夢を語るようになった、と。そういう感触はありました？

増川：そうですね。耳ざわりがかっこいいとか、表面的にやってることがかっこいいとかでは全くなく、心の奥のところに響いた感じがすごくありました。「こんなに綺麗な言葉があるんだ」みたいな。あまりうまく言語化できないですけど、ものすごくかっこつけたことを言わせてもらえれば、そこで先の方まで見えた感じがあったんです。この曲を聴かせてもらった瞬間に、「これを他の人も聴けばいいじゃん」というか。それをもっともっと大勢の人が聴けばいい、そうなれば楽しいじゃん、みたいなことを思ったんですね。漠然と今のステージにつながっているかのような道が見えた感じはあって。すごく大きな瞬間でしたね。それまでも無敵感はあったんだけれど、それともちょっと違うというか。みんな聴いたらいいって。そういう音楽の原点のところに立ち返ったというか。そういうことはすごく思いました。

――ということは、次に出た大会の時も、きっと優勝するだろうとどこか確信していたところがあった。

増川：そうですね。何か間違わないかぎり絶対に行くだろうなと思ってました。審査員の方が「今の彼らにこの賞をこの曲であげるかどうか迷ったんです」みたいなことを言っていたんです。演奏も荒かったし、曲の良さに対して、演奏力は何もついていっていなかった。それを言われたことも覚えていますね。他に出てた人たちはみんな上手かったから。この大会に出た頃から「ガシャガシャやってるだけじゃダメなんだ」みたいに、演奏に対する意識も強くなってきました。

――それ以降、音楽業界の人から声をかけられるようになっていくわけですよね。友達同士の関係だけでやっていたところに、事務所やレコード会社のような大人との接点が生まれてくる。そのあたりの感触はどうでしたか。

増川：「いよいよ来たか」みたいなのはありました。あとはやっぱり警戒心もありましたね。でも、とにかく他の手段を知らなかったので。自分たちでデモテープを作ったりはしていたけれど、その先の世界は知らなかったので。警戒半分、期待半分みたいな状態だったかな。あとやっぱ純粋に「東京の人ってオシャレだな」みたいな、そういう感覚はありました。

――ショーケースライブに出されそうになったようなこともあったそうですが。

増川：その後にはライブハウスでやるようになって、そこに音楽業界の人たちが来るようになったんですよね。バンドにそうやって近づいてくる音楽業界の大人たちがいたんです。彼らは喫茶店でも「何でも食べていいよ」みたいに言ってくれて。僕らもガキだったし、ありがたく食べて。頼んでもないのにサポートを申し出てくれるメジャーレーベルの方もいたりして、期待をされていたんだとは思います。そういう時に「うちのやるライブがあるから出ない？」みたいな誘いもあったということだったんですよね。でも、それがレーベルのショーケースライブだったみたいなことを別の方からの説明で知って、その事を先方が事前にちゃんと説明してくれていなかったことに僕らが不信感を持ってしまって、その方たちとはそれっきりになって。それで信頼出来る方々とインディーズで一緒にやり始めた頃だと思います。

人生で一回しか味わえない、最高の青春だったと思います

――増川さんが高校を卒業した頃はバンドに対してどんな感じのことを思っていましたか？ 

増川：1998年の3月に卒業して、そこから1年浪人したんですけれど。浪人中もライブはガンガンやってました。「NO REASON」というカセットテープを出したことがあったんですけど、それを全然話したことのない高校の同級生が持っていてビックリした記憶があります。ずっとライブハウスには出てました。

――浪人生の頃は将来に対してどんなことを思っていました？

増川：高校の同級生に受験しないヤツはいなかったし、升くんも推薦をとっていたので。大学受験をしないという選択肢はそもそも考えにくかったです。でも勉強はしたんですけれど、目論見が甘くて全然受からなくて。申し訳なかったけれど、それはそれとしてライブをやっていこうって感じはありました。バンドは絶対にやっていきたかったけれど、かと言って受験しないという選択肢も逆になかったというか。学生のまま行けるんじゃないかと思っていました。

――その頃は、4人の境遇もバラバラですよね。バンドにかける思いには若干の濃淡みたいなのはありましたか？

増川：あったと思います。フジくんとチャマは早々に東京に出ていたし、バイトしながらバンドをしていたし。特にチャマは今の生活を抜け出したいというマインドもあったので。僕にもそれはあったけれど、その切実さは違っていたと思います。でも毎週火曜日にチャマの家に集まって練習するというのは継続していて。俺はそれをすごく楽しみにしてました。普段はだんだん会わなくなっているけれど、その日には集まることができたんで。俺は予備校に行きながらって感じでしたね。ライブがあったら行っていたし。他のメンバーからはバンドに全振りしていなかったように見えていたとは思います。実際、楽しいから絶対にバンドはやめたくなかったけれど、具体的にご飯を食べていくための手段としては見ていない感じだった。度胸がなかったというのはあると思います。漠然と「音楽で生きていけたらいいな」みたいなのはあったんですけど。でも、バイトや学校を辞めるほどの勇気は持ててなかった。

――そこから増川さんの中で熱量が上がったのはどんなタイミングでしたか？

増川：やっぱり『FLAME VEIN』を作った頃だと思います。たしか2、3日で録ったんですけど、早朝までかけてレコーディングをしていて。その頃はライブハウスに出るたびにお客さんもどんどん増えていったんですよ。それもあってギアが勝手に上がっていったという。

――バンドの知名度もどんどん上がっていた。

増川：そうですね。俺がなんとか大学に受かって、最初に大学に行った時のことで、すごく覚えていることがあって。東京の大学だし、知ってる人なんか一人もいないわけじゃないですか。でも、軽音部をちらっと覗いてみたんですよ。最初のイベントに参加したことがあったんです。そしたら俺らのことを知ってる人がちらほらいたんです。その辺からですね。なんというか、自分たちだけが楽しいと思ってやっていたことが、社会に漏れていったという。ライブハウスでも自分たちが呼んだ人以外の人に声をかけられるようになって。全く知らない人に自分たちのことが伝わるようになった時期でした。

――大学に入ったことで何か変化はありましたか。

増川：受かってよかったです。メンバーに申し訳ない気持ちもあったし、親にもそうだし。大学に受かっているというのは、親に対しての最後の安心材料だったというか。それをクリアすれば親に納得してもらえるというか。そういうのはありました。

――最後に聞かせてください。1996年2月11日にBUMP OF CHICKENが結成されました。その日に4人で初めてステージに立った。そして1999年3月に『FLAME VEIN』がリリースされています。この3年間って、どんな期間でしたか？

増川：たしかに3年だったんですね。今3年間って言われて「そっか、3年間なんだ」って思いました。なんだろう……青春そのものの年頃じゃないですか。僕にとっては、自慢の青春ですね。これ以上の青春を味わえてる人はなかなかいないんじゃないかなっていう。でも、青春ってそういうもんだと思うんだけど、渦中にいる当時の自分にとっては、先は全く見えてないわけで。だから不安ももちろんありました。若い頃って、漠然とした大きな不安があるじゃないですか。将来どうなるんだろうとか、親に申し訳ないなとか、お金ないな、とか。だから、今振り返ったらとても輝いていた、最高の青春だったって言えるんだけど、今パッとその時の渦中の気持ちになったらそれはイヤかもしれないわけですよね。いつも2、3日先のことで頭がいっぱいだろうし。今だからこれは言えるんでしょうね。今あの時代に戻っても同じことにはならないだろうし。人生で一回しか味わえない、最高の青春だったと思います。



取材・文 / 柴那典

「BUMP OF CHICKEN HISTORY #1」増川弘明インタビュー

――「Sphery Rendezvous」を振り返って、ご自身にとってどういうツアーになったという感触がありますか？

升：東京ドームのファイナル公演を迎える時にメンバー同士で話していたのは、この5年間の集大成的な感じがするよね、ということですね。前のアルバムのツアーをやりきったあとに、また「アカシア」から作り始めて。「Iris」というアルバムを作る間に「Silver Jubilee」、「be there」、「ホームシック衛星2024」という3本のツアーをやって。そういう2020年から2024年の集大成という感じがしています。

――ツアーが終わった時の感触はどうでしたか？

升：達成感と虚脱感みたいな感じですね。これまでのツアーと違うのは、これまでは常に次がもう決まっていて、終わったけど終わってないみたいな感じだったんです。特に「ホームシック衛星2024」から「Sphery Rendezvous」は、セットリストも違うし、期間も短いし、虚脱してる場合じゃなかった。でも今回はやり切った実感がありました。この数年なかった感覚でしたね。でも同時に寂しさもありました。お客さんの素敵な景色を見てきたけれど、その予定がなくなっちゃったなっていう。

――ここ5年間はコロナ禍でなかなかライブができなかった時期もあったわけだし、ライブの喜びや大切さみたいなものを一つひとつ積み重ねた5年間という感じもありますよね。

升：そもそもライブができないっていうところからのスタートでしたからね。僕らの場合は、まずスタジオライブで画面上から音楽を届けることから始めて。そこから幕張メッセでやって、その次の「Silver Jubilee」は歓声なしのライブハウスツアーで、次の「be there」の途中あたりから歓声がOKというタイミングになった。世の中が日常を取り戻していくのをステージ上から感じられたおかげで、今まで普通にライブをやれていたことの貴重さも改めて感じられましたね。

――2024年は「ホームシック衛星2024」と「Sphery Rendezvous」という2つのコンセプトのツアーがあり、しかもやることが全然違った。これはどうでした？

升：やってみると、そんなに間が空いてないんですよね。「ホームシック衛星2024」が4月末に終わって、4ヶ月くらいあって「Sphery Rendezvous」という。全然違うものっていうよりは、繋がったものとしての流れはありました。あとは「ホームシック衛星2024」の直前に「Sleep Walking Orchestra」が出たり、その前にも楽曲制作をしていたので。リリースした新曲をあえてやらないツアーをやったおかげで、「Sphery Rendezvous」で曲を届けたいというモチベーションがより高まったっていうのがある気がしますね。

――「Sphery Rendezvous」のツアータイトルを決めた経緯の話は藤原さんにお伺いしたんですが、そのファーストインプレッションはどんな感じでしたか？

升：まずタイトルに辿り着くまでのコンセプトというか、こういう思いがあって、こういうタイトルにしたいっていうのをすごく丁寧に説明してくれて。最初は「Sphery Iris」がアルバムタイトル候補だったんですよね。それが決まったのが2023年ぐらいだったんです。「ホームシック衛星2024」が始まる前、ツアーの打ち合わせをしてる時にその話が出たんですよね。こういうコンセプトのアルバムにしたいって。それで「いいね、いいね」と盛り上がって。で、そこから「Iris」になって、ツアータイトルが「Sphery Rendezvous」に決まったのが「ホームシック衛星2024」のツアー中だったんです。大阪でのライブ前だったんですよね。それも、リハの前後とかじゃなくて、ライブの始まる直前だったんです。藤原君が「『Sphery Iris』で考えていたんだけれど、『Iris』にした方がいいと思うんだ。だからそっちにするね」って。「え？」「いいじゃん！」って言ってるあいだに「星の鳥」が鳴り始める、みたいな感じだったと思います。

――そんな重要な情報を受け取ったばっかりのタイミングでステージに上がってたんですね。

升：そうなんですよ。で、その後の打ち上げの時にみんなで改めて話して、ツアータイトル「Sphery Rendezvous」とアルバムタイトル「Iris」で行こうって決まったっていう。そんな感じでした。藤原君はいつもすごく丁寧に説明してくれるんです。こういうインタビューの時はそういう話を何回か経て話が整理されているんですけど、もっと遡ったところからスタートして話してくれるので。

――特にここ最近、藤原さんのツアーや活動のコンセプトや考えの説明がとても饒舌になっていて、それがバンドの大事にしているものをリスナーと共有するうえですごく大きな役割を果たしていると思うんです。お話を聞いて、その最初の共有がメンバー3人にあるんだな、と思いました。

升：まずそうですね。そこで明確に説明してくれるから、山田健人監督だったり8%チームだったりとの共有もすごく純度高くできている印象もあります。どちらも僕らのことを理解してくれているし、素晴らしいチームでやれている。だからああいうステージだったり、ビジュアルが生まれてきてくるんだなって思いますよね。

――特にドーム公演のステージは円形で、照明を仕込んだリングの舞台装置もあって、すごく印象的なセットでしたけど、ステージに立ってみての実感はどんなものでした?

升：すごすぎて現実感がわかない感じでした（笑）。ベルーナドームで見たのが初めてですよね。興奮して「すげえ！」って言って、いっぱい写真撮りました。しかも動くし光る。やってると逆に全貌が分からないんで、後で映像作品を見た時には「こんなんだったんだ」ってすごくびっくりしましたね。

――映像を見ての感触はどんなでしたか?

升：今までやったことない感じでしたね。新しいけど違和感がないというか。ただ格好いいだけじゃなく、ちゃんと自分たちの音楽に対して存在している必然性がある。しっくりくる感じでした。

――ドラマーって、バンドのフォーメーション的には後ろからフロント3人を観る立ち位置ですよね。その視点ならではの感触というか、後ろから見るそのメンバーたちってどんな風に見えるんですか?

升：「行ったなあ！」って思うときはありますね。特にドームだと横は完全に視界から外れるぐらいの距離があるんで。「どこで弾いてるんだろう？」みたいな（笑）。距離が離れてもしっかり音で繋がってる状態っていうのは面白いですよね。距離があると客観的に見えるというのもあって、4人でバンドで演奏してるんだけど、3人がセンターステージでやってる時には普通に「かっこいいな」と思ったりします。自分もやってるんですけどね。

――「メーデー」とか「レム」とか「SOUVENIR」でセンターステージに4人が行く時って、すごいバンドっぽい感じになりますよね。

升：メインステージも他のバンドに比べて距離が近い立ち位置になってると思うんですけど、センターはよりギュッとしていて。当たり前ですけど、4人で音を出してることを感じられるのは楽しいです。

――セットリストについても聞かせてください。個人的に思い入れのある曲についてはどうでしょう？

升：やる前から期待してたのは「窓の中から」ですね。この曲がどういう風に響くのかなって。「ホームシック衛星2024」でもやってなかったし、オーディエンスと一緒に作る曲だから、どういう風にみんなが歌うのかなって、楽しみにしてました。期待以上でしたね。みんなが歌うところは自分が歌ってるところでもあって。ということは、マイクが横にあって横を向いているから、まっすぐ客席が見えなくて。それでもちゃんと拳を上げて歌ってくれてるのがわかったし、すごく嬉しかったです。

―― プレイヤー的な視点としてはどうでしょうか。ドラマーとしての見せ場や工夫があった曲はありますか。

升：「青の朔日」はレコーディングだとサンプル音源と生ドラムっていう2種類の音を使ってるんです。他の曲もそういうのは多いんですけど、どう再現しようかをいつも考えていて。サンプラーを叩いたりもするんですけれど、「青の朔日」に関しては、生ドラムでやった方がいいなと思って。でも途中で音色も変えたい。そういう時はスネアを2つ置いたりしてるんですけど、今はスネアの左側にサンプラーを置いてるからそれもできなくて。じゃあ、サンプル音源のところはスネアにミュートをして、生ドラムのところでそのミュートを外して叩けばいいんじゃないかっていうのを思いついて。それをやってたんです。たぶんあんまり気づかれてないと思うんですけど。

――曲の中で音色を切り替えていた。

升：ミュートを外したり、また戻したりして、2種類の音源を疑似的に出していたんです。注目もされていないし映像にも写ってないと思うんですけれど、これは画期的なことをやってたんじゃないか、発明なんじゃないかと自分では思ってます。

――他のメンバー3人の動きやパフォーマンスで印象に残っているところはありますか？

升：ヒロが「ガラスのブルース」でセンターステージに行ってソロを弾くところとか、「クロノスタシス」のアウトロでチャマと藤原君が向き合って、仕掛け合っているところとか、沢山ありますね。自分は淡々とリズムキープ主体のプレイが多いので、そういうところを見て熱くなったりしますね。

――今回のツアーではホールでのライブもありました。どんな体験でしたか？

升：ホールは本当に初めてだったんですよ。遡れば結成したばかりの時はバンドコンテストで日本青年館でやったりしてたんですけれど、ホールでワンマンライブをやったことは一度もなかった。だからスタッフから提案があったときには、もちろん他の人のライブで行ったことはあるけれど「どんな感じなんだろう」と思ってました。で、やってみたら、びっくりするぐらい近くて。最初は仙台サンプラザホールだったんですけれど、柵がないし、ステージが低いのもあって、体感としてはZeppより近い感じでした。あと、スタッフとかいろんな人に「音の聴こえ方がいい」って言われて。それは嬉しかったですね。

――当然、ドームは物理的に音が届くのに0.何秒かかるわけですよね。演奏とか全てのパフォーマンスが遠くのお客さんにもちゃんと届くことを意識せざるを得ない。

升：そうですね。音楽をやる上で距離は関係ないってつくづく思うんですけど。でも、物理的に近いというのは本当にパワーがあるなって思います。顔というよりは表情がはっきり見えるし、反応がダイレクトに感じられる。ライブハウスもそうなんですけど、ホールは客席が傾斜になってる分、1人1人の顔がよりはっきり見える。自分たちの出した音にどう反応してくれてるのかっていうのがつぶさに分かる感覚は新鮮でしたね。

――ツアーで各地を回ってきましたが、印象的だった場所や記憶に残ってる光景についてはどうでしょう？

升：これも仙台サンプラザホールなんですが、10月9日ですね。これはチャマの誕生日だったんです。だからサプライズでお祝いしようってなるじゃないですか。それが見事にドッキリ大成功って感じで。アンコールの時、こっそり作ってた「Happy Birthday Chama」っていうTシャツをみんな隠れて全員着て。「おめでとう！」って言って。「ハッピーバースデー」をみんなで歌って。予定通りアンコールで2曲やって終わって、みんながハケて。たぶんフジ君がチャマをステージにあげて、チャマがMCして、それで終わりかなって思ったら、チャマからステージに呼び出されて。ベースを持ち出したら「何が始まるのかな、もう1曲アンコールなのかな」って思ったら「これからGreen Dayやります」って言って。ダブルアンコールでGreen Dayの「She」をやったんです。

――これは予定になかった？

升：そうですね。なんでこの曲をやったかという経緯があって。僕らの楽屋のルーティンで「She」を演奏するっていうのがあるんです。僕はドラムセットがないんでパッドを叩くんですけれど。それでウォームアップ的にテンションを上げるというのをいつも楽屋でやっていて。

――昔のツアーからいつもやってたんですか？

升：いや、最近ですね。「be there」の時に始めて「ホームシック衛星2024」でもやっていた。「She」は結成した頃にコピーでやっていた曲で、その時の感じが熱いよなみたいな感じでやり始めたんですね。ただ、僕にしてみれば、ドラムセットで「She」を叩くのは20年以上ぶりだったんです。いつもは楽屋でトコトコ叩いてるだけだったんで。でも、やってみたらすごくよくできた。ビックリしたし、面白かったですね。

――サプライズ返しだった。

升：そうです。ドッキリ返しです。でも構成もバッチリで、終わるところも一緒に終わって、上手くいった。その日の打ち上げも「おめでとう！」「やったな！」みたいな感じでした。ライブの最後のダブルアンコールで藤原君が歌い出して、急いでステージに上がるとか、そういうサプライズは前にもあったんですけれど、Green Dayの「She」をやったのは初めてですね。

――楽屋のルーティンの話はお伺いしましたけれど、その他にもツアー中の決まり事はあったりしますか？　たとえば体調管理のために気を遣っていることなど。

升：あんまり驚かれることはないですよね。ストレッチしてウォームアップしているくらいで、何も特別なことはしていない。当たり前のことをしっかりできることが大事だと思います。強いて言うなら、今回のツアーからライブ翌日のルーティンが変わったんですよ。ライブをやった次の日はいつも早めに目が覚めるんですけれど、疲れてるからお昼ごろまでベッドの上でゴロゴロしてたんですよね。でも、今回のツアー中の大阪あたりから、朝に起きて外に出て周りを散歩するようになった。それを習慣づけたらその日の眠りがすごい良くなった。早起きするようになりました。

――ちなみに、升さんのオンステージの決まり事みたいなことについても聞いてみたいと思うんですけれど。MCの時、いつも直立不動になっているじゃないですか。

升：そうですね。なんかわかんないけど立ってる人っていう。

――だいぶ昔からそうですよね。改めてなぜそうなったんでしょうか？

升：これはインディーズ時代、下北沢でライブやってた頃からのことで。その頃に配っていたアンケートで「見えなかった」という声がすごく多かったんです。でも当時の僕は反骨心に溢れてたんで、MCの時に「どうだ？　見えるだろう？」みたいな感じで立っていたという。それがずっと続いているんですよね。あとは、みんなが喋ってる時に座ってると休んでるみたいで気まずいのもあったりします。

――MCで喋らないというのも毎回のことになっていますよね。ドームの時は肉声で「楽しい」って言って、その言葉を藤原さんとかチャマさんがみんなにマイクを通して伝えるみたいな場面もありました。これの由来は？

升：これも遡ること20年くらい前の話なんですけど、ドラマーの諸先輩方にはMCでマイクを使って面白い話をする方々が沢山いて。「これ、無理だな」って（笑）。だからマイクもなくていいって感じになったんです。

――最後に聞かせてください。ライブでのオーディエンスの皆さんからの反響からはどんなことを感じましたか？

升：当たり前のことなんですけれど、聴いてくれる人がいるからライブができているというのは、改めて思います。またライブできるのがすごい楽しみだし、新しい曲を通して繋がれるのが楽しみだし、すごく素敵なことができている。そういう当たり前のことがすごく重く感じられるようになってきましたね。

――BUMP OF CHICKENって、すごく不思議なバンドだなと思うんです。4人で成立していて、4人でずっと活動が続いてきている。でも、どんどんバンドが新しくなっているし、オーディエンスとの新しい出会いもある。そういう幸福なサイクルが回っているバンドだと思うんです。その感覚についてはどうでしょうか？

升：もちろん中心には4人があるんですけれど、山田健人監督だったり、8％だったり、いろんなスタッフだったり、新しい出会いの中で生まれているものもあるので。みんな、知ろうとしてくれているし、理解しようとしてくれている。それがビジュアルやステージセットにも表現されている。自分としては、コアの部分は一緒だけど、見える景色はどんどん変わっている感じがします。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」升秀夫インタビュー

「Sphery Rendezvous」直井由文インタビュー

――「Sphery Rendezvous」を振り返って、バンドにとって、ご自身にとってどんなツアーになったと感じていますか？

増川：1年間に2回ツアーをやるっていうのはあまりなかったことで。だから、ある種の試練というか、短い期間で良いものにするために超えるべきハードルもあった。それもあって感慨深いものになったなと思います。アルバム「Iris」からの新曲を沢山やったし、いろいろな挑戦ができて面白かったですね。

――準備することも沢山あったと思うんですが、そのあたりはどうでした？

増川：フェスや単発のライブで徐々に曲を披露していくことが多かったんで、いきなり沢山の曲を初披露するツアーの機会はそんなになかったんです。「ホームシック衛星2024」とセットリストも全然違ったので、その前から少しずつ準備してました。曲のレコーディングが終わって少し経つと感覚が離れちゃうので、そうならないように自分の中で細かいフレーズを確認するようにはしていましたね。

――ツアーに向けてコンディションを整えたりする部分もありましたか？ 

増川：始まるまでの準備って、机上の空論の状態がずっと続くわけですよ。どんなにみんなで合わせても、どんなにアンプのセッティングを変えて音をいじっても、あくまでお客さんがいない状態での作業でしかない。ステージ当日まで反応は見られない。そのもどかしさみたいなものがずっと続くんですよね。だからツアーが始まって「これで良かった」って安心した感じはありました。始まってからはずっと楽しかったですね。

――ツアー初日はベルーナドームでしたが、そこでセットや演出を見た時の感覚はどうでしたか？

増川：僕らがセットを最初に見た時も、お客さんの反応に近いものでした。「わ、すごいな」って。神々しいというか、ここで演奏したらどうなっちゃうんだろうみたいなワクワク感がありました。いろんな人たちの準備が初日に収束するので、初日はとても大きな経験ですね。

――山田健人監督の演出はどうでしたか？　円形のステージとリングのインパクトはかなり強かったんじゃないかと思うんですが。

増川：「何か、とてもすごいことが起こるぞ」みたいな感じでした。山田監督はすごく頼もしい感じがありますね。自分たちのライブに対するモチベーションは変わってないんですけど、後押ししてくれるというか、こっちの気分も高めてくれるようなところがある。楽しむ幅が広がったというか、演出によって自分も入り込んでやれるようになった。すごくポジティブな経験でした。

――ベルーナドームはかなり体力的にキツいものだったそうですが、そのあたりはどうでしたか？

増川：すごく暑かったです。ゲネプロも含めると体力的にはかなりしんどかったのはあって。でも僕としては、ここがピークだなっていう。これよりも大変なところはないだろうと思っていたんで。この夏を乗り越えようという感じでした。

――その後のバンテリンドーム ナゴヤ、京セラドーム大阪の辺りはどうでしょうか。オフステージも含めて、どんな記憶がありますか？

増川：それこそベルーナドームも、名古屋も大阪もそうだったんですけど、最近は会場に入ると、楽屋までの廊下に現地のイベンターが名産品のコーナーを作ってくれているんです。それがすごく嬉しいんですよね。ホワイトボードに「歓迎」って書いてあったりもする。各地でその写真を撮って残してあります。僕はそういうのも楽しみなので。ライブはもちろんですけど、それにまつわるいろんなことが好きなんですよね。

――チャマさんのSNSの発信を見ても、各地でメンバーみなさん一緒にご飯を食べているのがわかります。

増川：そうですね。メンバーとスタッフと、主に前乗りした日の夜にご飯を食べに行ってます。ライブ後は遅くなるし、あまり沢山は食べられないので。

――ツアー各地で食べたもの、美味しかったものにはどんなものがありました？

増川：仙台ではセリ鍋が美味しかったですね。北海道は海鮮も食べたし、ラーメンも食べました。名古屋は天むすと、味噌煮込みうどんと、ひつまぶし。福岡はイカのお刺身も美味しかったし、ここでもラーメンを食べました。僕は各地で行ったお店をGoogleマップでピン留めしてるんです。いつかまた行けるように。何年か前からやってますね。

――金沢はどうですか？

増川：金沢も魚が美味しかったですね。あとは地元の丸芋が入っていたお鍋がすごく美味しくて。こっちでは食べないようなお鍋で最高でした。各地に3泊くらいするんですけれど、まともに夜ご飯を食べられる日ってなかなかないので。だから大事にしたいし、なるべくみんなで一緒に行けたら僕は嬉しいです。

――宮城、北海道、金沢はホール公演でしたが、初めてホールに立ってみての感触はどうでしたか？

増川：やっぱり客席が近かったですね。ドームとホールはキャパの差がすごいので、どうなるんだろうと思っていたんです。でも僕らは古くからライブハウスでやってきたので、全然平気だった。ただ本当に近いんで、その感じは面白かったですね。すぐに客席に降りられるような距離感だし、そこで確かめられたものもありました。ドームって、ステージから歓声は聞こえるし、手は上がっているのは分かるけれども、表情までを読み取ることはさすがに難しいんですよ。でもホールの距離感だと表情もわかるし、こういう人たちが来てくれてるんだなって感触が掴める。僕らとしては、大きいところでやるのも好きだし、近いところでやるのも好きなんですよね。いろんな地域に行きたいというのもありますし。

――ツアーを振り返って、個人的に特に記憶に残ってる場所はありますか？

増川：金沢は久しぶりだったし、初めての会場だったんで、ハッキリと覚えてますね。7年ぶりということを言ったMCの感じも覚えていますし、街の感じも好きなんですよ。ドームと違って、普通の住宅っぽいところに会場があるんです。その街にお邪魔させてもらった感じがしてよかったですね。よくライブ翌日に街を歩いたり、地元の温泉に行ったりするんです。金沢でもタクシーで温泉に行きました。各地でそういう場所を調べるのも好きなので。

――ライブ前後のルーティンについても聞かせてください。楽屋やオフステージではどんな感じで過ごしているんでしょうか？

増川：ライブ前のルーティンはメンバーそれぞれあると思うんですけど、僕もある程度は決まってきていて。当日朝は会場でご飯を食べて始まります。前日は早く寝て、起きたらストレッチして楽器を触る。メンバーとはあまり会わないんですよ。みんないろいろやってるんですよね。喉の調子を整える人もいれば、セッティングで楽屋にいなかったりする人もいれば、イヤホンで曲を聴いてチェックしてる人もいる。それぞれのルーティンがあって、自分もいろいろ確認したりしてますね。

――決めていることはありますか？

増川：自分の中のルールとして、あまりお菓子を食べないようにしているというのはあります。深い理由はないんですけれど、口の中が甘ったるくなるのを避けたいというのと、血糖値をそんな上げたり下げたりしない方がいいと思うので。そういうことは気にしてますね。

――オンステージの決め事についてはどうですか？　動きやパフォーマンスで心がけていることは？

増川：山田監督と一緒にやるようになってから、いろんなアドバイスをくれるようになったんです。いつもステージの端の方まで歩いていったりするんですけれど、曲によってはあまり激しく動かない方がいいと言ってくれたりする。むしろこの曲は行かない方が格好いいです、と。そういうこと言われたのは初めてで、すごく見えてるんだなって思いました。自分の立ち位置と照明や後ろのモニターとの関係も含めて、有機的にステージが作られているのを信じられるので、いい意味で、あまり個を出す必要がないと思うようになった。自分が積極的に意識しているわけではないんですけど、そこについては安心してやってますね。

――見ている人からすると、動きにメリハリが効いて感じられるのは大きいと思います。

増川：そうなんですよね。この曲でここまで行く、っていうのをとっておいてあるというか。その効果は大きいと思います。

――セットリストについても聞かせてください。思い入れのある曲、記憶に残っている曲はどうでしょうか？

増川：みんなも同じこと言ってそうだけど、「レム」のアイデアは自分も意外だったので、とても新しい気持ちでやれました。あと「アカシア」にはすごくお世話になったような感じがありますね。ライブにおける新たなアンセム的なポジションになってくれたのが、すごく頼もしかったです。

――「お世話になった」って面白い表現ですね。でもアンセム的なポジションになったというのはすごくわかります。

増川：そうなんですよ。ライブは生物で、僕らとお客さんで作っていく空間だと思うんですけど、それにおいて「アカシア」はとてもいい結びつきを生んでくれる。気持ちを連れていってくれるような感じはありました。

――コロナ禍でライブができない時があったり、声が出せない時期があったり、そういう過程でできた曲ゆえのエネルギーみたいなものが曲に宿っているような感じもありますね。

増川：本当にそうですね。最初に「アカシア」をやった時は、まさにそういう状況だったので。コールアンドレスポンスはできなかった。そこを超えてきた曲でもあるので、こっちも感慨深い気持ちになりました。

―― ギタリストとしての目線ではどうでしょう？　ギターのプレイや音作りに関してこだわった曲は？

増川：「青の朔日」や「邂逅」は、ギターのサウンド面でライブに向けてかなり作り込んでいきました。今までの、クリーン、クランチ、ソロという3つだけじゃ、どちらも全くチャンネルが足らない曲なので。それ以上の、1曲の間に7つくらいの音色を使い分けてます。

――どちらの曲も音色に語らせるというのが楽曲に求められる感じはありますね。

増川：そうですね。生半可じゃ演奏できない曲だなとは思います。すごく繊細で、やればやるほど、突き詰めるポイントが精細になっていくみたいな感じでした。他の曲もどんどんそうなってきてますね。「ガラスのブルース」も「もっと合わせられるんじゃないか」みたいな感じになってきている。藤原君がギターを弾かなかったら、演奏は3本だけで、そこに歌が乗る。それって究極の状態じゃないですか。一番ソリッドで、一番楽しくて、一番恐ろしい部分だという。そういうことは考えてますね。「レム」もそうですね。「レム」は、このツアーのリハの初日から最終日までで作ったようなもので。この曲は曲中でギターを持ち替えてるんですけれど、そういうことって、これまでほとんどなかったんです。それもスリリングで面白かったです。あの曲の後半はかなり没入してますね。

――あそこまでギターを弾きまくるシーンは、BUMP OF CHICKENの楽曲だとなかなか珍しいかもしれないと思いました。それによって生まれるパワーも大きいし、センターステージでそれやってるというのがすごくいいなと思います。

増川：確かに。僕もやってみてもさらにいいなと思いました。センターステージはすごく良かったですね。曲の表情が変わるところも含めて、自分たちも楽しかったです。

――ツアーファイナルの東京ドームでのことについても聞かせてください。MCで「始まったからには終わってしまう」と言ってました。あの時にはどんな思いがありました？

増川：本当にその言葉の通りなんですよ。毎回その日のためにいろんなものを持っていくんですけど、これが終わったらその場所はなくなるんだなって。単純に寂しい気持ちがあった。「始まったぜ！」って言えばいいんですけどね。そういうつもりだったんですけど、そう言ってしまう。

――序盤から終わってしまう寂しさを共有しているって、すごくBUMP OF CHICKENのライブらしいなと思います。

増川：そうですよね。年齢と共にそういうことを考えるようになったのかもしれない。さっき言った、なるべくみんなでご飯食べたいというのも、わりとそういう気持ちもあって。全てを知っている神様のような存在がいるとしたら、「この日のライブは、一生のうちの何回目だよ」って知ってるわけじゃないですか。そういうことを考えると寂しくなってくる。各地で食べた食事もそうですし、みんなで行った移動の時間もそうですし。そういうことを考えることが増えたような気はします。

――ツアーを終えて、その先の予定はしばらくない、と。その時の気持ちはどうでしたか？

増川：直後は、抜け殻的になってました。しばらくしてからじわりと、「もうないんだ、寂しいな」という思いがやってきて。2024年はほとんどそうだったんですけど、家に帰ってもスーツケースをしまわないんですよ。洗濯物を出したり、多少は片付けるけれど、すぐ出せるように部屋の隅っこに置いていたんです。それをしなくて良くなったなって思った時にすごく寂しくなってきて。そういうところで実感がわいてきました。でも、いいツアーをやれた手応えもあったので、自分をいたわってご褒美を与える時間を能動的に作ろうという気持ちもありました。頭をフレッシュにしたかったし、のんびりと、あまり予定を考えずに過ごすこともした方がいいだろうなと気持ちを切り替えるようにしてました。

――わかりました。ちなみに、ツアー中にハマっていたものについてはどうですか？　コンテンツでも行動でも、マイブーム的なものはありましたか？

増川：僕は相変わらず、iPadに漫画を入れて読んだり、昔から好きな音楽を聴いたりしてましたね。あまり好みは変わってないんです。最近だったらSmashing Pumpkinsを聴いていたし。そんな感じで、若い頃から変わらず同じようなものを聴いてます。いい音を聞くと、「その音ってどうやって出してんだろう」みたいな。そういう作用もあるので。

――漫画はどうでしょう？

増川：漫画は電子書籍化してから、気付いたら沢山本を買ってますね。最近の漫画は本当に面白い。『この世界は不完全すぎる』とか、いわゆる異世界系も沢山読んでました。あとは山田芳裕先生が好きなので『望郷太郎』も読んでましたし。ジャンプも大好きなんで読んでました。あと、最近は藤田和日郎先生の『シルバーマウンテン』が出たのでそれを読んでます。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」増川弘明インタビュー

――ちなみに、ツアーで思い出深いエピソードはどんなものがありましたか？

藤原：若い頃って、もっと各地を観光していたんですよ。でも、ライブに向けて「こうやったら声がもっと出る」とか「こうやったら翌日の筋肉疲労が減る」とか、いろいろわかってくることが増えてきて、だんだん観光できなくなってきた。いいことではあるんですよ。伝えたい思いがあって、そのためにしっかり準備するわけなので。でも観光があまりできなくなったことは寂しいことではあるんです。それでも今回は金沢の2days終わった次の日に1人で頑張って観光に行きました。頑張って早起きして、タクシーに自分の身体を放り込んで、前に友達に教えてもらった神社に行ったんです。そしたら、朝から土砂降りだったんだけど、タクシーから降りたら雨が止んだんです。帰りにタクシーの運転手さんに「ここの近くにあるあそこの神社も人気スポットだよ」って言われて。神社を2つ巡って、すがすがしい気持ちで帰りました。ヘトヘトだったけれど、金沢のライブに来てくれた人の街のことを少しでも知ることができて、刺激的でした。

――プレイヤーとして熱量高く向き合ったと思える曲にはどんなものがありましたか？

藤原：ギターにおいてリードを取る曲が何曲かあって、そのうちの何箇所か、例えば「飴玉の唄」のギターソロとかでは、各会場で同じことを弾かないというのはありましたね。最初に何回かやってるうちに毎回違うフレーズが出てきたんで、その時の思いつきで弾こうとなった。それは面白かったです。

――リスナーの中にはご存じの方も多いと思うんですが、藤原さんはライブごとに曲の歌詞が細かく変わることもありますよね。ギターフレーズが変わるのと共通するような感覚はありますか？

藤原：同じだと思います。ギターフレーズが変わる、歌詞が変わる、歌メロがアレンジされる、これは全部同じところが出どころになっていると思います。音楽的な楽しさだったり、本能的に伝えたいと思ったことが優先されてしまうんですね。気をつけてはいるんです。たとえば「ここは他のメンバーがハモるところだから」とか。でもそこで別の歌詞を歌っちゃったりする時も稀にある。そうするとハモるメンバーはびっくりするじゃないですか。特にヒロとチャマには「ごめん」ってなる時はあるんですけど。そこでも自分の本能的な部分が優先されちゃう時があります。よくあるじゃないですか。若い頃は原曲に忠実に歌っていたミュージシャンが、キャリアを積むにつれて、歌い方にクセが出てきたり、やたらアレンジするようになるって。でも僕は若い頃からそうなんで（笑）。

――たしかにそうですよね。

藤原：ライブって、そうなっちゃうんですよ。目から入ってきたり感じたりした情報がそのままその時歌う言葉に反映される。やろうと思ってそうなるわけではなくて。ただ、曲によるんです。ギターフレーズに関しても、決まったことをちゃんとやることが自分の中でビンビン来るという曲もある。でも、そうじゃないものは毎回違うことをやりたい。今のところはそれで良いかなと思っています。原曲と全く同じものが聴きたいという方に対しては、ただただ「ごめんね」と思います。年とったからとかそういうことでもなく、ガキの頃からこうなんです。その時の音楽的な楽しさ、本能的に伝えたいと思ったことが優先されてしまいます。

――ツアーを振り返って、どの公演が印象的でしたか？

藤原：仙台サンプラザホールは心に残っています。チャマの誕生日をみんなでお祝いできたのも嬉しかったし。あの日はチャマが最後に出て一言言わないとお客さんも納得できないよなと思って、僕がチャマに締めの挨拶を促したんです。そしたら「メンバー出てきて」と言われて、楽器を持つよう促された。で、チャマはまさかのGreen Dayの「She」をやろうと言い出して。

――やってみてどうでしたか？

藤原：「She」は、「ホームシック衛星2024」の時に楽屋で本番の5分前くらいにウォーミングアップ代わりに演奏してたんです。升くんは練習用パッドを叩いて、増川くんがミニアンプを使ってエレキを弾いて、チャマはベース、僕は歌うだけか、あるいはアコギがあったらアコギも弾く。それでGreen Dayの「She」と「Pulling Teeth」をやっていたんです。どっちも10代の時にコピーして実際ライブハウスでもやったこともある曲です。「ホームシック衛星2024」の時はやってたけど、「Sphery Rendezvous」になってやらなくなっていたんですよね。で、その曲を突然チャマからリクエストされて20数年ぶりにステージでやったんです。2番のところは音源ではなくライブバージョンのビリー・ジョーを真似して歌うみたいなことまでしちゃったりして。チャマが「She」をやろうぜって言ったときはびっくりしましたが、でもやれてよかったなって。思い出の曲を4人であのタイミングでステージの上でやることができて、それを仙台サンプラザホールに来てくれたお客さんに見届けてもらえて、本当に良かったなと思いました。

――最後に聞かせてください。アルバム「Iris」のインタビューをさせていただいた時には「これからツアーに向かって、そこで『きっとこういうことだったんだ』って気付くこともあるだろう」と仰ってました。その予感に対して、実際にツアーを終えた時に感じたことはどんなものでしたか？

藤原：終わった時に感じたことは、結局、バンドのことは俺たち4人全員が分かってたんだな、ということだったと思います。だんだん気付いていったのは、これは5年分の何かだったということ。9月7日から12月8日までの3ヶ月間のことではなくて、ケリをつけなければいけない5年分の何かを持ってステージに上がってたんだなっていう。28年分の何かとも言えるかもしれない。それは「Sphery Rendezvous」というタイトルをつけた時にきっと思っていたこと、感じていたこと、分かっていたこと、知っていたことで。もしかしたら知っていることに無自覚だったり、無意識的なものだったかもしれないけれど、その大事なものを分かっていくツアーだった気がします。曲を受け取ってくれた人が存在するということ、そしてその人と会うということ。この4人でいる意味とか、ステージがあること、ライブをすることの意味とか、そういう根源的なものが全部詰まったツアーだった。それを僕ら4人は知っていたということを分かっていった気がします。だから新たな発見があったとかではないです。

――必然を手にしていくという感じですね。

藤原：そうですね。より自分たちのことが分かった。そういう5年間であり、1年間であり、3ヶ月間だったなと思っています。



取材・文 / 柴那典

「Sphery Rendezvous」藤原基央インタビュー

-このインタビューは「BUMP OF CHICKEN TOUR 2023 be there」最終日である5月28日に公開されるアプリ「be there」のオリジナルコンテンツとして掲載されます。
はじめに、この「be there」というツアータイトルとアプリ名、アプリ自体に込めた思いについて、教えてください。

アプリは最初はスタッフから提案をもらって、そのプレゼンテーションをメンバー4人で受けるところから始まったんですけど、その時の僕らの反応としては8割が「すげー」みたいな感じで。
　
「なるほど、こんなことが出来るんだ」とか「え？そんな事がやれる可能性もあるの？」みたいな「すげー」と「期待」が詰まった内容で、僕たちの思う「こうだったらいいな」が沢山あるものだったんですね。
　
その「こうだったらいいな」をさらに4人とスタッフと技術者の方とでやりとりしながら、このアプリは少しずつ作られていったものです。

その「こうだったらいいな」っていうのは、これはキャリアを積むにつれてどんどん肥大化していった思いで、今なお年々強くなり続けているんですが、ライブで出会う一人一人、僕らの音楽を受け止めてくれた一人一人の少しでもそばにいけないか、という事なんです。

ミュージシャンである以上、自分も、自分の音楽も、リスナーという存在にものすごく支えられていて。聴いてくれる人がいるって事は間違いなく救いで。
 
聴いてくれる人がいる、その結果として自分が音楽をやっているこの世界に自分の居場所があって。
 
その人の日常の中の暇つぶしみたいなほんの何分かでも「君は耳を貸してくれている」っていうこの事実が、僕の心の拠り所、居場所を作ってくれていて、その事実に何度も助けられているんです。

例えば今回のツアーでも2か所、今まで行った事のない街に行ってライブさせてもらって、この街ではデートや友達と遊ぶ時にこんなところで待ち合わせして、放課後はこんなところに寄り道してこんなゲーセンとかでみんなで溜まって、みたいなものは僕たちは当然何も知らないわけですよ。
あっちの通りに行ったらちょっと怖い先輩とかいるからあまり行かないようにしよう、みたいな事とかね。
そういうその街における特有の原体験、原風景のようなものを共有した事は、僕たちとライブに来てくれる人との間には無いはずなんです。

それなのに、地元が一緒なわけでもなく、長い時間や体験を共有したわけでもない間柄なのに、ライブで出会ってほんの数時間を共に過ごしただけなのに、すごく繋がっている感覚があって。
この感覚は自分勝手な、もしかしたら僕だけかもしらんけど、すごく深いところでものすごく大きなものを共有したような感覚があって。

みんなが見てくれているように僕も見るわけじゃないですか、ステージからみんなを。
そうすると、こっちの40代くらいの女性は3曲目でノリノリですごい笑顔で、こっちの20代くらいの男性は4曲目で涙流して鼻水垂らしながら聴いてくれてて、その時は最初の女性はそんなでもなくて（笑）、みたいな様子を目の当たりにするんですけど。
こっちの人にとって3曲目はよっぽど何かあったんだな、こっちの人にとって4曲目はよっぽど何かあったんだな、って思うわけですよ。
もっと言うと、同じ曲で2人泣いていても、こっちの人とこっちの人じゃ、なんでその曲で泣いてしまうのかっていう理由やストーリーはそれぞれ全く別のものがあるわけで。
その涙が嬉しいものか、悲しいものなのかさえ違うかもしれない。
何か大切な物語があって、こう涙や笑顔や鼻水やらになるわけじゃないですか。その理由となる背景や文脈を知りたくなるんです。

人生のどこかのタイミングで、僕らの知らない街で僕らの音楽を受け取ってくれた人がいて、その人と僕との真ん中には音楽があるっていうたったそれだけなんです。
僕は僕で、たったそれだけの事にすごく助けられていて。
僕らが音を出したら君は聴いてくれる、耳を貸してくれる、っていう事実に何度も救われているんです。

スタジオでレコーディングしている時にも、マイクの向こうに待ってくれている人、受け止めてくれる耳が存在している事を想像するし、ライブだとそれを実際に目で見て、その感覚がより確かなものになって。

今目の前で泣いているこの人は、あの時あのスタジオで僕が想像した耳の持ち主なんだ、ようやく会えた、と。
こんなにもその一人一人と繋がれたような、大きな何かを共有できたような、そんな感覚って他にはないだろう、と。
でもその相手と共有できているものはそれ以外にはないわけで。

で、こんなに深いところで繋がれたのに、1時間とか２時間とか時間が過ぎれば当然ライブは終わるわけで、あっという間にお別れで、僕はステージを降りるわけです。
ステージの上から見えたあの人やこの人やあいつやこいつから感じた事を抱えたまま、ホテルや家なりに帰るんです。
そうするといっぱい考えちゃうんです。
ついさっきまで目の前にいた人はそこでライブの時間を共に過ごした以外は何も知らない相手なんですよ。

その人はこの先の未来で、大丈夫な時は大丈夫だろうけど、ピンチの時もあるかもしれない。
疲れてる時、人に会えない時、布団にくるまってる時、引きこもってる時、メイクだけは出来たけどやっぱり家を出る一歩が踏み出せないとか、学校行こうと思うとお腹痛くなっちゃうとか、そもそも何もできないとか、そういうピンチがあるかもしれないですよね。

そんな時、これも勝手な話ですけど、どうにかして側にいられないかなという思いがあって。
なんでそうしたいかというとやっぱり、さっきも言いましたけど、救われてきているんですよ。

ほんと曲書いてる時とかにどうしようもない袋小路に迷い込むような時もあるし、自分が好きなものを他の人が好きになってくれるかどうかにはいつも自信ないし、そういう時に「この曲をいつか聴いてくれる君がいる」という事実が、灯台のように目印になる時があるし、足元を照らす松明のような味方になってくれる時もある。

そうしてもらったから、自分にもそれが出来るならしたいんです。
照らしてくれたから照らしたいし、こっちだよって手を振ってくれたから振り返したいんですね。
居場所をくれた相手の居場所にだって、なれるんだったらなりたいんですね。

こういう思いは元々ずっとあって、27年の活動の中で日々強くなっていったものなんですけど、音楽をやる上で改めて重要なものだなと思うんです。

そういうところから「be there」という名前をこのアプリに付けました。

そんでそのままツアータイトルにもなっちゃいました。
ちょうどその頃、今年2月からのアリーナツアーのタイトルを誰も思いついていなくて、元々は昨年のライブハウスツアーからの流れで「Silver Jubileeアリーナ」みたいな感じに自動的になりそうだったんだけど、「25周年」っていう意味の「Silver Jubilee」を一体いつまで擦るんだろうねっていう話にも、皆の中でなっていて。
いいかげん27周年じゃんって誰かに言われる前に自分達で思ったというか。
でも誰も代案を思いつかないみたいな状態で。

じゃあこの「be there」が良いんじゃないか、となったわけです。
この言葉はアプリの名前としてだけじゃなく、そもそも自分たちの活動の根元にとても近い部分を表していると思うし、自分たちにとって今一番熱のこもっている言葉がツアータイトルになるなら、それはとても相応しい事だと思うので。

オーロラを見に行くより難しいこと

-ありがとうございます。では、その重要な概念であるbe thereとタイトルを付けた、このアプリに求めていることをもう少し教えていただけますか？

自分の音楽を聴いてくれた人や、それをきっかけにライブに来てくれた人に対する思いはここまで散々お話しさせてもらったとおりですが、なんだったらその一人一人と、ファミレスとかで朝まで語り明かしたいくらいなんですね。
でも物理的にも時間的にも不可能な事で。
これは今まで本当にどうする事もできなかった、どうしようもないモヤモヤを抱えていて。

それこそ、「オーロラ見に行く」とかより「ライブに来てくれた1万人の一人一人とファミレスで語り明かす」の方がよっぽど難しいじゃないですか。
オーロラは見に行く気になったら、ちょっと頑張ったら行けたんで。
これはどれだけそうしたくてどれだけ頑張っても、どうしようもない事というか。

そういうどうしようもないモヤモヤを27年悶々と抱えていたところに、アプリを作ってみないかって話がきて。
なんか今まで抱えてきたその思いが、形は違えど少しは叶うんじゃないかって思えたんですよね。

何人いようと、何万人いようと、望んでくれた人、選んでくれた人の一人一人の日常の近くにいさせてもらう事。
そうしたくてもそうできなかった事。

このアプリならそのどうしようもないモヤモヤが、ライブや今までの活動とは違う形で解消できるかもしれないって、そんな切実な思いとワクワクがあります。
こういうアプリがあれば、なんかこう、なんとかできるのかな、って。

僕は聴いてくれる人の存在に何度も助けられてきたんですね。
辛い時は心の拠り所になってくれたし、ミュージシャンとして居場所をもらったという気持ちもあります。
だから同じ役割を果たしたいんだと思います。
僕らの音楽が、大切に聴いてくれるその人の拠り所や居場所になれたら本当に嬉しいし、このアプリがそうなれたらいいなと思っているんです。

-ありがとうございます。話が聞きたい、君と話がしたい。その思いが本当に伝わってきます。新曲、「窓の中から」にも「ここにいるよ」と居場所を感じさせるフレ
ーズが出てきますね。

そうですね、「会う、話す」っていう行動はコロナ禍において制限されて、2年8ヶ月ぶりの有観客ライブを2022年の我々のごく私的な記念日である2/11に予定していたのですがそれも7月に延期になった上でようやくやる事ができて。
「会う、話す」って事も制限されて「有観客ライブ」なんていう特殊な言葉が生まれるような、そんな中で「窓の中から」っていう曲を書いた事もおそらく手伝って、考える事、思う事もありました。

曲を聴いてもらえる、ライブで出会える、ってことは、僕らはいつも一人一人、それぞれの世界をそれぞれの目的を持って旅をしていて、その旅の中でたまたま出会えたくらいの奇跡みたいなもんなんだな、と。

そんな奇跡みたいな繋がりの先にもそれぞれの世界はまだ続いているわけで。
その先の世界でも僕らのことを探してくれたんだったら、スマホっていう窓枠を通してそっちの世界から見つけてくれたんだったら、昼夜なんか関係ない締め切った部屋の中で、息の詰まりそうな空の下で、スマホだけなんとかタップしてくれたんだったら、そこにはどうにかして僕らは居たい。

そういう思いが積み重なって広がって凝縮されていって結果こういう、「誰も知らない銀河に浮かぶ小さな窓」というモチーフのテーマになるような概念に辿り着き、それをVERDYに伝えたら、いつもなんですが今回もすごく真剣に聴いてくれて、すごく大切にデザインに落とし込んでくれて、今回のツアーのいろんなアートワークとアプリのロゴのデザインが完成しました。
見る度にワクワクします、最高のデザインをしてくれました。

自分たちでコントロールできるメディアがあったらいいのになって思った

ごめんなさい、アプリに求める事ですよね。

これはやっぱりコロナ禍の時に思った事なんですけど、コロナ禍においての最初の一年くらい、どういうふうに活動していったらいいかわからなかったんですね。
ライブはもちろんの事、普通の制作作業はおろかミーティングにさえもそれなりに制限が及んで、もどかしかったですね。
もともと発信する手段が決して多くはなく、ただでさえフットワークの重めな僕らは、今まで応援してくれていたリスナーに、この制限の中にいる今、僕らの音楽や思う事を、どうやってどんなふうに伝えられるか、というところでだいぶ足踏みしたんです。

毎週やらせてもらっていたラジオもしばらくお休みしていて、様子を見ながら再開する運びになったけど、やっぱりラジオって人様の局にお世話になっているものだから、ラジオに限らずあらゆるメディアに言える事ですけど、やっぱりあの制限の中で皆さんがそれぞれの責任を持って運営されているもので。
僕らの番組だからといって僕らの都合で好きな時に好きなようにやって良いものではないし。
全部のメディアに対してそうですよね。
僕らが何かしたいとしても、僕らが何か発表したいものがあったとしても、完全には責任持ってコントロールできない。

こんな時自分でコントロールできるメディアを持っている人たちは、もっとそこは強かったろうな、もっと積極的にメッセージを送れたろうなと思いましたね。

だから何かを発表するにしてももうちょっとオフィシャリティが高くて、もうちょっと近くに感じられて、そして自分達でコントロールできて、「僕たち四人からあなたに対するメッセージです」っていう、自分達だけの特別な発表の場があったら良かったな、と。

あとは27年の活動の歴史の中で、時代が進むにつれて、コンテンツ自体は自分達の手元にあっても、そのコンテンツのプラットフォームごと無くなったりとか、せっかく応援してくれている人がいるのに申し訳ないな、もったいないな、どうにかして残せないかな、と思うような事もあったんですね。

当時すでに自分達にこういうアプリがあったら、発表や発信の場としても使えただろうし、コンテンツを残していく事も可能だなと思いました。

今話した事はパッと思いついたところで、他にもいろんな人からいろんなアイデアが出てますけど、その中のどれくらいが実現されるのかはちょっとまだわかりません。

でもとりあえずワクワクしてます。

ライブっていうのは、僕らが音を出したら君は受け止めてくれる、って事を確認できる行動で、ライブ自体がその証なんですね。

やっぱり僕らは聴いてくれた人に「会う」ためにライブをやってるんだなっていう事を昨年と今回のツアーで改めて思いました。
なのでライブはしっかり続けていきたいですね。
受け止めてくれた事を「会う」って事で確認してる、会えたという事自体にシンプルだけど大事な意味があるんです。
もちろん全力でいいパフォーマンスが出来るように努めるし、そのために準備もするしフィジカルだって整えるけど、一番大切な大前提は君がそこにいるって事で。
ライブっていうのは、僕らが音を出したら君は受け止めてくれる、って事を確認できる行動で、ライブ自体がその証なんですね。
音楽を作って、送って、届いた事を確かめにいく、ということの繰り返しを今までどおり、大切に続けていきたいですね。
ツアーはそろそろ終わってしまいますが、また会えることを楽しみにしながら、これからも音楽やっていこうと思います。

BUMP OF CHICKEN との出会いやストーリーについて

このアプリでは、インタビュー内で藤原が言及していた「そこに至るまでの涙の背景、文脈を知りたい」という気持ちから、BUMP OF CHICKENとの出会いやそこからの文脈に関する皆様からのお便りをお待ちしています。

メンバーへの質問やインタビュー内容の希望リクエスト

また、メンバーへの質問やインタビュー内容の希望もお待ちしております。
全ての質問やリクエストにお応えはできませんが、参考にさせていただき、メンバーとも共有させていただきます。公式サイトやSNS、アプリに掲載する予定はありませんが、こちら側が掲載を希望した場合は掲載許可のご連絡をさせていただきます。

BUMP OF CHICKEN の楽曲を使って、60秒以内の動画を作成して、応募してください。
こちらも、公式サイトやSNS、アプリに掲載する予定はありませんが、こちら側が掲載を希望した場合は掲載許可のご連絡をさせていただきます。

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